domingo, 29 de abril de 2018

JORGE CASTILLO en Coruña




     Exposición: «Jorge Castillo. A visión dunha obra» 

  
                   


La Sede Afundación A Coruña abre sus puertas a una nueva exposición «Jorge Castillo. A visión dunha obra», comisariada por Pilar Corredoira. Hasta el 2 de junio podemos disfrutar de uno de los grandes maestros de la pintura contemporánea europea de la segunda mitad del siglo XX, uno de nuestros artistas más internacionales.

La exposición reúne un conjunto de piezas, la mayoría pinturas, que hacen referencia y sitúan los diferentes momentos creativos de Jorge Castillo entre 1952 y 2017. Más de medio siglo de actividad continuada e incansable que refleja la singularidad e independencia de su universo.
 
 


El imaginario de su obra se centra en el dibujo y en una extensa variedad de proyectos que muestran su talento en la pintura, el grabado, la ilustración, la escenografía o el cine. Castillo observa el mundo con una destacada vena poética y unas cualidades narrativas que es capaz de llevar a sus cuadros. Figuras aisladas o en grupo, actores, clowns, naturalezas muertas, paisajes urbanos, plantas, animales, mesas desestructuradas, inmortalizadas en escenarios intemporales, con una particular gama cromática, se encuadran en una atmósfera irreal, en un espacio transitable con su propia particularidad vital.
 
En esta exposición que recorre su obra podremos detenernos en algunos de sus momentos creativos más sobresalientes, marcados por una personalidad inquieta y viajera. Diferentes ciudades de Europa y América fueron su casa por etapas y sus pinturas muestran influencias de cada una de ellas, fueron un marco para su obra, entrando en ella no solo como meros paisajes urbanos, sino también como entes culturales, históricos, artísticos o literarios. Buenos Aires, Madrid, París, Barcelona, Ginebra, Boissano, Berlín, Nueva York, Jerusalén, Ibiza, Helsingborg conforman un conjunto contrastado de culturas y paisajes que el artista integra en su universo creativo, pero sin renunciar a su esencia.
 
 
 
Las inquietudes estéticas y también éticas de Castillo se pueden percibir en cada etapa de su trabajo, que fue herramienta de reivindicación, de protesta hacia situaciones que afectan a las vidas de las personas, de realidades políticas y sociales. La faceta humana del artista sale a relucir en sus creaciones.
 
Para este proyecto expositivo tenemos la suerte de contar con la magnífica ayuda del propio Jorge Castillo, quien nos ha puesto al alcance su taller de Madrid, sus recuerdos y vivencias, opiniones sobre aspectos de sus etapas vitales o sus preocupaciones actuales, reflejando su intensa implicación y una energía fuera de lo común. Nos ha dado la posibilidad de presentar una exposición con un valor histórico especial.
 
 
 

sábado, 28 de abril de 2018

FOTOS CON ALMA



              

                      ED VAN DER ELSKEN ( 1925-1990 )

                       Exposición en Madrid. Sala Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza

                

  
                      
 
Oportunidad de visitar la retrospectiva más extensa realizada en España sobre el trabajo fotográfico y cinematográfico de Ed van der Elsken, una de las figuras más relevantes del panorama artístico de la segunda mitad del siglo XX.
 
Elsken definía su cámara como "caprichosa"; de sí mismo dijo: "No soy un periodista ni un reportero objetivo; soy un hombre con gustos y aversiones".                              
 
Sus fotografías, cotidianas, íntimas y en muchas ocasiones autobiográficas, reflejan el alma oculta de seres que habitan planos del amor, el sexo, el arte y la música.
 
La exposición ha sido organizada por el Stedlijk Museum de Ámsterdam en colaboración con la Fundación y el Museo Jeu de Paume de París.
 
 
 
 

Ed van der Elsken (Ámsterdam, 1925 - Edam, 1990) fue un fotógrafo que desarrolló buena parte de su trabajo en las calles de distintas ciudades de todo el mundo, desde su Ámsterdam natal hasta París o Tokio, buscando lo que él llamaba “su” gente, gente auténtica y genuina con la que en muchos casos se identificaba.
 
La fotografía fue para él un medio con el que experimentar y exteriorizar su propia vida, razón por la que su personalidad queda reflejada tanto en la relación que entabla con sus personajes como en sus numerosos autorretratos. La modernidad y la autenticidad visual de sus imágenes están en consonancia con su espíritu aventurero y, a la vez, con el estilo de vida inconformista de las personas cuya vida cotidiana compartía.
 
Esta exposición, abierta hasta el 20 de mayo, ofrece una nueva reflexión sobre su trabajo y muestra sus diferentes facetas como fotógrafo, cineasta y autor de libros. Además de una amplia selección de sus fotografías, la muestra incluye maquetas de sus publicaciones, hojas de contactos y bocetos que permiten comprender mejor su método de trabajo. Asimismo, los fragmentos seleccionados de sus películas, en blanco y negro o en color, ponen de relieve su labor como cineasta y permiten entender la estrecha relación que en la obra de Van der Elsken existe entre la práctica cinematográfica y la fotografía.

 

 
 


jueves, 26 de abril de 2018

DE PICASSO A KAPOOR (exposición)



                         De Picasso a Kapoor.

            Obra gráfica e Múltiple Contemporáneos

Sala de Exposicións do MPLugo  (do 24 de abril ao 20 de xuño de 2018)
          
Artistas con obra en exposición:
 
Pablo Ruíz Picasso, Joan Miró, Marc Chagall, Salvador Dalí, Rafael Canogar, Luis Feito, Antoni Tápies, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Manolo Valdés, Miguel Berrocal, José Guerrero, Eduardo Arrollo, Richard Serra, Joseph Beuys, Jannis kounellis, Arnulf Rainer, Pierre Alechinsky, Karel Appel, Victor Vasarely, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Sol Lewitt, Andy Warholl, Miquel Barceló, José María Sicilia, Luis Gordillo, Jaume Plensa, Damien Hirst, Spencer, Tunick, Takshi Murakami, Paul MacCarthy, Yoshitomo Nara e Anish Kapoor.
Algunhas das obras en exposición están repartidas polos outros tres museos da Rede Museística e para coñecer a mostra no seu conxunto proxectarase un vídeo en todos os museos.

Museo Fortaleza San Paio de Narla (do 24 de abril ao 20 de xuño de 2018).

Obra de Rafael Canogar, Antonio Saura, Miquel Barceló, Jaume Plensa e José Mª Sicilia.

Museo Pazo deTor (do 24 de abril ao 20 de xuño de 2018).

Obra de Pablo Ruiz Picasso, Salvador Dalí, Rafael Canogar, Antoni Tápies, Eduardo Chillida, Miquel Berrocal, Miquel Barceló, Jaume Plensa, José Guerrero e José María Sicilia.

Museo Provincial do Mar (do 22 de maio ao 20 de xuño de 2018).
 
Obra de Pablo Ruiz Picasso, Salvador Dalí, Rafael Canogar, Antoni Tápies, Eduardo Chillida, Miquel Berrocal, Miquel Barceló, Jaume Plensa, José Guerrero e José María Sicilia.

 
 

miércoles, 25 de abril de 2018

DAN FLAVIN (exposición)




Hasta el 4 de mayo, en Madrid, en la Galería Cayón ( calle Blanca de Navarra 7 y 9 ), podemos disfrutar de una retrospectiva de la trayectoria artística de DAN FLAVIN, pionero en la utilización de luces fluorescentes. Las instalaciones creadas por Flavin mediante el uso de luces fluorescentes eran tan simples como impactantes. Sus trabajos conforman series de estas piezas luminosas fijadas en una matriz en posiciones diferentes.


 
El objetivo del artista era el de usar estas luces para crear situaciones que les otorgaban un nuevo significado a los espacios a su alrededor. A través de sus obras exploró las posibilidades de la luz y el color reinventando los conceptos de instalación, escultura, arquitectura y pintura. De esta manera, establecía una nueva dimensión espacio temporal.
 
 
 
Dan Flavin nació en Nueva York en 1933. Desarrolló su carrera de la mano de la corriente minimalista.

 

 Aunque falleció en 1996, su obra sigue inspirando a numerosos representantes del movimiento minimalista, como el fotógrafo francés NICOLÁS RIVALS
  

martes, 24 de abril de 2018

¿ BANKSY EN FERROL ?


    ¿Es esta la primera obra de Banksy en España?

El artista británico podría haber acudido a la llamada de un grupo que busca regenerar el barrio de Canido, en Ferrol

 


Una obra aparecida en una fachada del barrio de Canido, en Ferrol, podría ser la primera de Banksy en España, según ha reconocido Eduardo Hermida, promotor de la iniciativa de Las Meninas de Canido, que en 2017 invitó al artista británico a participar en sus actividades. Hermida ha relatado que supo del hallazgo gracias a una llamada telefónica.
 
Coincidiendo con la fiesta grafitera con la temática de Las Meninas, en 2017 se reservó a Banksy la pared de una vivienda de la barriada por si quería sumarse, espacio que hoy ha amanecido con la creación. El organizador de la cita cultural, concebida como reivindicación para la mejora de la zona, que permanecía degradada, ha admitido que no será sencillo comprobar si la obra, que retrata a dos agentes de la Guardia Civil besándose, corresponde al británico.
 
Aunque Hermida ha indicado que el artista cuenta con soportes en internet donde «cuelga las cosas que va haciendo», ha confesado que no dispone por el momento de más datos al respecto. «Desconocemos si la obra aparecida en el espacio reservado a Banksy es original o no», ha reconocido. «Si es el artista el que ha acudido a nuestra llamada, ha convertido a un proyecto de regeneración de un barrio en universal», ha admitido.

En cambio, apunta, «si se trata de un imitador, será la obra de un desconocido inspirado en la técnica de un grande». En todo caso, ha anunciado que los impulsores del festejo continuarán «trabajando por Ferrol, por Canido» y en aras de que Las Meninas «sigan siendo un referente del arte urbano». Como posibles «pistas» ha declarado que recibió «un correo hace un par de meses» del equipo del artista pidiendo información sobre el evento.
 
(ABC CULTURAL)

domingo, 22 de abril de 2018

LAS MENINAS SALEN A LA CALLE






Presentamos hoy una iniciativa diferente que llena de meninas las calles de Madrid. Se llama Meninas Madrid Gallery y se anuncia desde el 13 de abril hasta la primera semana de julio de 2018.
 
La gracia va a estar en toparse con estas esculturas en medio de la calle. Paseando, por ejemplo, por la Puerta de Alcalá, por Gran Vía, por la Plaza Mayor. Cada una pintada de una manera, con unos colores diferentes, con visiones personales.
 

Reinterpretando a Velázquez

Por supuesto, la iniciativa propone reinterpretar la obra de Velázquez conocida por Las Meninas. En realidad, el cuadro no se llamaba así de origen, sino La familia de Felipe IV, que es la retratada. Pero desde el siglo XIX se popularizó el nombre que hacía referencia a las acompañantes de la infanta Margarita de Austria.

La Meninas Madrid Gallery pretende hacer un homenaje a este cuadro paradigmático del Siglo de Oro español. O más bien llevar el arte a las calles de Madrid, utilizando el reclamo icónico de las meninas.
 
Es también homenaje a la diversidad, a la libertad de expresión. A todo lo que representa Madrid en cuando a crisol de culturas y de manifestaciones artísticas. Como dice su organizador, Antonio Azzato, si te quedas en casa siempre te pierdes algo.
 
Azzato ha estudiado en profundidad el cuadro de Velázquez. Consciente de las numerosas interpretaciones que se han hecho a lo largo de la historia de este lienzo, se atreve ahora a reinterpretarlo a su manera.


 

 

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sábado, 21 de abril de 2018

ALEJANDRO GARMENDIA




      Alejandro Garmendia, el artista “por descubrir”


Alejandro Garmendia es un artista "por descubrir". Tras su prematura muerte hace un año, la Sala Kubo de San Sebastián le dedica ahora una exposición que recorre la trayectoria de un creador multidisciplinar que experimentó con el cómic, la música y el audiovisual y, sobre todo, con la pintura y el collage.
 
"Paisajes, enigma y melancolía" es el título que se ha dado a esta antológica, palabras que compendian el carácter de la obra de "un genio creador" , según le ha definido Fernando Golvano, comisario de la muestra.
 
Más de un centenar de obras visuales y sonoras se podrán contemplar en los espacios de la sala de exposiciones del Kursaal  hasta el 27 de mayo, un cruce de fronteras de un género a otro que se desarrollaron en paralelo al "nomadeo vital" de Garmendia, quien residió en Burdeos, París, Bilbao, Barcelona, Madrid, Nueva York, Edimburgo y Hendaya.
 
El pintor, al que su familia y amigos llamaban "Sander", murió en febrero de 2017 a los 57 años. En su funeral comenzó a gestarse esta muestra, que entre otros impulsó su hijo Nicolás, también artista y fallecido unos meses después.
 
 
 
A la memoria de ambos está dedicada la exposición, a cuya presentación han acudido  la viuda de Garmendia, Gill Connon, su hermana, Olatz López Garmendia, y su sobrino, Cy Schnabel, hijo del pintor Julian Schnabel, con quien "Sander" colaboró, por ejemplo, en su película "Berlin", que recuperó en concierto el emblemático álbum de Lou Reed.
 
Junto a algunas de las obras expuestas se han colocado reflexiones del artista, que creó "espacios inexistentes" al lograr romper "la conexión lógica con la realidad", que siempre jugó con una "intención experimental" porque le llevaba a "resultados inesperados".
 
 
 
Su facilidad para el dibujo y su vocación narrativa le orientaron en sus primeros años a interesarse por el cómic y el grafiti, al tiempo que su inquietud por la música le empujó a crear en 1991 el grupo Fat Esteban con Mauro Entrialgo y Juanjo Pedregosa, y a partir de 2005 a desarrollar piezas de música experimental.
 
Con esas primeras obras de los años 80 arranca la visita, que sigue por una segunda sala en la que se pueden observar obras de pequeños y grandes formatos, collages y óleos.
 
 
 
Las atmósferas acuosas se encuentran a continuación, junto a instalaciones y vídeos de su larga estancia neoyorquina, donde vivió en el mítico Chelsea Hotel.
 
Los paisajes abstractos de Garmendia, claves en su carrera, las cajas-esculturas y los fotomontajes digitales forman parte también de las sucesivas etapas creativas de este autor, que a mediados de los 90 inventó un método de trabajo, llamado "coctailtecnic", mediante el cual elaboraba obras a partir del azar.
 
 
 
 Es uno de los artistas más polifacéticos e ingeniosos que nos podemos encontrar en la creación contemporánea. Ninguna disciplina le ha sido ajeno", ha asegurado Golvano.
 
Ha dicho también que Garmendia era "un gran tímido" que en "todos los escenarios creativos desplegó una voluntad experimental, irónica, a veces satírica y, casi siempre, melancólica", pero con una melancolía "activa", opuesta al "ensimismamiento".
 
La mayoría de las obras expuestas proceden de colecciones privadas, aunque también hay otras de entidades como el Museo Reina Sofía y Kutxa Fundazioa.
 

 
 

jueves, 19 de abril de 2018

ARTELIXO




                 Arte nacido de la basura




El certamen "Artelixo" ofrece hasta el sábado en las calles de Redondela setenta creaciones realizadas con materiales de desecho por artistas locales
 
¿Arte o basura? Esta es la pregunta que se hacen muchos redondelanos ante las obras del certamen "Artelixo", una serie de creaciones artísticas realizadas con materiales de desecho que adornan hasta el sábado las principales calles y plazas de la villa de los viaductos. Con esta iniciativa se pretende fusionar el arte y la denuncia social, al mismo tiempo que ofrece una salida a la creatividad de la juventud para fomentar la cultura del reciclaje.
 


Una montaña de plásticos, un collage de cartones, una pila de troncos quemados, telas viejas, electrodomésticos estropeados. Cualquier objeto reciclado, con un poco de imaginación, es válido para este original certamen redondelano que cada año logra una mayor participación. Este año se alcanzan las 70 obras que se exponen en calles y escaparates comerciales a modo de museo al aire libre, conformando una ruta artística por el casco urbano para sorprender a los viandantes.

 
Una de las novedades de esta edición es la ampliación de la muestra al Multiusos de A Xunqueira con la propuesta denominada "Arte do cachivache". Se trata de un proyecto de Ruth Rodríguez que pretende dar un paso más en el reciclado y transformar objetos desfasados en otros de igual o mayor valor que puedan ser de utilidad. "Artelixo" remata el sábado con una gran fiesta de clausura en la alameda redondelana. Los actos se celebrarán por la tarde e incluyen un taller para niños y el "Sonalixo", con actuaciones musicales espontáneas, ya que permanecerá el micro abierto e instrumentos para todo el que desee subir al palco.
 
(Faro de Vigo)
 
 

martes, 17 de abril de 2018

DAVID PINTOR



    Las ilustraciones de David Pintor llegan a Oviedo


El ilustrador coruñés expone en la biblioteca Ramón Pérez de Ayala una recopilación de sus últimos trabajos realizados para el mundo editorial







David Pintor (A Coruña, 1975) ha ilustrado más de sesenta libros, ha sido el encargado de decorar una de las tiendas de C&A en París y hasta ha diseñado etiquetas para botellas de ginebra premium o de albariño. ¿Hay algo que le quede por hacer? «Muchas cosas. El cine de animación o la moda, por ejemplo, son temas que me atraen mucho», responde el artista gallego, que el pasado viernes inauguró en la biblioteca Ramón Pérez de Ayala de Oviedo una exposición sobre sus últimos trabajos realizados para el mundo editorial.
 
Bajo el nombre Ilustrando a tientas, Pintor presenta una cuidada selección de obras escogidas minuciosamente que representan los diferentes aspectos que aborda en su trabajo. Literatura infantil, cuadernos de viajes, revistas o packaging son algunos de los ejemplos. «Lo interesante de esta profesión es lo variada que puede llegar a ser», explica el dibujante, un claro ejemplo del carácter polifacético del arte.
 
Cuenta Pintor que su profesión como ilustrador fue creciendo de manera gradual. Inicialmente, el destino de Pintor era convertirse en arquitecto. Así lo decidió al terminar sus estudios en el instituto y ver que en la carrera podría seguir dibujando. Pero su trazo era mucho más artístico que técnico y pronto supieron ver su talento. «Terminé abandonando la facultad para dedicarme a lo que más me gusta», explica este miembro del dúo de humoristas gráficos de La Voz de Galicia Pinto & Chinto. Gran acierto aquel. Más de veinte premios alrededor del mundo avalan la audacia de este artista cuya producción no dejará a nadie indiferente.




 

domingo, 15 de abril de 2018

NURIA MORA (exposición)



 
La nueva exposición de NURIA MORA en el espacio CASTELLANA 22 hace vibrar la firme superficie donde nos sustentamos. Se trata de Placas tectónicas, una muestra que presenta por primera vez en España obras de gran formato de la artista madrileña y una serie de esculturas cerámicas inéditas.
 

Nuria Mora (Madrid, 1974) comenzó a pintar en la calle a finales de los 90, dejando de lado la tradición del graffiti para adentrarse en el arte urbano y postgraffiti. Manteniendo una estrecha relación entre su obra, la ciudad y la arquitectura que ha ido evolucionando en un lenguaje propio y reconocible, donde la abstracción geométrica es invadida por la figuración floral.
 
 
 
Las obras que presenta Nuria Mora en la exposición “Placas tectónicas” se dividen en dos grupos. Por un lado, varias piezas realizadas en acrílico sobre papel en diferentes formatos, que se inspiran en una delicada realidad: líneas y movimientos de tierra, distintos estratos que evocan a planos arquitectónicos, ejes yuxtapuestos, patrones orgánicos o curvas de nivel inspiradas en mapas y planos. Placas tectónicas que se encastran unas con otras entre ellas formando una superficie rígida sobre la que vivimos, pero con un delicado movimiento permanente que en ocasiones se transforma en fenómenos catastróficos con seísmos, terremotos, tsunamis o erupciones de volcanes.
 
Por otro lado, se encuentra la serie inédita de esculturas cerámicas “que surgen desde una ignorancia premeditada”, según explica la propia artista. “Es la primera vez que trabajo de esta forma, utilizando moldes reciclados creados anteriormente para hacer cerámicas de uso cotidiano como vajillas, piezas de diseño o decoraciones y las voy uniendo hasta generar estos objetos completamente inesperados que están en un limbo entre el producto y la escultura, que no sirven para nada pero a la vez sirven para todo. Me interesa mucho trabajar con lo que la gente no espera de mí”.

 
 
Además, de forma paralela a esta exposición, Nuria Mora lleva al CEART de Fuenlabrada la intervención “Wild Style”, una pared en blanco donde ha realizado un muro orgánico y floral de trazos coloristas con pintura plástica y fibra de vidrio.
 


 
 
Artista: Nuria Mora
Fechas: Del 23 de Marzo al 18 de Mayo de 2018
Lugar: Espacio CASTELLANA 22, Madrid













 

viernes, 13 de abril de 2018

MUSAC (exposición)



 José Luis Castillejo en busca de la escritura autónoma

 
 

Una exposición en el Musac recorre la trayectoria del escritor y arroja luz  sobre sus descubrimientos.

 

 
El MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de León) presenta una muestra coproducida con el Archivo Lafuente y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo que responde a la necesidad acuciante de explorar, a través de proyectos expositivos, "la expansión de los límites del arte que tuvo lugar en la segunda mitad del siglo XX, fruto de la hibridación de la escritura con las artes visuales, musicales y performativas".

La muestra TLALAATALA cubre la totalidad de la trayectoria de José Luís Castillejo (Sevilla, 1930-Houston, USA, 2014), desde sus inicios vinculados al grupo Zaj hasta su muerte en 2014, a través de unas 200 obras, que en gran parte se exponen por vez primera. La obra de Castillejo supone una constante búsqueda de la comprensión y la libertad, utilizando como medio la escritura entendida como un arte autónomo.

TLALAATALA de José Luis Castillejo en el MUSAC hasta el 23 de mayo.

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miércoles, 11 de abril de 2018

ESTHER FERRER ( Guggenheim )


   Guggenheim Bilbao acoge:

 "Esther Ferrer: espacios entrelazados"



Nos vamos a Bilbao, al museo Guggenheim, para visitar una exposición compuesta por instalaciones inéditas de una de las artistas de referencia en el arte performativo de España.

Esther Ferrer, una feminista convencida, se "entrelaza" en el Guggenheim con una propuesta en la que, ante todo, se valora la libertad del espectador. "Yo no explico nada", asegura Ferrer, "parto de la base de que el espectador o el auditor tiene capacidad para tener una idea por si mismo". Porque no ofrece conclusiones ni preguntas, "el espectador se pasea, penetra en las instalaciones y si se plantea algún problema, lo soluciona", señala. En este sentido, insiste en que quiere "crear interrogantes" y "todas las reacciones son válidas, incluidas las malas porque enriquecen la obra y se puede establecer un diálogo".



La piel, las risas del mundo, las sillas o los proyectos espaciales, todo ello para reflexionar en torno a un aspecto fundamental de la trayectoria de Ferrer: la construcción del espacio. La piel, porque es muchas cosas: "es la frontera y la comunicación", "la fuente de la agresividad, pero también del contacto, de la sensualidad y del placer". Por otro lado, el humor es un elemento indisociable de su obra y el sonido orgánico, natural y efímero de la risa se convierte en objeto artístico al expandirse en el tiempo y el espacio, además, la libertad del espectador da lugar a conciertos espontáneos. Las sillas, objetos cotidianos, casi anodinos, pueden modificar el espacio y, por último, las maquetas con las que "dibuja y traza el espacio".



En definitiva, Esther Ferrer lo tiene claro, el arte es una vía de conocimiento y el espectador podrá encontrar respuestas "por si mismo" hasta el 10 de junio en el Museo Guggenheim Bilbao.

 
 

lunes, 9 de abril de 2018

ALEXANDRA SCHADER (Sotheby´s)




Alexandra Schader es la directora del departamento Moderno y Contemporáneo de Sotheby´s en Madrid. Lleva al frente 9 años y ha sido la directora de la galería Marlborugh en Madrid durante varios años.


Os trascribimos una entrevista que le hizo Sofía Urbina para OKdiario (publicado el día 31 de marzo)

      “El interés por el arte Contemporáneo no hace más que crecer en España”

Pregunta.- Llevas 9 años al frente del departamento contemporáneo de Sotheby’s en Madrid. Cual es tu balance de estos 9 años y como ha evolucionado Sotheby’s?
Respuesta.- Volví a Sotheby’s España hace unos 12 años, tras casi una década trabajando en una galería y anteriormente en Sotheby’s Nueva York, para dirigir los Departamentos de Arte Moderno y Contemporáneo. En esta última década la evolución más notable ha sido en los avances tecnológicos y en la globalización del mercado. En Sotheby’s hemos invertido y creado varias herramientas tecnológicas para dar acceso a un público totalmente global a nuestras actividades, ya sean subastas, exposiciones, información sobre museos alrededor del mundo, o temas actuales en el mundo del arte. En el 2017 compradores pujando online se gastaron más de $180 millones, un 23% de los lotes vendidos alrededor del mundo. Y hace pocas semanas, por ejemplo, nuestra subasta en Nueva York de Contemporary Art Online alcanzó el máximo resultado en nuestra historia de subastas online. Las nuevas tecnologías permiten a nuevos coleccionistas en cualquier esquina del mundo acceder a todas las subastas globales y en cualquier rango de precio, desde cifras muy asequibles hasta las obras más caras del mercado. Una casa como Sotheby’s, tan antigua y líder del mercado, debe adaptarse y ser pionera en crear estas herramientas.
P.- ¿Cómo ves el coleccionismo contemporaneo en España?
R.- El coleccionismo en España ha pasado por distintas fases en los últimos 15 años. Tuvimos una época extremadamente activa en los años del boom económico de mediados de la década del 2000 que se frenó en seco con la crisis. Aunque hubo coleccionistas que siguieron activos en estos años difíciles lo hacían de manera más cautelosa y discreta. La recuperación ha sido notable en los últimos años y cada año tenemos nuevos coleccionistas que entran al mercado. El interés por el arte Contemporáneo no hace más que crecer en nuestro país, a medida que los nuevos coleccionistas aprenden – ya sea visitando galerías nacionales, viajando a ferias o participando en subastas internacionales. Es un coleccionismo más serio y conocedor, menos impulsivo, lo cual es positivo a la larga. Aunque todavía nos queda un camino para equiparar nuestro coleccionismo a otros países Europeos, estamos aprendiendo rápidamente. Cabe destacar también que, al margen de los nuevos coleccionistas entrando al mercado, en España existen grandes colecciones privadas que han sido creadas durante décadas, algunas que hemos tenido el placer de disfrutar en exposiciones públicas, como las de Colección Abelló, Colección Alicia Koplowitz/Grupo Omega Capital, o la Colección Masaveu.
P.- ¿Cuáles son las tendencias o artistas que recomendarías a los coleccionistas seguir mas de cerca en la ventas de contemporáneas de Sothebys?
R.- En el mercado de contemporáneo ahora las opciones y la variedad son enormes. Por ejemplo, celebramos esta semana la primera subasta de Arte Contemporáneo Africano en Londres. Hay constantemente mucho por descubrir. En cuanto a mis recomendaciones, hay tantas! Siempre que me preguntan nuevos coleccionistas les sugiero que escuchen sus instintos y ese flechazo que surge cuando ves una obra que te atrae. Y luego es importante informarte sobre el artista – cómo ha ido evolucionando  su trabajo, si ha tenido exposiciones en museos o instituciones públicas, si lo representa una galería que va a promocionarlo a largo plazo… En nuestras subastas de Contemporáneo alrededor del mundo incluimos todos los movimientos importantes pero varían un poco según la sede. En las ventas de Nueva York, las más importantes y grandes, caben todos los movimientos pero hay una tendencia más Norteamericana y Latinoamericana, en Londres es también totalmente internacional, en París hay un enfoque más clásico Europeo de pos-guerra, en Hong Kong se centra el arte Contemporáneo asiático, en Milán se centran más en los movimientos artísticos italianos…
 
P.- ¿ Crees que esta aumentando la presencia de artistas españoles en las subastas internacionales? ¿ Cuales dirías que son los artistas españoles que tienen mas peso en la ventas contemporáneas de Sothebys?
R.- Aunque muchos artistas españoles se venden bien en subastas internacionales, todavía nos queda un camino en este campo. Hay varios artistas del S. XX en nuestras ventas de Contemporáneo – Chillida, Tàpies, Saura, Millares, Barceló, Juan Muñoz, Palazuelo, Plensa, Valdés, entre otros, y tienen una presencia significativa y de peso en el mercado global. Pero creo que en general todavía no se ha dado el paso a los artistas españoles más jóvenes en el mercado secundario. Espero que esto vaya cambiando en los próximos años a medida que artistas jóvenes españoles, representados por galerías que participan en ferias internacionales, y que tienen exposiciones en instituciones internacionales, se dan a conocer y entran en colecciones fuera de nuestras fronteras. Es una labor que tarda tiempo. Desde luego tenemos en nuestro país nuevas galerías que están haciendo una gran labor de promoción de artistas jóvenes.
P.- Las casas de subasta dominan las ventas contemporáneas mundiales, ¿crees que son competidores de las ferias o las galeria de arte o que cada uno tiene una funcionamiento diferente en el mercado del arte?
R.- En mi opinión las casas de subastas, las galerías y las ferias nos complementamos.  Todos trabajamos para fomentar el coleccionismo. Cada uno cumple una función: las galerías promocionan a sus artistas y manejan sus carreras, las ferias sirven de escaparate fugaz de lo que se está creando a nivel internacional, con algunas ferias enfocándose en un tipo de artistas o región, y las subastas ofrecemos de manera democrática y transparente las mejores obras de cada artista, haciendo una intensa labor de búsqueda de obras alrededor del mundo. Evidentemente el alcance global de una casa de subastas como Sotheby’s es difícil de duplicar.