PASIÓN EN BLANCO Y NEGRO

 

Juan Manzanaro y sus ‘Acrobacias espontáneas’ repletas de geometría

«La pintura me permite más libertad», asegura nuestro entrevistado de hoy. Se llama Juan Manzanaro  y puede decirse que es de esas personas polifacéticas con todas las letras. Arquitecto reputado, interiorista, decorador y pintor, ahí es nada. ‘Acrobacias Espontáneas’ es el nombre de su última exposición (que podrá disfrutarse en la capital española hasta el 24 de octubre) Una muestra con obras repletas de geometría que, como  asegura a COOL, pretenden, «crear efectos visuales a través de una composición muy simple de colores y sus sombras, a veces también intervienen objetos reales en contraste». Cuadros con un sinfín de matices, compuesta  por 36 cuadros de formatos medio y pequeño, que te invitamos a descubrir junto a su autor.

A Juan Manzanaro Bonet le inspira, como era de esperar su profesión, la de arquitecto y también grandes del ‘expresionismo abstracto geométrico’ como Hans Hofmann, Jean Arp, Mark Rothko o Sean Scully. Nos asegura que el arte es, «esencial» para su vida.

Piezas en en las que las formas geométricas reinan algo que da pistas sobre la profesión de este artista. «La geometría descriptiva puede surgir de mi formación como arquitecto. Irremediablemente mi formación como arquitecto influye en mi pintura», sentencia señalándonos además, cómo es su proceso creativo: «Siempre todos mis cuadros nacen de un boceto geométrico en papel, como un problema de geometría descriptiva, la técnica empleada es pintura acrílica sobre cartón entelado o sobre contrachapado de madera».

Pasión en blanco y negro

El blanco y negro son también, grandes protagonistas de su obra. El planteamiento cromático funciona entonces como una puerta batiente en el plano del cuadro, una puerta en la que los colores interactúan entre sí atrayéndose y repeliéndose: push and pull, con el color negro como eje constructivo. «Me atrae más el blanco y negro, en la mezcla también, y es indispensable, hay sepia y amarillo», explica a COOL.

Sus obras crean, de manera inevitable, sensaciones por doquier. Cuadros que, colgados, visten cualquier espacio a pesar, de que él considere que «una vivienda bien pensada y estructurada no necesita un cuadro en la pared». Aunque así lo considere, de manera inevitable sus piezas poseen una presencia que las hace destacar. Le preguntamos también hacia dónde mira su arte y responde claro y conciso afirmando que su creatividad, «mira hacia su propia satisfacción».

Disfrutar de esta geometría apasionante es posible hasta el próximo 24 de octubre en la Galería Materna Herencia: C/ Ruiz de Alarcón, 27, Madrid.

UNIVERSIDAD DE EXTREMADURA

 

La élite del arte contemporáneo, en Cáceres

Se han dado cita representantes de la Fundación Juan March, Centro Botín, Centro de Arte Oliva o Museo Nacional Thyssen-Bornemizsa

El Curso Internacional de Verano/Otoño de la Universidad de Extremadura 'Colecciones privadas, museo públicos de arte contemporáneo', ha reflexionado durante este fin de semana en Cáceres sobre las iniciativas culturales que nacen de la fusión de lo público y privado, y la trascendencia que como motor pueden llegar a alcanzar en el desarrollo de la comunidad en que se asientan. Han participado representantes de la Fundación Juan March, del Museu Berardo de Lisboa, del Museo Universidad de Navarra, del Centro Botín, del Centro de Arte Oliva y del Museo Nacional Thyssen-Bornemizsa, entre otras instituciones.

La catedrática de Historia del Arte y profesora emérita de la UEx, María del Mar Lozano Bartolozzi y la coordinadora del Museo Helga de Alvear, María Jesús Ávila, han dirigido este curso que se ha desarrollado en las instalaciones del propio museo.

En el acto inaugural, María Jesús Ávila declaró que "en las últimas décadas, museo y universidad han atravesado un largo proceso de redefinición y autorreflexión". Además de llevar a cabo sus objetivos fundamentales, han colocado unos "pilares" que son "comunes tanto a la universidad como al museo y que rigen cada una de sus actuaciones", entre las que citó garantizar el acceso universal al conocimiento, promover la investigación y formar una comunidad crítica y reflexiva, todo ello para contribuir a una "meta común: la mejora de la sociedad".

Ávila destacó que con este curso se amplían las estrategias de colaboración que se han mantenido en el tiempo entre la Fundación Helga de Alvear y la UEx. Animó a desarrollar titulaciones conjuntas de posgrado, al igual que realizan otros museos y universidades nacionales.

Foco de pedagogía artística

Por su parte, María Jesús Lozano Bartolozzi subrayó que la inauguración del nuevo edifico fue el "impulso definitivo" a la muestra de arte contemporáneo de Helga de Alvear, y provocó que el museo sea un foco de pedagogía artística. La catedrática de Historia del Arte manifestó también la innovación urbanística que ha supuesto el museo, al comunicar las calles de Camino Llano y Pizarro con un jardín de esculturas.

El vicerrector de Extensión Universitaria, Juan Carlos Iglesias Zoido, ha mostrado una "enorme satisfacción" de que este curso se haya podido celebrar de manera presencial. "El planteamiento del curso, sus temas y ponentes, es un ejemplo maravilloso de la interrelación entre universidad y sociedad para que haya un enriquecimiento mutuo". El curso concluyó ayer con una entrevista en directo con Helga de Alvear.

Algunos de los temas abordados durante el foro han sido el debate del origen y desarrollo de estos museos, los nuevos espacios construidos para acoger las colecciones que les dan origen, la sintonía con la concepción actual de las funciones que corresponden a un museo del siglo XXI, la gestión de las colecciones, los asesoramientos y la producción de exposiciones temporales, el turismo cultural y la implicación en sus entornos urbanos como sinergias. 

ESCULTURAS

 

Fernando Heras Castan: «Llevo 26 años expresando mis miedos, alegrías y convicciones con esculturas»

Obra de Fernando Heras Castán./

Del 19 al 23 de octubre en Madrid podremos disfrutar de la nueva exposición de Fernando Heras Castan: ‘La escultura rotunda y equilibrada’. En COOL hemos tenido el placer de hablar con el escultor, quien con gran cariño hacia su profesión, obra y trayectoria, nos ha contestado a todas nuestras preguntas. ¿Qué podremos esperar de esta nueva exposición? ¿Quién es Fernando Heras Castan? Si quieres saber la respuesta a estas y más cuestiones, sigue leyendo.

‘La escultura rotunda y equilibrada’

Fernando nace en Madrid y comienza su vida profesional en el cine y la fotografía para finalmente acercarse a la pintura. Después de un tiempo probará con la escultura y será en ella donde encuentre su verdadera vocación.

Se inicia con materiales como la madera o el bronce, hasta que encuentra su materia fetiche: la piedra. Su obra es el resultado de la experimentación  e investigación de las geometrías, los vacíos interiores, la transición entre las líneas rectas y curvas o el juego con la falsa simetría.

En su última exposición ‘La escultura rotunda y equilibrada’, nuestro escultor buscará la belleza a través de la composición. En sus propias palabras: «trato de enfrentarme a ella (la belleza), mediante la ordenación de elementos en el espacio, convirtiendo este último en forma y la forma en vacío».

Hoy hablamos con un artista auténtico, transparente, que traslada sus emociones a través de la piedra con el objetivo de estimular a las personas con sus obras, sin necesidad siquiera de entenderlas.

«Llevo 26 años expresando mis miedos, alegrías y convicciones, creando esculturas en piedra.»

A lo largo de sus veintiséis años en los que ha trabajado la escultura, ha expuesto en veintitrés ocasiones, tanto en mercados nacionales, como internacionales, entre ellos Nuevo York o Buenos Aires.

Podrás visitar la exposición en el Centro Comercial El Bulevar de La Moraleja, local 19, de 10:00 a 14:00 y de 17:00h a 20:00h. Su obras serán expuestas y podrás comprarlas por un valor de entre 1.500 a 7.000 euros.

Hablamos con Fernando Heras Castan…

Pregunta: Dónde y por qué surge tu pasión por la escultura.

Respuesta: Después de varios años estudiando las leyes de la composición por medio de la fotografía, el cine y la pintura, cayó en mis manos una piedra, un martillo y un cincel. Tardé dos días en atravesarla de un lado a otro, y al pasar la luz por el hueco, descubrí cómo trabajar la composición desde las 3 dimensiones. Esto transformó mi percepción del espacio y su relación con la forma. A partir de ahí, no he dejado de estudiar cómo transmitir emociones y mensajes a través de la escultura.

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ALICE NEEL EN BILBAO

 

El Guggenheim Bilbao presenta una exposición de Alice Neel

El Guggenheim Bilbao presenta a partir del 17 de septiembre una retrospectiva con casi 100 obras de la artista estadounidense

Cuando era una niña y se quejaba, su madre le decía: "No sé qué esperas hacer en el mundo; solo eres una niña". Pero Alice Neel (Pensilvania, 1900-Nueva York, 1984), no se conformó con la vida preconcebida que tenían las mujeres en los los albores del siglo XX e hizo lo que quiso: convertirse en la gran pintora estadounidense que retrató el aliento de la sociedad en la que vivía.

Será a patir del próximo 17 de septiembre cuando se inaugure en el Guggenheim Bilbao la primera retrospectiva del Estado dedicada a Alice Neel, una artista poco conocida en Europa de la que se podrá ver un centenar de obras marcadas por su defensa de la dignidad humana.

Neel, alejada de los círculos artísticos y que vivía en el Harlem hispano de Nueva York, retrató a personas de la calle, sus convecinos, "con simpleza, pero de una fuerza increíble", según explica la comisaria del Guggenheim Lucía Agirre. Las personas, primero, que así se titula la exposición, reúne pinturas, dibujos y acuarelas de sus cerca de siete décadas de trabajo. Desfilan en esta galería de retratos su familia, sus amantes, sus hijos (de tres padres diferentes, solo se casó con el primero), sus amigos, niños y muchos vecinos de la Gran Manzana.

"Pinté al neurótico, al loco y al miserable; también a los demás", decía la pintora estadounidense. Su abanico de personajes refleja la diversidad racial, étnica, política, profesional y de género de Nueva York. Entre sus modelos muchos son desconocidos, pero también retrató a miembros de su familia, artistas, activistas, líderes de los derechos civiles y celebridades que entraron en su órbita en diferentes momentos de su vida.

el alma de sus vecinos

 

Según han avanzado desde el Guggenheim, el recorrido de la exposición comenzará por algunas de sus primeras obras como Chica francesa, realizada probablemente durante su estancia en la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia. Cuando se graduó, conoció a Carlos Enríquez, un pintor cubano, y se casaron enseguida, en 1925; se fueron a vivir a La Habana. Allí realizó el retrato de su marido, que fue exhibido en La Habana.

Tras su estancia en Cuba, donde sus obras fueron presentadas en público por primera vez, en 1927 llegó a Nueva York, la ciudad que se convertiría en su hogar definitivo. El arte era historia para Neel, su obra sirvía como registro de la vida política de Nueva York y de sus acontecimientos, como sucede en el cuadro Los nazis asesinan a los judíos (1933), donde retrata el desfile del Primero de Mayo de 1936, que atrajo a una multitud de manifestantes con el fin de llamar la atención sobre el antisemitismo del régimen nazi.

A partir de 1938 y hasta 1962, Alice Neel y su familia vivieron en el Spanish Harlem y la artista capturó con su pincel el alma de sus vecinos, una población étnicamente diversa y desfavorecida que hasta entonces rara vez había sido sujeto artístico, como es el caso de Georgie Arce No. 2 (1955).

La muestra incluye una sección con paisajes urbanos, en los que la artista da testimonio de la belleza cotidiana de los edificios y parques de Nueva York. Así, en Central Park (1959) se funden la naturaleza y las construcciones del entorno creando un paisaje artificioso en el que el sol se superpone y, al pie de unas escaleras, dos pequeñas figuras parecen perdidas ante la magnitud de la ciudad.

La desnudez y el sexo como parte de la experiencia humana fueron temas centrales en la obra de Alice Neel, quien "subvierte con aplomo el habitual tratamiento que se da a este género a lo largo de la historia del arte, donde las mujeres son mero objeto erótico". Uno de los mayores logros como artista es la libertad y franqueza a la hora de abordar el sexo y su propia sexualidad como mujer, a través de delicadas acuarelas, como Alienación (1935).

Otros cuadros no son tan delicados como El retrato de Joe Gould, a quien pintó con tres penes, circunstancia que "lo hace parecer amenazante y lujurioso", según explica la nota sobre este cuadro, datado en 1933.

Tras su paso por el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, la exposición se podrá ver en el Guggenheim hasta el 6 de febrero de 2022 con el patrocinio de Iberdrola.

'Acción de Gracias' (1965), de Alice Neel

'Geoffrey Hendricks y Brian' (1978), de Alice Neel.

GALERÍA JAVIER LÓPEZ & FER FRANCÉS

 

Un trocito del México más contemporáneo en la exposición de Eduardo Sarabria

Eduardo Sarabia es un artista libre, reflexivo y, cuando menos, colorido y alegre. Un pintor que crea y narra sus propias historias y que esta vez ha querido compartir con España desde la Galería Javier López & Fer Francés. Así, su interés por viajar y por realizar una introspección tras ese periodo de viaje le lleva a desembocar en creaciones que reconectan al visitante con la naturaleza. Como él mismo dice, sus cuadros son «ventanas hacia un universo realista, que existe». La memoria y el afecto, son dos de los temas entorno a los que gira el concepto de ‘Como la Flor’, su última muestra que estará en la ciudad hasta el próximo 30 de noviembre.

Entrevista

Pregunta: ¿Quién es Eduardo Sarabia y qué hace en España?

Respuesta: Nací en los Ángeles pero nos mudamos  México, cuando era muy pequeño. Aunque he pasado toda mi vida viajando entre los dos países. Y en la mayoría de mi obra me gusta contar mis historias personales, aquello que me gusta y que marca mi vida personal. Me definiría como un artista o pintor, pero me gusta recalcar que tengo tantos intereses y cosas que me llaman la atención fuera del estudio que me definen bastante.

Las pinturas que realicé para esta exposición que he traído a España están basadas en fotografías del último año. De cuando he estado en México acompañadas del soñar y del imaginar, además de recordar lugares que he visitado, lugares que extrañaba. Y quería representarlos a través del fotorrealismo.

P: Cuéntanos sobre tu formación y la etapa en la que hayas sentido que más te ha servido a nivel profesional como artista.

R: Desde chico, con 5 años, una maestra de mi escuela se dio cuenta de que me encantaba dibujar. Ella platicó con mis papás para decirles que era bueno y recomendó que me apuntasen a clases de arte. Ellos no hicieron mucho caso. Pero ella encontró una escuela muy cerca de mi casa y convenció a mis papás. Fui y empecé a ganar premios, tuve mucha atención y gané una beca para estudiar pintura en la Unión Soviética. Cuando regresé de ese viaje conté a mis padres que eso era lo que quería hacer. Viajar y descubrir el mundo pintando porque era lo que amaba y disfrutaba haciendo.

P: ¡Qué bueno! ¿Podrías contarnos un poco más sobre esta experiencia en la Unión Soviética?

R: Era muy pequeño y la idea era pintar un mural en un campamento junto a otros niños. Estudiamos pintura rusa con maestros, lo que supuso una experiencia increíble de formación.

P: ¿De dónde surge tu inspiración? ¿Hacia dónde acudes para realizar tu proceso creativo?

R: Surge más que nada de lo cotidiano, del día a día. Me gusta hacer investigaciones, viajar, hablar con la gente. Mi trabajo es narrativo, cuento historias. También investigo sobre mi familia, amigos, mis propios vecinos. Adoro conocer historias del norte de México, me llama muchísimo la atención. Voy almacenando ideas y poco a poco van saliendo en las obras.

P: ¿Por qué ‘Como la Flor’?

R: ‘Como la Flor’ es una canción de Selena, una cantante Mexicana nacida en Estados Unidos. Una de las primeras salidas que tuvimos con amigos tras la pandemia con amigos es la que evoca al cuadro que se llama igual también que la exposición. Fueron unos momentos que recuerdo con mucha alegría y quiero transmitirlo con la obra. Mi novia, Paulina, no paraba de cantar ese día la canción ‘Como la Flor’.

P: ¿En qué consiste la muestra en general?

R: Hay 9 pintadas al óleo, gran formato, y como 10 obras sobre papel y son imágenes de lo cotidiano, de mi vida personal. Son ventanas hacia un mundo medio surrealista donde cada imagen está tapada e invita mucho a los visitantes a que imagen, sueñen y descifren lo que está pasando.

P: Sobre los colores empleados…¿por qué tanto colorido?

R: Todas las pinturas tienen la paleta con la que pinto. La plasmo sobre las imágenes. Uso muchísimo color, siento como que es algo muy típico y que cuenta una historia con el trabajo que yo hago. Y en concreto con el azul y el blanco quiero representar la importancia también de la cerámica. Los utilizo bastante, porque me llaman la atención.

P: Cierto, por que Eduardo Sarabria además de interés por la pintura, lo muestra por la cerámica…

R: La cerámica es un proyecto que cuenta historias también y en el que intervienen mucho las tradiciones. Es otra forma de contar y hacer conexiones. Desde la época de los griegos, que ya contaban mitos, batallas y creencias sobre la cerámica…Yo también quería contar mis historias y mis experiencias en este formato. Así tienen parte contemporánea y tradicional.

P: ¿Qué conversación te gustaría tener con el visitante que visite la exposición?

R: Expresamente este conjunto de pinturas tiene una temática muy abierta. Me gusta que el visitante disfrute de los colores y de la imagen. Que se lleve una sensación alegre de los colores y que observe e investigue en las capas qué esconde cada muestra. Si te acercas, siempre puedes descubrir algo nuevo. Además, hay muchos temas sociales de mi país que podemos encontrar representados.

P: ¿Qué técnicas aplicadas podemos encontrar en la exposición?

R: Siempre me ha gustado dibujar y jugar con el fotorrealismo desde pequeño. Con este proyecto he desarrollado mis habilidades con las que he contado desde joven. Gracias a la pandemia pude estar en mi estudio y trabajarla.

P: ¿Proyectos que estén por venir?

R: Inauguré un proyecto en el desierto de California. Una instalación monumental en la que trabajé con artesanos. Me gustó muchísimo este último proyecto y teniendo en cuenta el momento histórico que vivimos, tuvo un gran alcance: unas 650.000 personas pudieron visitarla. Me resultó increíble, es algo de lo que me sentí muy orgulloso. Próximamente expondré en Denver; y el próximo año en Bruselas y Londres.

HASTA EL 30 DE NOVIEMBRE

SARGADELOS EN EL MOMA

 

Sargadelos vuelve al MoMA con una colección exclusiva

El museo neoyorquino solicitó a la marca de Lugo una colección única para vender tanto en web como en las tiendas físicas. Se trata de un juego de tres platos disponibles en diferentes colores, no solo azul

Aunque quizá desde Sargadelos ya estén acostumbrados a lucir sus artículos en las estanterías de las tiendas del MoMA (Museum of Modern Art) de Nueva York, nunca lo habían hecho con tanta exclusividad: desde ahora, la Design Store de la institución museística, tanto en su establecimiento físico como en su tienda online, cuenta con un juego de platos hechos en exclusiva por la marca de Lugo.

Desde hace «un par de años», explica Segismundo García, dueño de Sargadelos, la tienda del MoMA ya vendía piezas del catálogo de la empresa de vajilla. Tras haber visto algunas piezas en la revista de diseño ‘Wallpapper’, desde el museo neoyorquino se pusieron en contacto con la fábrica para comercializar algunos de sus productos. Ahora, en cambio, han querido ir un paso más allá y solicitaron a la empresa gallega una colección exclusiva.

En concreto, se trata de una variación del modelo P de Sargadelos: un juego de cuatro platos de postre, cuatro cuencos, y cuatro platos llanos. Este conjunto esta repensado para el MoMA, y rompe, sobre todo en lo cromático, con lo que Sargadelos nos tiene acostumbrados: han dicho adiós al azul tan característico de sus figuras y vajillas para incluir en este juego el amarillo, verde y naranja. «Vamos a seguir en esa línea, estamos incorporando más colores», asegura García, por lo que es de esperar que el futuro de Sargadelos sea más colorido todavía que los 200 años de historia anteriores.

A pesar de que la fabricación y diseño original corre a cuenta, claro, de la empresa gallega, el MoMA «intervino al escoger los colores», reconoce García. De esta manera, estas piezas se suman «a las 20 o 30» que ya habían comercializado desde las tiendas del museo de arte moderno estadounidense desde 2018.

Reconocimiento

Todos los productos que vende la MoMA Design Store son resultado de un proceso de selección exquisito y meticuloso, siempre muy unido al componente artístico del objeto. Entrar en esta tienda está al alcance de muy pocos, pero parece que Sargadelos se está haciendo, poco a poco, un hueco fijo en el catálogo. El reconocimiento «es un motivo de satisfacción» para Segismundo García, y señala que por acciones como está se pone en valor «el trabajo de muchas generaciones»: ya van más de dos siglos de historia a las espaldas de la empresa de Cervo.

Sí es cierto que Sargadelos en Galicia cuenta con mucho prestigio y no es difícil encontrarse alguna figura, plato o bandeja de cerámica hecha por ellos, «en España no es tan conocida», opina el administrador. Con todo, cree que « la gente que ha adquirido nuestras vajillas las considera un tesoro artístico» y, por lo visto, «en Estados Unidos también lo ven así».

Se sigue, de esta manera, trabajando en un proceso de internacionalización del producto gallego: fuera de España no solo se venden productos de Sargadelos en el MoMA, sino que, por ejemplo, La Rinascente («el centro de diseño más prestigioso de Milán») o El Palacio del Hierro, unos almacenes de lujo mexicanos, también tienen objetos de Sargadelos a la venta.

Nuevos proyectos

Todavía la marca lucense tiene más sorpresas, como la pronta puesta a la venta de la última de las figuras en homenaje a los Beatles, Rolling Stones o Pink Floyd. Esta pieza, disponible «en los próximos días», rinde tributo al -hasta la muerte de Watts- cuarteto liderado por Jagger y Richards y se llamará ‘Kalistone’.

Por otra parte, «en noviembre» se presentará una nueva colección de diseños hechos por un arquitecto «muy famoso y prestigioso», aunque García todavía no quiere dar su nombre. Las obras, en cambio, ya se encuentran en proceso de producción en las fábricas gallegas.

(TEXTO ABC)

UN PROYECTO QUE BUSCA ATRAER PÚBLICO JOVEN

 

Barcelona tendrá un centro privado de arte contemporáneo junto al museo Picasso

El MOCO traslada la exitosa experiencia de Amsterdam al palacio Cervelló de la calle Montcada

Una de las salas del MOCO de Barcelona, con el mural de Takashi Murakami, de 220 x 540 cm

 Llibert Teixidó)

En la calle Montcada, en el edificio colindante con el Museu Picasso de Barcelona y enfrente del Museu Etnològic i de Cultures del Mon, se inaugurará el viernes de la próxima semana el MOCO, un centro de arte Moderno (Mo) y Contemporáneo (Co) que sigue los pasos del que se inauguró en Amsterdam en 2016 y que en esos primeros y difíciles años ha conseguido cerca de dos millones de visitantes. En la capital de los Países Bajos está también cerca del Rijksmuseum y del museo Van Gogh, en una antigua mansión, y en Barcelona ocupa el palacio Cervelló, del siglo XVI, que hace unos años había sido ocupado por las galerías Maeght, primero, y Gaspar, después.

Lionel Logchies, fundador y propietario del MOCO, delante de un cuadro de Basquiat 

Llibert Teixidó / Propias

Lionel Logchies, coleccionista y fundador del MOCO junto a su mujer Kim, explica que han alquilado el edificio, de 2.500 metros cuadrados (de los cuales dedican mil a exposición) por 20 años y han encargado la reforma al estudio de arquitectura Pulsen. “Nuestra intención -explica– es llegar a un público joven, de todas las edades y condiciones, con obras icónicas de artistas de renombre y emergentes”. Según sus estadísticas, la mitad de los visitantes del MOCO de Amsterdam son personas que habitualmente no acuden a los museos. El precio de la entrada será de 16,50 euros, que justifican porqué se trata de una institución privada sin subvenciones.

                                          Sala dedicada a Bansky en la planta baja del MOCO 

Llibert Teixidó / Propias

El centro ocupa la planta baja y primer piso del edificio con obras de la colección particular y otras en préstamo y hay también un espacio para exposiciones temporales. Nada más entrar, una polémica obra de Damien Hirst, Sacred Heart, un corazón de toro disecado con alas de paloma y un cuchillo que lo atraviesa. Una obra que perteneció al cantante George Michael y se compró en una subasta en Christie’s. Y no es el único plato fuerte. Se pueden encontrar en la planta baja obras de Andy Warhol, Jean Michel Basquiat, Keith Haring, Takashi Murakami, Kaws, Hayden Kays, Yayoi Kusama o David LaChapelle (de quien se expone la única foto de la muestra, La última cena , una recreación actual de ese episodio religioso). También se expone una monumental escultura daliniana, Mujer en llamas , que hizo fundir en bronce Beniamino Levi en 1980. y la única obra de un autor español vivo, Yago Hortal.

                            Fotografia de LaChapelle titulada 'La última cena' en una de las salas 

Llibert Teixidó / Propias

En el primer piso se podrá ver la primera muestra europea individual de Guillermo Lorca, en la que el artista chileno combina la magia y el realismo, con imágenes de tierna belleza que se mezclan con escenas de gran brutalidad, en una serie de siete obras titulada Esplendor de la Noche . Y entre los autores contemporáneos destaca Bansky, con 6 piezas, entre ellas una escultura de un David sangrando que en su día fue un regalo de Brad Pitt a Angelina Jolie y que vendieron cuando se separaron.

El MOCO abre un espacio de mil metros cuadrados con obras de Basquiat, Haring, Bansky, Hirst y NFT

Otro de los atractivos es el espacio dedicado a arte al fenómeno NFT, las obras digitales únicas, imposibles de falsificar, con obras de Andrés Reisinger, Blake Kathryn x Paris Hilton, Frederico Clapis, Alotta Money y Beeple. De este último diseñador gráfico, que este año vendió su archivo digital por una cifra récord de 57 millones de euros, se expone Everyday (2020).

El montaje 'Diamond matrix' del colectivo Studio Irma 

Llibert Teixidó / Propias

La sorpresa final es el montaje Diamond matrix , del Studio Irma, un colectivo holandés que ha creado una sala infinita con un juego de espejos y cordeles con vidrios como si fuesen diamantes. Como señala la directora del centro Birthe Faessen, “queremos que la gente salga conmovida, que el arte sirva también para disfrutar y pensar”.

(LA VANGUARDIA)

CÍRCULO DE BELLAS ARTES (MADRID)

 

Chema Madoz reúne sus fotografías más inquietantes

El artista expone en el Círculo de Bellas Artes 73 imágenes de toda su trayectoria que remiten a lo inhóspito y, en ocasiones, al dolor

Vistas en su conjunto, numerosas de las 73 imágenes de la nueva exposición del artista Chema Madoz, en el Círculo de Bellas Artes, transmiten un cierto mal rollo, a veces dan un poco de repelús. Dicho de forma menos prosaica, son fotografías en las que, en algunos casos, se ve “esa capacidad del ser humano para infligir dolor en otros, incluso a veces con disfrute, con regodeo”, según su autor. La muestra, titulada Crueldad, hasta el 21 de noviembre, se abre con una imagen que simboliza las palabras de Madoz (Madrid, 63 años), la de una chincheta que se clava en la pupila de un ojo. A partir de ahí, una navaja cuyo mango es un pececillo al que amenaza con cortar, un cuchillo envuelto en una venda, un cuchillo-regla, una cuchilla de afeitar como marcapáginas, una jaula construida con alambre de espinos...

El artista y los comisarios, Juan Barja y Patxi Lanceros, empezaron a trabajar hace años con unas 1.200 imágenes de toda la obra de Madoz en un proyecto que la pandemia retrasó. Al recorrer ahora la exposición, ¿cree su autor que hay una evolución en su obra? “Mi lenguaje se mueve siempre en el mismo ámbito, aunque con el tiempo se ha ampliado el círculo de acción, nuevas maneras de hacer y de acercarse a los objetos, un proceso más complejo, pero los códigos son siempre concretos: pocos elementos, luz natural...”, ha dicho en la presentación, este jueves. También ha señalado que en esta ocasión no hay muchas imágenes inéditas, “unas seis”, porque no era ese el objetivo, sino aunar, de sus más tres décadas de trayectoria, aquellas instantáneas en las que aparece, aunque no sea siempre en la primera impresión, esa sensación de algo inhóspito que pueda inquietar al espectador, lejos de la habitual sonrisa amable que suelen provocar sus piezas. Entre sus nuevas creaciones, Madoz destacó la de una calavera a la que se le levanta su rostro, como si fuera una máscara, lo que da un aspecto más siniestro.

Como es habitual cada vez enseña su obra, Madoz, premio Nacional de Fotografía en 2000, prescinde de cartelas, títulos... para no condicionar al espectador, ni siquiera una referencia temporal a cuándo se construyó la pieza. Esta vez, cada foto —las hay de diferentes formatos— va acompañada de un código QR que, al descargarlo, muestra citas de escritores, de Homero o Dante a Borges y Kafka; de la Biblia a una letra de Bruce Springsteen o reflexiones de los comisarios, “aunque tampoco se pretende explicar nada de la imagen”, precisó Barja. La exposición se complementa con un catálogo que suma imágenes, hasta 104, e incluye un texto de Barja y Lanceros y una amplísima biografía del artista por Oliva María Rubio. En ella se explica que Madoz hizo su serie inicial de imágenes en 1978 (”por primera vez observé cómo surgía una imagen del líquido, una imagen de la nada”). A principios de los ochenta se matriculó en un curso de fotografía y en 1984 expuso por primera vez en un bar del centro de Madrid. Poco a poco se abrió paso y expuso en galerías, también fuera de España. En 1988, precisamente el Círculo es el escenario de su primera muestra de importancia.

Chema Madoz, delante de una de sus obras en la exposición ´Crueldad´, en el Círculo de Bellas Artes en Madrid.

Rubio recoge también cómo Madoz, en 1990, tras una crisis creativa, decidió iniciarse en el camino por el que hoy es conocido, el de objetos sencillos que reproducen imágenes mentales, piezas catalogadas con la manida etiqueta de “poesías visuales”. En 1992 puede dejar su trabajo en un banco para dedicarse plenamente a la fotografía. La consagración como referente del arte de la imagen en España llega en 1999, con una gran retrospectiva en el Museo Reina Sofía, la primera que este centro dedicó a un fotógrafo español vivo, con 150 imágenes. Un “punto de inflexión” en su carrera, como señaló entonces, refrendado por el Nacional de Fotografía al año siguiente. Se publican sucesivas monografías de su obra y se multiplican las exposiciones, dentro y fuera de España, entre las que destaca la de la Fundación Telefónica en 2006, y la de la Sala Alcalá 31, también en Madrid, en 2015. En 2019 se le concede la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Toda una carrera de la que se ha intentado extractar su aspecto más siniestro, con ejemplos como la corona de espinas que rodea una oreja, una soga compuesta de perlas, la cabeza de un muñeco que emerge del agua, la palabra “Tú” con una navaja por tilde o el caramelo envuelto en un papel con forma de ojo... Como apuntó Lanceros, una pizca de “maldad que siempre estuvo en esas imágenes, aunque no surgiera en su primera lectura”.

MANUEL MORALES (EL PAÍS)

GRANDES OBRAS DEL ARTE POP

 

Exposición THIS IS POP! DAS LATAS DE ANDY WARHOL ÁS TÚAS en Vigo

63 producións de 29 artistas que abordan a arte Pop desde as súas orixes nos anos 50 ata os nosos días. Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Peter Blake, Yayoi Kusama, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Damien Hirst, Takashi Murakami, Jeff Koons, Yoshitomo Nara, Julian Opie, Mr., Shepard Fairey (Obey), Kaws, D*Face, Boamistura e Okuda, entre outros.

 «This is pop. Das latas de Andy Warhol ás túas», unha proposta enmarcada no programa «Cultura por alimentos», que a entidade acaba de poñer en marcha e que anima a que as persoas visitantes e usuarias de actividades de Afundación contribúan con alimentos non perecedoiros depositados nos colectores habilitados para seren doados aos bancos de alimentos. 

A mostra recompila 63 producións de 29 artistas que abordan a arte pop desde as súas orixes nos anos cincuenta ata os nosos días. Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Peter Blake, Yayoi Kusama, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Damien Hirst, Takashi Murakami, Jeff Koons, Yoshitomo Nara, Julian Opie, Mr., Shepard Fairey (Obey), Kaws, D*Face, Boamistura e Okuda, entre outros.

A arte pop foi un movemento xurdido a finais da década de 1950 en Reino Unido e Estados Unidos como reacción artística ante o expresionismo abstracto e que se caracterizou polo emprego de imaxes e temas tomados da sociedade de consumo e da comunicación de masas aplicados á arte. Utilizaban imaxes coñecidas cun sentido diferente para acadar unha postura crítica da sociedade de consumo. O neo-pop, pola súa parte, é unha corrente artística vivo exemplo da posmodernidade do século XX, onde ironía, repetición, apropiación, deconstrución e distintas linguaxes ou referencias xeran unha arte a veces kitsch e de matices mixtos. Non hai homoxeneidade, igualmente se utilizan como fonte de inspiración as imaxes da cultura popular ca os medios de comunicación de masas. Todos os artistas neo-pop teñen en común o feito de utilizar a iconografía dos cómics, dos debuxos animados, dos anuncios publicitarios ou incluso a da obra doutros artistas pop xa consagrados. Igualmente, se algo caracteriza a arte urbana do século XXI arredor do mundo é a súa heteroxeneidade. As intencións dos seus autores son moi diversas e variadas, non todos manexan a linguaxe da subversión e a ironía, non todos tratan de incitar no público reflexións sociais nin políticas, pero si buscan chamar a atención, sorprender ao ocuparen un espazo público non concibido inicialmente para albergar obras deste tipo, ao converteren a rúa nun museo ao aire libre. O que une todos estes movementos é un sistema referencial e subxectivo. Tratase duns estilos que regresan á realidade cotiá da vida diaria, unha cultura popular con protagonismo da televisión, as revistas ou os cómics.

Esta exposición inclúe unha selección de artistas que levan traballando a linguaxe pop desde as súas orixes a mediados do século XX ata os nosos días, realizando unha análise comparada das producións artísticas de EEUU, Reino Unido e España. A través dun percorrido multidisciplinar e de carácter divulgativo, o público poderá contemplar desde as serigrafías de Marilyn Monroe elaboradas por Andy Warhol, ata as famosas latas Campbell protagonistas da súa produción, ou a repercusión en España co Equipo Crónica, pasando pola arte pop en Reino Unido e a continuidade no pop urbano.

 

Esta exposición enmárcase no proxecto CULTURA POR ALIMENTOS lanzado por Afundación Obra Social ABANCA en colaboración coa Federación Española de Bancos de Alimentos co obxectivo de contribuír, a través de doazóns, a incrementar os recursos dos Bancos de Alimentos de Galicia. Entidades cruciais para atender a crecente demanda social provocada con motivo da crise económica vinculada á pandemia.

 

Entra aquí e infórmate polo miúdo sobre o noso programa CULTURA POR ALIMENTOS.

COMISARIA | Antonella Montinaro

• ONDE:

  Sede Afundación Vigo

  Policarpo Sanz, 24 - 26. Vigo (Pontevedra)

• DATAS:

  30 SET A 27 NOV 2021

• HORARIO:

  LUNS A SÁBADOS 17.30 A 20.30 h

• ENTRADA:

  Gratuíta

• MODALIDADE:

  Presencial