BALDOMERO PESTANA

La Cidade da Cultura inauguró el lunes 30 de abril la exposición Pestana, a verdade entre as mans para recuperar y poner en valor la obra del fotógrafo gallego BALDOMERO PESTANA (Castroverde, Lugo. 1917-2015), desconocido para el gran público, pero todo un referente de la imagen en la segunda mitad del siglo XX. La muestra sobre Baldomero Pestana llega al Museo Centro Gaiás tras recibir más de 10.000 visitas durante sus dos meses  en la sede en Madrid del Instituto Cervantes.

 

Además, la exposición -organizada por la Xunta de Galicia, a través de la Fundación Cidade da Cultura, y el Instituto Cervantes- consiguió en este breve tiempo una importante repercusión mediática, siendo objeto de reportajes en medios internacionales como The Guardian, que calificó a Baldomero Pestana como "fotógrafo de los gigantes de las letras hispanoamericanas"; en El Comercio de Perú, que valoró que el gallego consiguiera "apropiarse de los rostros y las vidas de escritores, artistas y pensadores" a través de sus retratos; mientras que Clarín quiso remarcar su vida, propia "de una novela de aventuras".

 

Comisariada por la gallega Chus Villar y por el escritor Juan Bonilla, la exposición cuenta con la implicación de los familiares de Pestana, Antonio Polín Pérez y Carmen Rico Coira, responsables de los fondos de más 17.000 negativos de Pestana y custodios de todo su legado, por lo que se trata de la muestra más completa realizada hasta el momento sobre el fotógrafo gallego.

 

Así, además de sus libros, cartas y sus cámaras Rolleiflex, Hasselbald y Linhof, se exhibirán 150 fotografías, imágenes de denuncia social y retratos de escritores e intelectuales, como Pablo Neruda, García Márquez, Vargas Llosa, Blanca Varela, Norah Lange, Jorge Luis Borges, Man Ray o el trompetista de jazz Dizzy Gillespie. El visitante podrá seguir su periplo vital en las tres ciudades en las que se enmarca la vida de Pestana antes de regresar a Galicia: Buenos Aires, Lima y París.

 

 

Rescatar del olvido a figuras relevantes

La trascendencia de este proyecto viene marcada porque con él se rescata de un injusto olvido a un maestro de la cámara, desconocido para el gran público, y permite poner en valor a un gallego que vivió conectado a la escena cultural de su tiempo, dejando imágenes imprescindibles para acercarse a la efervescencia artística del Perú de los años cincuenta o al boom latinoamericano de la década de los sesenta en París.

Chus Villar, una de las comisarias, llama la atención no solo sobre la "calidad artística" de las fotografías de Pestana, sino también sobre la "extraordinaria biografía" de un gallego que recorrió el mundo con una "vista sensible e intuitiva, de admiración, de humildad y de interés por el detalle, por encima de la búsqueda del espectáculo".

 

 

Precisamente, para acercarse a la vida y al universo creativo de Pestana, con motivo de la exposición se exhibirá también una pieza creada ex profeso a partir del documental A imaxe reb/veleda, producción dirigida por Andrea Vázquez García, producida por Miramemira y que se grabó durante los últimos años de vida del fotógrafo, después de su regreso a Galicia.

Con esta exposición, la Xunta y el Instituto Cervantes continúan en una estrategia de colaboración para poner en valor figuras de la cultura gallega aprovechando la capacidad de proyección de la Cidade da Cultura y la red de centros del Instituto Cervantes en el exterior. De este modo, tras su clausura el 2 de septiembre en el Museo Centro Gaiás, Pestana, a verdade entre as mans será exhibida en París, una ciudad que lo marcó personal y laboralmente.

 

 

Este muestra se enmarca en los proyectos expositivos de la Cidade da Cultura para recuperar y destacar el trabajo de artistas gallegos con una gran calidad y con un importante reconocimiento en su tiempo y que fueron injustamente olvidados, como es el caso de JOSÉ SUÁREZ (Allariz, 1902 - A Guarda, 1974). Precisamente, José Suárez. Uns ollos vivos que pensan finaliza su itinerancia este año en el Museo de Belas Artes de A Coruña, tras su inauguración en 2015 en el Museo Centro Gaiás y después de recorrer Madrid, Buenos Aires, Montevideo, París, Tokio, Nueva Delhi y Salamanca.

 

 

ANXO CABADA

Chega a Vigo a mostra de Anxo Cabada que conxuga fotografía e literatura galega actual

A exposición de retratos sobre escritores e escritoras galegos poderá visitarse na Casa das Artes ata o 9 de setembro

 

Anxo Cabada y algunos de los fotografiados

Cincuenta autores e autoras da literatura actual galega foron retratadas pola mirada do fotógrafo Anxo Cabada. A mostra reúne as imaxes destes persoeiros acompañadas dun texto literario da persoa fotografada. A exposición, co título "O imaxinario do país. Letras de magnesio. Retratos fotográficos e autorretratos literarios de escritores e escritoras", forma parte da programación cultural do Ano da Lingua e chegou o pasado venres á Casa das Artes de Vigo e permanecerá nela ata o 9 de setembro. No acto de apertura estiveron presentes o alcalde da cidade de Vigo, Abel Caballero, e a presidenta da Deputación de Pontevedra, Carmela Silva, acompañados polo propio autor das fotos, Anxo Cabada, xunto con deputados, concelleiros vigueses e o escritor Antonio García Teijeiro, Premio Nacional de Literatura Infantil e Xuvenil no 2017.

Para Cabada, Vigo é "a cidade na que teñen a sede as principais editoriais deste país, e doutra, acolleu fai anos unha bienal fotográfica que a convertera nun centro a nivel estatal de intercambio en materia de fotografía".

Antonio García Teijeiro contempla a súa fotografía

O deputado provincial da Cultura e da Lingua, Xosé Leal, asegura que "este proxecto é unha homenaxe ao traballo que as autoras e os autores deste país fan a prol da nosa lingua, como un valor e un tesouro da nosa cultura que nunca nos cansaremos de poñer en valor e de reivindicar".
 

ARTE URBANO EN VIGO

                         Del grafiti al arte urbano

En las calles viguesas conviven expresiones artísticas surgidas en el entorno de la cultura urbana del hip hop, con manifestaciones ideológicas y con encargos creativos que institucionalizan el “Street Art”

Mural en la calle Aragón

 

 

La expresiones de arte urbano se han multiplicado en Vigo en los últimos años, incentivadas desde el Concello. Sin embargo, para algunos su institucionalización contribuye a desvirtuar su significado, bordeando la clandestinidad. Los manuales de arte diferencian tres conceptos: grafiti, surgido en los años 60 en los barrios estadounidenses; el postgrafiti, que nació en los 80 en Europa con la fusión del arte de la calle con el de la academia, y la intervención específica, por encargo.

 

Mural calle Zaragoza

 

“Desde que se puso de moda, el término arte urbano engloba todo lo que se hace en la calle, pero hay que diferencia al autor, su formación y su motivación”. Así, Powone (Antonio Barbará), uno de los artistas urbanos más conocidos de la ciudad, reivindica sus orígenes de barrio: “Todo comienza por los caligramas, son los grafitis originales, que nacen un medio de representación individual, sin mensajes políticos, ni de género, guiados por el ego de verse en cuanto más sitios mejor”. Según Powone, este movimiento en Vigo está bastante parado: “Los nombres más importantes como Nano se han ido de Vigo, ahora queda un grupo underground de chavales, preocupados por hacer el mejor tren y que se vea, intervienen fábricas abandonadas o estructuras en altura; al estar sancionado, buscan estilos rápidos”, siempre con aerosol. La clandestinidad continúa envolviendo a los grafiteros, de Vigo es uno de los artistas urbanos que viaja por el mundo dejando su firma, pero mantiene el total anonimato, nadie parece saber quien es. La convivencia con los artistas de academia y los encargos instituciones no siempre es fácil, tal y como pasó con el retrato de Carme Krukenberg, de Puhiger, que sufrió varias pintadas. “Es importante conocer el medio y contactar con los grupos de la zona, a veces un simple tú a tú evita esto”, indica Powone. 

 

Mural del cruce de Peniche

Con la política municipal, el muralismo se ha hecho sitio en las calles viguesas. No solo contrata intervenciones el Concello, también instituciones y particulares. Una de los últimos encargos ha sido el que finalizó Davide, un artista de Sárdoma, en el Conservatorio Superior de Música. También arte urbano son las intervenciones dotadas de un mensaje. La artista multidisciplinar Lupita Hard utiliza el espacio urbano para denunciar la violencia machista y reclamar la liberación de la mujer. Para ello echa mano de un icono, la vulva rosa, que genera respuestas a favor y en contra, motivando nuevas intervenciones. En el Casco Vello acoge otro ejemplo de mural comprometido, en este caso político, el que Arrulique pintó con el día 14 por la Rúada da Patria. 

 

Mural calle Arenal

 

 En todos los casos la calle se convierte en vía de expresión.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

JOAN MIRÓ

 La familia de Joan Miró cumple el gran sueño del artista

Sus herederos ceden cuatro esculturas al Centro Botín y al Ayuntamiento de Santander y cumplen con su deseo de hacer accesibles sus obras a todo el mundo en espacios públicos

 

Los herederos de Joan Miró, representados a día de hoy por Joan Punyet Miró, nieto del artista y cabeza visible de la Successió Miró, han decidido realizar una cesión temporal por cinco años renovables de cuatro esculturas del famoso artista que actualmente se exponen como parte de la muestra ‘Joan Miró: Esculturas 1928-1982’, que permanecerá abierta al público en la segunda planta del Centro Botín hasta el próximo 2 de septiembre.

 

 

 

De esta manera, la familia de Miró pretende cumplir en Santander con el deseo del artista de que sus obras de gran formato se muestren en lugares públicos y sean accesibles a todo el mundo. Así lo ha manifestado Joan Punyet Miró, quien ha asegurado estar "fascinado con la gran acogida" que está teniendo la exposición de su abuelo en el Centro Botín y con los proyectos culturales que están previstos para la ciudad, como el traslado de la colección de arte del Banco Santander a su renovada sede social del Paseo Pereda o el proyecto de apertura del centro asociado del Reina Sofía vinculado al Archivo Lafuente, lo que sin duda ha contribuido a que la familia tenga este generoso gesto. 

 

 

Tres de las obras cedidas han sido realizadas con objetos encontrados, una práctica habitual del artista y uno de sus signos distintivos, mientras la cuarta restante es uno de los muchos homenajes que Miró le dedicó a la mujer. Además, todas ellas proceden de Palma de Mallorca para reubicarse, a través de esta cesión, en un lugar público y transitado que cumpla con el deseo del famoso artista de llegar con sus obras al mayor número de personas.

 

Así, 'Femme Monument' (1970), y 'Souvenir de la Tour Eiffel' (1977), son las esculturas que la familia ha cedido al Centro Botín y que se exhibirán en la galería E de la primera planta, que se convertirá para ello en un espacio dedicado al artista. La primera, es una de las primeras esculturas que el artista trabaja en la Fonderia Artística Bonvicini, en Verona, donde creará piezas, especialmente, de gran formato, pulidas y de superficies lisas.

 

 

 

La segunda, es una obra de tres metros de altura concebida con objetos inicialmente sin validez artística, pero que para Miró desprendían una cierta magia o una positiva energía; en ella predomina esa libertad poética de la que siempre hace gala, haciéndonos olvidar por un momento su verdadero sentido y origen.

 

Por su parte, 'Tête' ('Tête sur socle'), de 1978, y 'Femme' ('Femme debout'), de 1969, son las obras monumentales que recibirá el Ayuntamiento de Santander y que se ubicarán en los Jardines de Pereda. Estas cuatro obras son una muy buena selección del trabajo escultórico de Miró, no solo por representar a través de ellas su trabajo en tres talleres de fundición diferentes (en Barcelona, París y Verona), sino también por el abanico cronológico que se da en el conjunto, ya que permite apreciar la evolución de su obra escultórica con claridad.

 

HASTA EL 2 DE SEPTIEMBRE

 

JOSÉ SOLLA EN PONTEVEDRA

        José Solla expone en el Museo de Pontevedra

 

    El pintor inaugura en el Sexto Edificio su muestra "Coplas de Cego"

 

 

 

El pintor José Solla será el protagonista de la próxima exposición del Museo de Pontevedra, una muestra que será una retrospectiva de su obra bajo el título de "Coplas de cego". El acto de inauguración tenedrá lugar mañana a las 20.00 horas, aunque la presentación oficial tuvo lugar ayer con la presencia del propio artista, el comisario de la exposición, Ramón Rozas; el director del Museo de Pontevedra, Carlos Valle; y del diputado de Cultura e Lingua, Xosé Leal.

 

Solla es natural de Marín, pero está muy vinculado a Bueu. El artista emigró a Argentina en la década de 1950 y actualmente pasa su tiempo entre largas estancias en Mar del Plata y Bueu. La exposición que se podrá ver desde mañana en el Museo de Pontevedra recopila 110 de sus trabajos, desde sus inicios hasta obras más actuales. Ramón Rozas indica que la muestra se puede dividir en dos grandes etapas. "A primeira será na que traballa a partir dun mesmo océano, desde as dúas beiras", en alusión a que son obras en las que se representan puertos de mar a ambos lados del Atlántico. Esto incluye embarcaciones y, especialmente, a la gente del mar y su mundo de trabajo. En lo que respecta a la segunda etapa, que el comisario sitúa a partir de 1978, el artista juega con la simbología del arte románico. "Nesas pezas podemos apreciar a capacidade de Solla e a súa maneira de traballar a partires das representacións da arte románica que vemos nos capiteis das igrexas e como é capaz de conectalas co noso mundo rural e coas nosas lendas", ilustró Ramón Rozas, que añade que también se caracterizan por "unha desbordante imaxinación".

 

La retrospectiva se completa con un mural en la cristalera de la planta baja del edificio del Museo de Pontevedra, donde se podrán ver los dibujos originales que dieron lugar a "Inés-Palmira", en la que se combina pintura y escultura. Esta obra de gran formato está en la Praza Massó de Bueu y se pudo materializar gracias a la escuela de cantería de la Diputación de Pontevedra, que fue capaz de materializar en piedra los dibujos en papel de José Solla.

La exposición se podrá ver hasta el próximo 23 de septiembre. Xosé Leal asegura que junto a la que se dedica a Alejandro de la Sota será la más relevante del museo este año. "Os grandes proxectos fanse con grandes equipos", destacó en referencia al trabajo del artista, comisario y equipo del Museo de Pontevedra.

Durante la presentación el artista explicó "Coplas de cego" es un homenaje "a lo que Pontevedra tenía de lindo para mí en mi infancia". Solla, que se definió como "un pintor viejo que convive con gente joven", también desveló el sentido del título de la muestra. "Cuando venía a la feria en Pontevedra con mi abuela me llamaba la atención un ciego que actuaba como un trovador y vendía sus coplas. Yo siempre quería comprarlas, pero mi abuela no me dejaba", recordó.

 

 

EUSEBIO SEMPERE

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color; como escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni, el suyo: “es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico”. La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980.

 

 



Relieve luminoso móvil "Ciudad”


  

En la trayectoria artística de Sempere su larga estancia en París durante la década de los cincuenta marca un punto de inflexión. Allí participa en varias ediciones del Salon des réalités nouvelles, donde en el verano de 1955 expone sus relieves luminosos móviles y un manifiesto en el que se refiere a la luz como el elemento con el que construir un diálogo poético a través del tiempo. El mismo año de la presentación de estas obras claramente cinéticas, había tenido lugar la exposición Le mouvement en la galería Denise René, considerada el origen del arte óptico y cinético. Su progresivo interés por el arte de vanguardia en España y las dificultades de la vida en París, llevan a Sempere a instalarse en Madrid en enero de 1960, en pleno auge del informalismo. Como integrante del Grupo Parpalló expone ese año en la Primera exposición conjunta de arte normativo español y tiene en el mencionado Aguilera Cerni uno de sus primeros apoyos; participa también en la XXX Bienal de Venecia (1960) y en la VI Bienal de São Paulo (1961); en 1963, con una beca de la Fundación Ford, viaja por Estados Unidos, exponiendo en 1964 y 1966 en la galería Bertha Schaefer de Nueva York. Durante esos años, la Galería Juana Mordó le representa y le dedica una muestra retrospectiva en 1965; Fernando Zóbel le incluye en la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, en 1966.

 

 

Esta exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches realizados en París, obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y una especial sensibilidad por la luz y el espacio; junto con una selección de los relieves luminosos en los que empezó a trabajar en 1955. 

Más adelante, se atiende a los diferentes intereses que centran el trabajo de Sempere desde su regreso a España a través de una selección de pinturas al gouache sobre tabla y papel, collages realizados con cartulinas y escultura en metal, desarrollada desde mediados de los años sesenta. Asimismo, se muestran sus trabajos interdisciplinares, como Proyecto de música electrónica (1967), que realiza con el grupo ALEA de Luis de Pablo; los seminarios de Análisis y Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, entre 1969 y 1972; las exposiciones Antes del Arte. Experiencias ópticas perceptivas estructurales, que organiza Aguilera Cerni en Valencia y Madrid en 1968, y Proyecto IBM, planteado como una escultura de arte total, en colaboración con Cristóbal Halffter y Julio Campal.

 HASTA EL 17 DE SEPTIEMBRE

TRES EXPOSICIONES DE FOTOGRAFIA

Brassaï

Hasta el 2 de Septiembre

FUNDACIÓN MAPFRE MADRID

 

 

 

 

 

La exposición BRASSAÏ llega a Madrid procedente de Barcelona, desembarcando con la obra del magnífico fotógrafo y artista húngaro hasta septiembre de 2018. Las fotografías de Brassaï ya fueron ampliamente reconocidas en los años 50 del siglo XX, y a día de hoy siguen despertando inquietud, fascinación e interés. La muestra reúne más de 200 piezas entre las que también se incluyen dibujos, una escultura y material documental, imprescindible para entender la obra en su época y su entorno. Fundamentales en la producción fotográfica artística de entre guerras, entre las instantáneas del genio húngaro destacan especialmente las captadas en los bajos fondos del París de la época. Prostitutas, músicos y habitantes de la noche protagonizan escenas de perfecta composición, pasando  de desheredados a protagonistas gracias a la mirada del artista. 

 

 

 

Players: Los fotógrafos de Magnum miran al juego

Hasta el 3 de Septiembre

FUNDACIÓN TELEFÓNICA MADRID

 

 

En el año 2017 se celebró el 70 aniversario de la que es probablemente la agencia de fotografía más famosa de todos los tiempos: MAGNUM. A lo largo de estas décadas, artistas de la talla de Robert Capa, Jim Goldberg o Susan Meiselas (entre muchos otros) han llevado este nombre hasta las más altas esferas del fotoperiodismo y el arte. La exposición que presenta la Fundación Telefónica rinde homenaje a la mítica agencia, desde un enfoque lúdico y original: el juego. En sus imágenes los fotógrafos reflejan momentos relacionados con este tema de muy distintas maneras, tanto con un punto de vista externa (y meramente documental) como formando parte de la acción. Cerca de 200 obras maestras de la fotografía, que configuran un universo tan desenfadado como creativo. 

 

 

           Mostra «Vida» de Gervasio Sánchez

                     Hasta el 29 de septiembre

               SEDE A FUNDACIÓN CORUÑA

 

 

 

Abrimos nova exposición na nosa Sede Afundación A Coruña, un traballo fotográfico de gran valor artístico e social do fotoxornalista Gervasio Sánchez, Premio Nacional de Fotografía. Baixo o título «Vida», o autor presenta un total de 65 imaxes bélicas sacadas en diferentes contextos políticos, xeográficos e mesmo temporais, que queren destacar o triunfo da vida sobre a traxedia. Instantáneas impactantes que podes coñecer ata o 29 de setembro na cidade herculina.

As imaxes, tomadas polo fotoxornalista e Premio Nacional de Fotografía Gervasio Sánchez en moi diversos tempos, lugares e contextos, mostran como a vida se sobrepón, como se manifesta en medio das ruínas da guerra e a morte, superándoas. Expresan a miúdo unha alegría paradoxal, lacerante, porque documentan a vida que se nega a ser aniquilada. Sánchez convértese así nun fotógrafo de vida, e esta visión enfoca todo o seu traballo e é o grande eixe temático desta mostra. 

Ao contrario das súas exposicións e libros anteriores, aquí as imaxes non están divididas por tema, orixe ou data, como corresponde ao seu labor de reporteiro dedicado en especial a conflitos armados en todo o planeta. Pese a ser un fotoxornalista de estatura mundial, esta mostra preséntao de xeito diferente: destaca a un artista da imaxe.

Tan poeta como reporteiro, sen contradicións, Sánchez non busca o hedonismo, senón unha beleza con gume, capaz de potenciar e volver máis profundo o sentido de imaxes que nos mostran a traxedia da guerra e a violencia. Non crea unha estética destas desgrazas: critícaas a través do impacto da beleza e dos poderes cognoscitivos e comunicativos particulares da arte. 

A mostra completase coa proxección da peza "Imprescindibles. Gervasio Sánchez, testigo de guerra." grazas á colaboración de RTVE.

 

FUNDACIÓN ROSÓN (Pontevedra)

Galardonados con los premios Arte y Mecenazgo

           Dora García, Espaivisor y Fundación Rosón,

                        Premios Arte y Mecenazgo

La directora general adjunta de la Fundación Bancaria ”la Caixa”, Elisa Durán, y el director del Área de Cultura de la Fundación Bancaria ”la Caixa”, Ignasi Miró, han dado a conocer en CaixaForum Madrid a los galardonados en la octava edición de los Premios Arte y Mecenazgo, que reconocen a los principales referentes en el estímulo de la escena artística española. En esta edición los premiados han sido la artista Dora García, la galería Espaivisor y, en la categoría 'Mecenas', la Fundación Rosón Arte Contemporáneo.

 

Instituidos en 2011, estos Premios son en la actualidad los galardones de referencia en el compromiso privado con el sistema del arte en España. A lo largo de estos siete años han ido adquiriendo una relevancia cada vez mayor, en paralelo a la transformación del contexto social español, en el que la figura del mecenas emerge como ejemplo de responsabilidad social individual imprescindible para que el arte, en todas sus formas, siga fluyendo.

 

Los galardones introdujeron en su momento un elemento innovador, al incidir de forma global en la cadena de valor del arte y sumar, al reconocimiento del trabajo de los artistas, el de los galeristas y mecenas, figuras fundamentales para el desarrollo de la creación artística.

 

El año pasado, la Fundación Bancaria ”la Caixa” les dio un nuevo impulso introduciendo algunas novedades que se han consolidado en esta edición, como son la participación social –en especial, la de profesionales y especialistas del sistema del arte– en la aportación de candidaturas, y la constitución de un jurado único para las tres categorías.

 

Tras el anuncio público de los ganadores, el próximo mes de octubre se celebrará la ceremonia de entrega de los premios, durante la cual los galardonados recibirán una escultura de Miquel Barceló realizada para la Fundación.

 

Mecenas

El jurado ha destacado el programa de la FUNDACIÓN ROSÓN Arte Contemporáneo (RAC) por su “extraordinaria calidad y por su capacidad transformadora”. “Su innovador planteamiento”, ha añadido el jurado, “fomenta el diálogo entre artistas y el tejido social del lugar donde se asienta, lo que también constituye un ejemplo de complicidad y refuerzo del ecosistema local”.

 

La finalidad de la Fundación, fundada en 2007 por el arquitecto y coleccionista gallego Carlos Rosón y su mujer Julieta Rojo, es apoyar al arte y la cultura mediante la realización de proyectos y actividades que incentiven la creación artística y su difusión, tanto en el contexto gallego como en el marco nacional e internacional.

 

En más de una década de historia ha contribuido al conocimiento del arte a través de una excelente línea de exposiciones, publicaciones y ediciones de obra seriada. Su colección, que incluye más de 300 obras de 170 artistas contemporáneos, es objeto de interesantes exposiciones en diferentes instituciones. Y la Fundación RAC apoya la producción de obra mediante su programa de residencias, una iniciativa que fortalece el papel de diversos agentes: tanto artistas como comisarios invitados y público. Con todo ello se ha abierto un espacio propio en el sistema del arte, a pesar de tener su sede en una ciudad alejada de los núcleos tradicionales.

 

Con el premio a Carlos Rosón y a Julieta Rojo, el jurado quiere contribuir a una “idea de mecenazgo cercano, que centra la atención en su impacto –sea local o de radio más amplio– por encima de cualquier consideración sobre la escala del proyecto, sus medios económicos e infraestructuras, su proyección pública o su alcance geográfico”. Asimismo, el jurado ha resaltado su vocación pedagógica, al establecer interesantes diálogos entre los artistas residentes, el colectivo de estudiantes de la ciudad y el público general.

 

El programa de residencias de la Fundación RAC funciona como polo de atracción para artistas interesados en trasladar temporalmente su ámbito de creación a Galicia y desarrollar un trabajo específico basado en su relación con el entorno. Este programa ejemplifica su vinculación con el arte contemporáneo, que va más allá del mero coleccionismo para integrarse en todas las etapas del proceso creativo. Entre los artistas que han pasado por el programa se cuentan, entre otros, Nicolás Paris, Amalia Pica, Sandra Gamarra, Héctor Zamora, David Zink Yi, Sofía Táboas e Ignasi Aballí.

 

En un ámbito más personal, el jurado ha destacado el entusiasmo del matrimonio Rosón Rojo, su apoyo incansable y su constante presencia en las citas artísticas españolas e internacionales. Su cercanía e interés por el arte han sido claves en la conformación de un proyecto que ha sabido encontrar su sentido y desarrollarlo con un éxito indudable.

LAXEIRO, OBRAS SOBRE PAPEL

Camilo Chas:

«Coruña es la mejor plaza de Galicia para exponer arte»

Camilo Chas (galerista)

El galerista organiza la exposición «Laxeiro, obras sobre papel», abierta del 12 de julio al 24 de agosto.

La exposición ofrece una buena oportunidad para acercarse al trabajo de uno de los artistas gallegos más importantes del siglo XX. José Otero Abeledo, Laxeiro (Lalín, 1908 - Vigo, 1996) es un destacado miembro del grupo conocido como Los Renovadores de la Vanguardia histórica gallega. 

 

La entrada del arte gallego en la contemporaneidad fue una de las aportaciones más importantes de Laxeiro, gracias a estar en consonancia con lo que sucedía en el panorama internacional en el primer tercio del siglo XX”.

 

La exposición está basada en obras sobre papel, por considerarlas más accesibles al público y es una gran ocasión de disfrutar, para siempre, de una obra certificada por la Fundación Laxeiro de nuestro artista más universal. 

 

ENTREVISTA AL GALERISTA CAMILO CHAS

 

-¿Con qué se van a encontrar los asistentes a la muestra «Laxeiro, obras sobre papel»?

-En las 22 obras que tenemos disponibles se verán las diferentes etapas de Laxeiro, desde su faceta más costumbristas hasta la más abstracta.

-¿A Coruña es una buena plaza para el arte?

-Es la mejor plaza de Galicia para exponer arte. La prueba es el número de galerías presentes. Todas son galerías fuertes y consolidadas. Es cierto que algunas han cerrado pero es por falta de adaptación al arte contemporáneo.

-¿Cuáles son las firmas más populares en Galicia?

-Las firmas contemporáneas consagradas como Laxeiro, Lugrís, Sucasas, Alfonso Abelenda o Peteiro. Empiezan  a dejar pegada, artistas como Óscar Cabana o Amelia Palacios, una artista emergente pontevedresa que trabaja con composiciones abstractas. Es una de las grandes promesas del arte gallego.

-¿Entiende la «lucha» entre galerías e instituciones?

-Son exposiciones diferentes. Las galerías optamos por muestras más comerciales. Por eso, en esta ocasión, hemos escogido Laxeiro, sobre papel. Las instituciones deben seguir cumpliendo su papel, hacer disfrutar a la gente, y encargarse de las grandes exposiciones. En una galería la gente, además de disfrutar de las obras puede llevárselas a casa. Galerías e instituciones no podríamos sobrevivir si no trabajamos de forma conjunta.

 

 

HOMENAJE A MANOLO MOLDES

              A Solaina ensalza a Manuel Moldes

La XIV Xuntanza Internacional rinde tributo este año al malogrado artista y profesor.

MANUEL MOLDES, referencia del arte contemporáneo en Galicia, está siendo homenajeado en la XIV Xuntanza Obradoiro Internacional das Artes Plásticas organizada por la Fundación Paco Lareo A Solaina de Piloño. La cita tiene lugar del 9 al 14 de julio con la figura del fallecido pintor y profesor como leitmotiv.

El sábado 14, último día de la actividad, tendrá lugar la habitual jornada de puertas abiertas con numerosas referencias para todos los que se quieran acercar a Piloño. A las 11.00 horas está prevista la colocación de la obra realizada por los artistas para poder ser visitada por el público. A partir de las 18.00 horas está previsto el homenaje a Manuel Moldes, que arrancará con una mesa redonda sobre su figura en la que estarán el profesor Manuel Dimas, la exalumna Ana Seoane, el artista plástico Lito Portela y el alcalde de Lalín, Rafael Cuiña, coleccionista y amigo del finado creador. Tras ella se procederá al descubrimiento de un altorrelieve del homenajeado realizado por O Vila, y Plácido Rozas, Tamara Soto y Xocas Meijide interpretarán los himnos y varios temas. Seguidamente será el turno del estampado de los diseños realizados sobre los modelos, Ad Libitum ofrecerá un concierto y se entregarán los diplomas a los artistas participantes a cargo del Padroado de la Fundación.

 

 

Manuel Moldes

 

 

 

ALEXANDER RÓDCHENKO (exposición en Valencia)

              Fotografía de Ródchenko en el IVAM

 

Exposición "Caso de estudio"

ALEXANDRE RÓDCHENKO (San Petersburgo, 1891- Moscú, 1956) fue uno de los artistas más destacados de la vanguardia soviética durante el periodo de entreguerras. Fundador del Constructivismo ruso y uno de los introductores del fotomontaje en la Unión Soviética, su obra auspició la utopía revolucionaria al concebir el arte como vehículo para transformar la vida.

 

En consonancia con esta idea, la exposición "Caso de estudio" analiza sus radicales aportaciones al mundo de la fotografía y al diseño gráfico (tanto político como comercial) a través de una selección de libros, fotos y revistas de la época en un montaje en el que se presta una especial atención a la revista propagandística URSS en Construcción y a algunos de los artistas como El Lissitzky, Klucis, Mayakovsky o Varvara Stepanova que compartieron sus mismos presupuestos estético-políticos.

 

La exposición se articula a través de los fondos del Ivam que se complementan con obras en préstamo del Archivo Lafuente de Santander y de la Biblioteca del MNCARS



 

 

             FECHA: Desde el martes 13 de marzo hasta el domingo 26 de Agosto de 2018
 

 

ARTUR BARRIO

  Artur Barrio. Experiencias y situaciones

                  Exposición en Madrid, MUSEO REINA SOFÍA      

 

                         

El artista portugués-brasileño Artur Barrio (Oporto, 1945), Premio Velázquez de Artes Plásticas 2011, es una de las figuras esenciales en las artes de acción y los conceptualismos en América Latina desde finales de los años sesenta, cuando irrumpió en la escena creativa brasileña en un contexto marcado por las tensiones políticas y la creciente represión de la dictadura militar. Las intervenciones en el espacio público y la búsqueda de un lugar de expresión al margen de las instituciones artísticas confluyen en este creador como un signo de resistencia que poetiza la vida cotidiana. En esas acciones el cuerpo del artista se sitúa en el centro de una crítica a la coerción social.

La obra de Artur Barrio constituye un ejemplo radical del modo en que el arte puede renunciar a su objetualidad; una peculiar crítica a sus condiciones de producción, circulación y consumo en la sociedad contemporánea. El artista utiliza materiales precarios y perecederos, en muchas ocasiones orgánicos, para crear situacões (situaciones) que hacen imposible su reapropiación por parte de un sistema del arte que permanece comprometido con la circulación fetichista del objeto o el documento.

La exposición se articula en dos salas: en la primera, se traza un itinerario histórico a través de documentos del archivo del artista, fotografías, películas o manifiestos, mediante los cuales ha quedado un registro de las situaciones y experiencias creadas por Barrio en diferentes lugares y momentos a lo largo de su carrera. Por ejemplo, se podrán consultar los registros documentales de acciones emblemáticas como DEFL…Situacão…+S+…Ruas… (1970), DES.COMPRESSÃO (1973), ÁREAS SANGRENTAS (1975), o LIVRO DE CARNE (1978-79), entre otras. También se incluye una amplia selección de sus CadernosLivros, cuyas páginas permiten reconstruir la proyección de un pensamiento estético desplegado en proyectos, dibujos, textos, collages, etc.

La segunda sala presenta una experiencia in situ realizada por el artista durante la semana previa a la apertura de la muestra: Barrio ocupa el museo e interviene el espacio, probando la capacidad de la institución de responder y adaptarse a la espontaneidad del gesto y la performatividad del acontecimiento artístico. En su trayectoria, este tipo de propuestas, conocidas como “experiencias”, han devenido momentos de habitabilidad de un lugar -las salas de exposiciones en museos o galerías-, en el que durante un período determinado Barrio convive con las dinámicas productivas de la institución, irrumpiendo y creando fricciones en la normalidad diaria.

Esta exposición supone un acercamiento a las operaciones y gestos que han conformado la sintaxis crítica del activismo de Artur Barrio.

HASTA EL 27 DE AGOSTO