Marina Núñez revoluciona el arte del bodegón en el Thyssen
Cuadro de flores (rosa)’,
Durante siglos, las mujeres pintoras hubieron de limitar su creatividad al ámbito de los bodegones. Nada de mitología ni de temas históricos; la naturaleza muerta y en especial las flores eran lo que mejor transmitían la fugacidad de la vida y por tanto la futilidad de las vanidades: un tema y dos mensajes que, parece ser, al patriarcado artístico le convenía asignar a la competencia femenina.
Ahora, la palentina MARINA NÚÑEZ le da la vuelta al planteamiento y subraya la capacidad del mundo vegetal de pervivir por encima de todo y de todos. Lo hace a través de los óleos, vídeos y piezas de cristal que forman Vanitas , su exposición de 15 piezas en el Museo Thyssen. La muestra, abierta hasta el 29 de agosto, se inscribe en el programa Kora de la institución, que por cuarto año invita a una artista a mostrar su obra bajo una perspectiva de género.
Marejada
Tal como explicó la propia Núñez al presentar la muestra, las obras evocan y combaten el concepto clásico de Vanitas por dos vías contrapuestas. En una primera línea, distópica y de conflicto, la naturaleza “sale triunfante” ante el género humano.
Y así, un paisaje encerrado en un jarrón de la era colonial logra desbordarlo y liberarse del recipiente; dos bustos pétreos se disuelven para dar lugar a sendas plantas que surgen de la materia inerte, y una flor prospera sobre un cuerpo mientras éste se desvanece.
El Guggenheim recupera el Bilbao vanguardista de finales del siglo XIX
La muestra 'Bilbao y la pintura' permanecerá expuesta desde el 29 de enero al 29 de agosto
La emblemática obra 'El marino vasco Shanti Andía, El Temerario', de Ramón de Zubiaurre.
Dedicada al arte realizado entre finales del siglo XIX y principios del XX, la muestra Bilbao y la pintura nos traslada en un viaje pictórico, salpicado de impresionismo y vanguardia francesa, al período histórico en el que la capital vizcaina iniciaba su imparable proceso de modernización.
La muestra presentada se conforma a través de una treintena de obras pictóricas de gran formato que recogen "aspectos muy distintos del paisaje y la sociedad que promovió las innovaciones en la producción y los cambios económicos con los que la vida moderna daría comienzo en Bilbao", tal como describe Ignacio Sánchez Galán, presidente de Iberdrola, entidad que patrocina una exposición comisariada por Kosme de Barañano que acoge el Museo Guggenheim.
Eqipo del Atletic 1915, José Arrúe
En el fin de siècle la villa de Bilbao se convierte en una de las urbes más prósperas de la península gracias a su industria naval y siderúrgica y a su actividad comercial, bancaria y cultural. Entre los ciudadanos de Bilbao de esta época existía la aspiración y la voluntad práctica de prosperar y de avanzar hacia un futuro mejor para todos, una suerte de empatía que se hizo añicos con la llegada de la Guerra Civil de 1936.
Las escenas de aquel Bilbao que comenzaba su propia modernización, una villa que se ensanchaba en todos los sentidos –urbanística e industrialmente– quedaron reflejadas en pinturas de artistas que habían viajado a París y que plasmaron las ideas de modernidad del impresionismo francés y las vanguardias importadas propias de la época.
A través de Bilbao y la pintura, que permanecerá expuesta desde el próximo día 29 hasta el 29 de agosto, podremos contemplar diversas escenas de la historia de Bilbao, como "los barcos comerciales en la ría del Nervión y las terrazas dedicadas al ocio, la vida de los burgueses y los aldeanos, los remeros, la lucha y la muerte en el mar, los héroes del deporte, las faenas cotidianas en un puerto pesquero o las romerías en una anteiglesia vizcaina", explicaron desde el museo.
Recorrido por la exposición
En el espacio introductorio de la muestra, se podrá observar la villa del siglo XIX a través de reproducciones fotográficas a gran escala, y también se contextualiza la figura del escultor bilbaino Paco Durrio.
En la primera sala se exhibe una selección de obras de Adolfo Guiard, Ignacio Zuloaga, Anselmo Guinea, Manuel Losada y José Arrúe. La ría en Axpe y En la terraza, de Guiard (1886), presentan visiones de buques fondeados en la ría y del mar desde la terraza de un balneario abierto al puerto exterior, mientras que Amanecer, de Zuloaga; Las walkirias, de Losada y La fuente de la salud, de Guinea, retratan la burguesía ilustrada.
En la segunda sala hay escenas de mar y de montaña. Ejemplos de este tema recurrente a finales del XIX son El marino vasco Shanti Andía, ElTemerario, de Ramón Zubiaurre, que mira al horizonte en mitad de la galerna, o el tríptico Lírica y religión de Gustavo de Maeztu, que capta la conmoción popular por la muerte a la llegada de unos pescadores a tierra firme.
Por último, la tercera sala contiene una visión etnográfica del folclore, en la que los artistas documentan, entre otros aspectos, la simbología del baile.
La historia de elaboración de Martin Miller’s Gin podrá descubrirse en la feria, referente en Europa del nuevo arte contemporáneo, de la mano del reconocido artista de la ilustración y el collage.
La quinta edición de Urvanity, de la mano de Martin Miller’s Gin, se celebrará del 27 al 30 de mayo en el COAM de Madrid y contará con una treintena de galerías y nombres de la talla de Paco Pomet, Marría Pratts, Eugenio Recuenco, Wendy White, Edgar Plans, Mario Mankey, Miss Van, Imon Boy, Cesc Abad o Case Maclaim.
Más de 2000 metros cuadrados de espacio que demuestra que la cultura sigue siendo segura: “Urvanity es una apuesta por seguir adelante. Es, por supuesto, una apuesta por las galerías y por los artistas. Un colectivo que lleva más de un año sin poder presentar sus trabajos. Es nuestro granito de arena para activar un sector que se ha visto muy parado”, explica Sergio Sancho, fundador y director de la feria.
La cita se consolida en su quinta edición con la presencia de galerías internacionales como la neoyorquina PADRE Gallery, la inglesa StolenSpace Gallery, la colombiana Galería Casa Cuadrada o la galería originaria de Caracas Cerquone Gallery.
Desconocida por el público y olvidada por la historia del arte, la figura de Lolita Díaz
Baliño (A Coruña, 1905-1963) es representativa de las dificultades a las que se tenían
que enfrentar las mujeres, todavía a comienzos del siglo XX, a la hora de desarrollar
cualquier tipo de actividad creativa. La calidad de su trabajo como ilustradora,
dibujante y acuarelista obtendría, sobre todo durante la etapa previa al estallido de la
Guerra Civil, un reconocimiento que se traduciría en sus numerosas colaboraciones en
diversas publicaciones de la época, y que la convertiría en una de las primeras mujeres
en ingresar en una academia de Bellas Artes. La influencia de su trabajo se transmitiría además a otras artistas de generaciones posteriores, gracias a la labor docente que
desarrollaría hasta su fallecimiento en 1963.
Con el objetivo de reinvindicar la obra de la artista y ofrecer una perspectiva lo más
amplia posible de su trabajo, la exposición Lolita Díaz Baliño. A realidade soñada
mostrará al público acuarelas, dibujos, collages, una pequeña selección de porcelanas
y un apartado documental que incluye catálogos de mano, recortes de prensa,
folletos, revistas, cartas, fotografías y dos retratos a lápiz de la artista realizados por
su sobrino Isaac Díaz Pardo. Cerca de un centenar de obras procedentes de
instituciones, pero sobre todo de colecciones particulares, que conforman en la
Fundación Luis Seoane la primera muestra antológica dedicada a la obra de la
ilustradora coruñesa, un proyecto comisariado por la crítica de arte y gestora cultural
Rosario Sarmiento que posee un fuerte carácter divulgativo, incidiendo en los tres
aspectos en los que se dividió su trayectoria: artística, académica y docente.
La muestra pone además de manifiesto la evolución estética de la artista a largo de los
años, desde una primera etapa, acorde con los postulados de la ilustración de su
tiempo, hasta una cierta vuelta hacia el clasicismo, en la que retrata a conocidos y a
varias de sus alumnas, realiza paisajes, etc. La exposición incluye también varios
ejemplos de los dibujos de temática fantástica, de las hadas de Lolita, un motivo
anómalo en el arte español pero frecuente en otras tradiciones como la anglosajona,
utilizado por ilustradores como Aubrey Beardsley, una de sus primeras influencias.
Documental
Durante la exposición se proyectará un documental en el que diferentes profesionales,
junto con familiares y conocidos ofrecerán en primera persona su visión acerca de la
artista. Dirigido por Xurxo Lobato, cuenta con la participación de Xosé y Camilo Díaz,
Miguel Anxo Seixas, Carlos Castelao, Teresa Taboada, Miguelanxo Prado, Ana
Romero Masiá, Santiago del Hoyo, Felipe Senén y Rosario Sarmiento, e incluye
imágenes inéditas de Lolita Díaz Baliño pintando.
El catálogo
La exposición, junto con el trabajo de investigación llevado a cabo por Rosario
Sarmiento, se trasladarán a un catálogo que contará con textos de la propia comisaria
y del historiador Miguel Anxo Seixas, e incluirá además un extenso apartado
fotográfico.
Sobre la artista
Lolita Díaz Baliño nace en A Coruña en 1905 en el seno de una familia de creadores:
dos de sus hermanos, Indalecio y Ramiro, destacaron como escultor e ilustrador
respectivamente, y el mayor de ellos, Camilo, padre del artista, empresario e
intelectual Isaac Díaz Pardo, fue uno de los pintores más importantes de su
generación, cuya trayectoria se vería truncada al ser asesinado por los fascistas al
comienzo de la Guerra Civil.
El ambiente familiar, que estimula la creatividad de todos sus miembros, hace que
Lolita no sea capaz de recordar en qué momento comienza a realizar sus primeros
dibujos. Una de sus mayores influencias y principal apoyo será su hermano Camilo. El
estilo modernista de su obra, en la que están presentes corrientes como simbolismo y
el Art Déco, junto al acceso en la casa de sus padres al trabajo de ilustradores como el
ya citado Aubrey Beardsley, el norteamericano Will Bradley o el lucense Manuel
Bujados, entre otros, marcarán la estética inicial de los dibujos de la ilustradora, que a
mediados de la década de los veinte comienzan a publicarse en revistas como
Mariñana o Céltiga. En estas primeras obras ya se hacen evidentes las características
que definirán su estilo: las figuras son estilizadas y elegantes, de trazos sintéticos y
alargados, y en algunos casos, muestran una inclinación hacia el orientalismo muy en
boga en la ilustración de la época.
A lo largo de las décadas de los veinte y treinta del siglo pasado, las ilustraciones de
Lolita Díaz Baliño se multiplicarán en revistas como Galicia, Galicia Gráfica y en
periódicos como La Voz de Galicia, y protagonizarán carteles publicitarios de diversa
índole: fiestas populares, anuncios de sociedades recreativas, celebraciones oficiales,
etc. En 1926 participa por vez primera en una exposición colectiva, en la que también
estará presente la obra de artistas como Sotomayor, Castelao o Corredoyra, entre
otros. En esta época realiza su primera ilustración para la portada de un libro, Cantigas
e verbas ao ar del escritor y periodista Xulio Sigüenza, publicado por la editorial Nós de
Ánxel Casal.
En 1929, la Diputación de A Coruña le concede una beca para que realice estudios en
la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, pero se ve obligada a rechazarla
por motivos familiares. Ya en la década de los treinta, su obra se incluye en numerosas
exposiciones colectivas, y su trabajo como cartelista se multiplica. En 1934, impulsa la
creación de la Asociación de Artistas de A Coruña, y participa junto a otras
compañeras como Carmen Corredoyra o Elena Santiso en la exposición inaugural de la
agrupación, protagonizada en exclusiva por mujeres.
El 13 de febrero de 1938 ingresará como académica en la Real Academia de Bellas
Artes de Nuestra Señora del Rosario, convirtiéndose junto a la pintora Carmen
Corredoyra en las primeras mujeres en acceder a la institución.
Tras el final de la guerra, Lolita Díaz Baliño se centrará hasta su fallecimiento en su
actividad docente, ejerciendo como profesora en la Escuela de Artes y Oficios de A
Coruña, e impartiendo clases de pintura y dibujo en su estudio, situado en Puerta de
Aires, en plena Ciudad Vieja, un espacio en el que acogería a numerosas alumnas que
destacarían posteriormente como artistas, como María Antonia Dans, Gloria de Llano
o Elena Gago, entre otras, que años después reconocerían la impronta de la
ilustradora en sus respectivas trayectorias.
Sobre la comisaria
Rosario Sarmiento es licenciada en Geografía e Historia por la Universidad de
Santiago de Compostela. A lo largo de más de dos décadas, ha desarrollado su
actividad profesional como crítica de arte, docente, investigadora y gestora cultural.
Ha sido directora de la Colección de Arte de Caixa Galicia y Subdirectora de la
Fundación Caixa Galicia entre los años 1996 y 2012.
Ha sido miembro de diferentes jurados, e impartido numerosos cursos y seminarios,
así como comisariado exposiciones individuales y colectivas, como Carlos Sobrino
(1988), Vangardas e silencios (1988), Julia Minguillón. 30 años de pintura (1991-92), A
xeración doente (1993), Contravento e marea (1994), Isaac Díaz Pardo (2012), Do papel
ao aceiro. Esculturas de Manuel Patinha (2014), Tradición, cambio e innovación (2014),
Esculturas sentidas. Francisco Leiro (2015), Mulleres do silencio (2016), Atelier
Armenteira. Leopoldo Nóvoa (2017), Construindo con materiais. Elena Colmeiro 1958-
2016 (2019), Fina Mantiñán (2019), Nóvoa 1919-2019 (2020), etc.
En 2019 realiza el documental Arte+Muller+Galicia, con el que lleva a cabo una labor
docente y divulgativa a través de centros culturales y educativos. Su participación
como asesora en la exposición As miradas de Isaac (1920-2020), que celebra el
centenario del nacimiento del artista, es uno de sus trabajos más recientes.
www.rosariosarmiento.gal
Lolita Díaz Baliño. A realidade soñada estará en las salas de la Fundación Luis
Seoane hasta el próximo 19 de septiembre.
FECHAS Del 25 de marzo al 19 de septiembre de 2021
Exposición CASTELAO GRAFISTA (FACSÍMILE) en Ourense
Caricaturista, dibujante, ilustrador, columnista, escritor, pintor, escenógrafo, ensayista, historiador, etnógrafo, teórico, político. Alfonso Daniel Rodríguez Castelao (Rianxo, A Coruña, 1886 – Buenos Aires, 1950) constituye el foco de esta exposición que reúne una amplia selección de las múltiples facetas desarrolladas por él. La intención de este proyecto es divulgativo, mostrando la obra y el pensamiento de uno de los creadores gallegos más singulares en países de los cinco continentes. Disfruta de la exposición en Ourense hasta el mes de julio.
Miguel Fernández-Cid | COMISARIO
La muestra reúne 19 facsímiles de la Colección de Arte Afundación y 89 dibujos del álbum Cousas da vida de Castelao, de los que 49 pertenecen a la Colección de Arte ABANCA; también obras procedentes de otras instituciones, galerías y particulares. Así mismo, se podrá disfrutar de 3 retratos fotográficos, 4 caricaturas y 17 dibujos y portadas de revistas. Además, se podrá leer el texto original del álbum Nós y contemplar 2 manuscritos de Castelao, 18 portadas de las primeras ediciones de sus libros, 3 páginas interiores, 14 portadas de libros ilustradas por Castelao y 3 dibujos.
(...) Castelao realiza comentarios gráficos descriptivos de la realidad y costumbres gallegas, pero pronto su obra adquiere un tono de compromiso –ético,social,político– que nunca perderá, hasta convertirse en uno de los principales ideólogos del pensamiento nacionalista.Como figura central de la cultura contemporánea gallega y como auténtico impulsor de un proyecto nacional, propio y distintivo, no se es ecuánime ante Castelao, al que con frecuencia se le exige más que a nadie, esperando que esté siempre en la excelencia, en la frescura, en la sagacidad. (...) Fernández-Cid, Miguel, "Castelao grafista" en Castelao grafista, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando / Fundación MAPFRE / Fundación Gonzalo Torrente Ballester, Madrid, 2017.
Desde Afundación Obra Social ABANCA colaboramos con el proyecto expositivo sobre el insigne Castelao itinerando la muestra por nuestros diferentes espacios durante los dos próximos años.
Organizada por la Fundación Gonzalo Torrente Ballester, la Real Academia Galega de Belas Artes y Turismo de Galicia – Xunta de Galicia, la exposición Castelao grafista (facsímil) es el proyecto más ambicioso para dar a conocer y difundir la obra y el pensamiento de Castelao en los cinco continentes.
Este martes es el Día de los Museos: el mapa con actividades y exposiciones gratuitas
Mientras que el Reina Sofía no abre sus puertas este 18 de mayo, museos como el Prado, el Thyssen, el Cerralbo o el MACBA han organizado actividades especiales más allá de la jornada de puertas abiertas
Tras una edición frustrada por la pandemia del coronavirus SARS-CoV-2, los museos de medio mundo 'reabren' sus puertas en el Día Internacional de los Museos, que se celebra este martes 18 de mayo, para los visitantes que tradicionalmente aprovechan esta jornada para ver colecciones permanentes y temporales de forma gratuita, así como para aquellos que asisten de público a distintas actividades sin tener que desembolsar ni un euro. Aunque hay que reservar entrada con cierta antelación para conseguir un hueco y evitar con esta planificación colas excesivas o aglomeraciones, son muchos los eventos de las pinacotecas que se organizan este martes para atraer a los visitantes en una fecha en la que el número de personas que dedican tiempo a recorrer museos está al alza, de acuerdo con lo que informa Europa Press.
El Museo del Prado, por ejemplo, señala que ha duplicado en los últimos dos meses su cifra de visitantes respecto a principios de año, pasando de 38.510 'tours' en febrero a 61.591 en el pasado mes de abril; mientras que el Museo Reina Sofía, otro de los integrantes del conocido Triángulo del Arte madrileño, agrandó las 16.700 visitas que recibió en enero hasta contar con 31.000 en abril antes de la primera parte de la reordenación de su colección.
Desde 1977, el Consejo Internacional de Museos (ICOM, por sus siglas en inglés) organiza cada año el Día Internacional de los Museos para "sensibilizar al público sobre el papel de los museos en el desarrollo de la sociedad" y con el objetivo de fomentar "el intercambio cultural, el enriquecimiento de las culturas, el desarrollo de la comprensión mutua, la colaboración y la paz entre los pueblos", de acuerdo con lo que se explica en el sitio web de ICOM acerca de esta jornada gratuita de eventos culturales. En esta ocasión, se ha ideado para la edición el lema 'El futuro de los museos: recuperar y reimaginar', ya que los museos no han sido "una excepción" a los cambios que ha provocado la propagación del covid-19 y el sector cultural se encuentra "entre los más afectados, con graves repercusiones económicas, sociales y psicológicas a corto y largo plazo".
A pesar de este panorama, los organizadores del Día Internacional de los Museos señalan que la crisis "también ha servido de catalizador para innovaciones cruciales que ya estaban en marcha", por lo que se considera que en este momento "crucial" para las sociedades, "los museos deben asumir y liderar el cambio". Para este día, además de programación especial, los museos organizan una jornada de puertas abiertas con entrada gratuita en su horario habitual —la Noche Europea de los Museos, que habitualmente se compaginaba con este día, se traslada al sábado 3 de julio, según informa el Ministerio de Cultura y Deporte—, lo que da la oportunidad a los visitantes de poder ver, de tener tiempo, la colección permanente y las exposiciones temporales de las pinacotecas de forma gratuita. Algunas de las actividades que se han organizado en España y en otros países del mundo se pueden consultar en un mapa interactivo en el que el Consejo Internacional de los Museos ha recopilado parte de las exposiciones gratuitas que se desarrollarán en el Día internacional de los Museos:
En Madrid, por ejemplo, se señala la apertura gratuita que organizará el Museo Cerralbo —abierto de 9:30 a 15:00 horas y, de forma extraordinaria, de 17:00 a 20:00 horas—, donde se pueden conocer objetos coleccionistas que atesoró el marqués de Cerralbo Enrique de Aguilera y Gamboa. Como otras entidades, esta pinacoteca se ha adelantado al propio Día de los Museos con algunas actividades, aunque para este martes ha reservado la producción de un episodio colaborativo de su podcast Radio 19. Por su parte, el Museo Reina Sofía, al que se puede llegar en metro bajándose en Estación del Arte, ha ofrecido dos jornadas de acceso gratuito que concluían este lunes 17 de mayo, ya que la sede principal del museo no abre sus puertas los martes. No obstante, este martes se puede seguir 'online' la actividad 'Disentir y cuidar. Reinventando el museo' a las 17:30 horas.
En las instalaciones del Museo del Prado, que será el representante cultural de España en la campaña 'Museum Moment' que ha organizado la plataforma TikTok, tanto la colección permanente como las exposiciones se pueden visitar gratis en horario de 10:00 a 20:00 horas y, por las calles de Madrid, en "lugares inesperados, cercanos y sorprendentes", el museo ha instalado una veintena de réplicas "exactas" de sus colecciones con el propósito de "alterar" la rutina de los ciudadanos y "estimular su visita a los museos". Con el atractivo de la exposición temporal que arrancó en el mes de abril sobre la pintora estadounidense Georgia O'Keefe, el Museo Thyssen-Bornemisza ofrece por su parte un recorrido por su colección permanente, sus exposiciones temporales y montajes especiales, con dos encuentros 'online' organizados para este martes: 'Miradas diversas: recuperar y reimaginar' y 'El museo del futuro'. Además, los dieciséis museos nacionales estatales cuentan este martes con entrada gratuita y su programación al completo se puede consultar en la web del Ministerio de Cultura, dentro del apartado dedicado al Día de los Museos.
Para los ciudadanos residentes en Barcelona, el Museu d'Art Contemporani de Barcelona permite el acceso gratuito a todas las exposiciones en curso y organiza tres mesas redondas con motivo de la presentación del 'Manual' de la colección MACBA, explican desde el propio museo, que sí ha celebrado una particular Noche de los Museos este 15 de mayo. La jornada de puertas abiertas también la replica el Museu Nacional D'Art de Catalunya en horario de 10 a 20:00 horas.
En Andalucía, para quienes residan o se encuentren de viaje por Granada, la Alhambra se puede visitar en horario especial de 8:30 a 21:30 horas previa reserva por correo electrónico o por vía telefónica llamando al número 958027920 para poder participar en una visita guiada en horario de 10:00 a 18:00 horas. Tras ser restaurado, a partir de este martes 18 de mayo se expone el arrocabe nazarí recuperado de la Torre de las Damas, una tabla decorativa a modo de friso continuo tallado en madera que los hermanos del viajero Richard Ford entregaron el año pasado al Patronato de la Alhambra y Generalife, de acuerdo con lo que explican en la página web de la Alhambra. Asimismo, el Museo Carmen Thyssen, el Museo Picasso o el Centre Pompidou, todos ellos ubicados en Málaga, se acogen también a la jornada de puertas abiertas.
El Reina Sofía se rejuvenece: 12.000 m² y casi 1.400 obras inéditas para contar el presente
Una buena parte de la colección actual saldrá del museo, aunque, como ha afirmado el director, "el Guernica no se toca"
El mundo cambia sin parar. Lo hace a una velocidad vertiginosa que impide apreciar los detalles que impulsan esta metamorfosis. «Un museo no es un repositorio ni un almacén. Como institución, es casi una obligación moral dar herramientas a la gente para que entiendan dónde están » explica Manuel Borja-Villel, director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
El museo lava su cara con una remodelación total formada, por 2.000 obras -de las cuales un 70 % serán nuevas- en un espacio de 12.000 m². La reordenación del Reina Sofía se basa en uno de los conceptos de moda: la serie. Esta producción, cuya entrega final verá la luz en noviembre, constará de seis episodios. El primero de estos capítulos, Nos ven: de la modernidad al desarrollismo, ya se ha adueñado de la cuarta planta del edificio Sabatini.
La muestra aporta una perspectiva sobre la etapa comprendida desde el individualismo americano de los años 50 hasta el sujeto alienado de Luis Gordillo. La colección acabará en nuestros días, «llegará a incluir el reciente asalto al Capitolio», comenta Borja-Villel. Se exhibirán obras relacionadas con la hegemonía cultural americana; la exposición como arma de poder del franquismo: XXV años de paz y Spain is different; la respuesta utópica latinoamericana; el colonialismo español en los 50 y 60; la reivindicación feminista o la pervivencia de la cultura popular y Val del Omar. Una buena parte de la colección actual saldrá del museo, aunque como ha afirmado con rotundidad el director, «el Guernica no se toca».
La idea de utilizar el método serial no es otra que la de enriquecer la narración, «al fin y al cabo es lo que hacen los museos». Las obras son vitales para alimentar este relato, «más que explicarte algo lo preguntan. Eso es lo que las hace atractivas». El director señala al elemento «de método» para entender cómo se recibe el arte: «El arte moderno es indisociable de la exposición. En la Edad media las pinturas se hacían para las iglesias, en el siglo XVII para los palacios y a partir de la segunda mitad del siglo XIX el arte se hace para galerías o museos salvo algunas colecciones».
Durante los años que abarca esta primera parte de la colección, los movimientos dan lugar a «tensiones y guerras culturales» entre propuestas artísticas. «El mundo del arte ponía el foco en algo, mientras que al mismo tiempo se estaban haciendo otras cosas muy importantes que sólo después hemos sido capaces de ver», argumenta Borja-Villel. Con la composición que recoge la cuarta planta del edificio Sabatini, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía trata ideas «ineludibles» del período de la muestra, como «la historia de los que han vivido exiliados y no han tenido territorio, el feminismo, la ecología o la ‘decolorización’ de nuestra propia mirada para no observar las obras desde un punto de vista tradicional».
La nueva imagen del Reina Sofía
Manuel Borja-Villel ha asegurado en conversación con El Independiente que este proceso se inició «hará unos 10 años, pero la pandemia sirvió como catalizador».
El director se ha mostrado ilusionado con la evolución, la cual ha calificado de necesaria: «Nuestra sociedad ha cambiado durante los últimos 10-12 años. El mundo no es igual que antes de la crisis del 2008, del 15-M o de la pandemia. Respecto a los años 80 no tiene nada que ver. Los museos, aunque deberían, sobre todo uno de arte moderno, no cambian tanto. Las cosas que incluye o deja fuera un museo, en 10 años, han cambiado totalmente y eso es lo que reflejamos» zanja Borja-Villel.
‘Nos ven: de la modernidad al desarrollismo’
El inicio de la muestra incluyen autores como Max Aub, aunque con un papel secundario, «en el capítulo del exilio será central»- o la famosa Araña de Louise Bourgeois, además de apartados específicos como La crisis de la masculinidad o 1960. Nueva York expone a España.
Uno de los autores destacados por el director ha sido Rogelio López Cuenca con Y coloniales…, que contrapone de forma crítica ese ideal con la realidad de un colonialismo aún existente por entonces en la Guinea Española.
El artista malagueño utiliza con ironía diverso material de la época, que va desde un bote antiguo de Cola Cao o una fotografía del orangután Copito de Nieve, hasta historietas clásicas de El Guerrero del Antifaz, El Capitán Trueno, o noticiarios del NODO así como catálogos de exposiciones, fotos y libros del momento.
La mirada que aportará esta colección tendrá una identidad nacional, pero en relación con otros países. «El museo habla desde un lugar determinado, que es la historia de un país, pero no tiene límites nacionales. En este episodio se ve cómo llega la propaganda americana a España, el abrazo de Eisenhower con Franco o cómo eran vistos los artistas españoles en Estados Unidos», concluye el director.
Marina Abramovic, premio Princesa de Asturias de las Artes 2021
La artista Marina Abramović (Belgrado, Serbia, 1946) ha sido galardonada con el premio Princesa de Asturias de las Artes 2021. Según el acta del jurado, reunido telemáticamente debido a las restricciones sanitarias derivadas de la pandemia y presidido por Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, la obra de Abramović «es parte de la genealogía de la performance, con una componente sensorial y espiritual anteriormente no conocida».
A juicio del jurado, su trabajo, «cargado de una voluntad de permanente cambio, ha dotado a la experimentación y a la búsqueda de lenguajes originales de una esencia profundamente humana». El acta del galardón también destaca cómo «la valentía de Abramović en la entrega al arte absoluto y su adhesión a la vanguardia ofrecen experiencias conmovedoras, que reclaman una intensa vinculación del espectador y la convierten en una de las artistas más emocionantes de nuestro tiempo».
«La vida de un artista no es tarea fácil. Requiere sacrificio personal, plena dedicación y compromiso con su trabajo. El premio Princesa de Asturias es un gran honor y reconocimiento en este momento de mi vida y carrera. Me siento conmovida, honrada y orgullosa de haber recibido este prestigioso premio». Con estas palabras recibió Abramović la noticia del galardón, en Nueva York.
«Tengo 71 años, estoy en la última parte de mi vida, muy consciente de hacer esta transición. Creo que cuando mueres no vas a las tinieblas, sino a la luz. Lo que vamos a tratar de crear es una manera de hacerme desaparecer en la luz», afirmaba Abramović en su última entrevista en ABC.
La artista serbia es una de las mayores representantes del arte de la 'performance' en la actualidad. Nacida en Belgrado en 1946, sus creaciones no han estado exentas de polémica y hasta ha sido acusada de adorar a Satán (la última vez, el año pasado en Polonia con su exposición itinerante 'The Cleaner' ('El limpiador').
Una de sus obras más célebres fue 'The artist is present' (2010), en la que la artista permanecía sentada en una silla en el MoMA y esperaba que los asistentes se sentaran frente a ella y le miraran a los ojos. El momento en el que, supuestamente, por sorpresa se sentó el que fuera su compañero artístico y sentimental durante varios años, Frank Uwe Laysiepen. La emoción del reencuentro captada en vídeo volvió viral.
La artista y su obra cuentan con numerosos galardones, como el León de Oro, XLVII Bienal de Venecia, 1997; Niedersächsischer Kunstpreis, 2003; New York Dance and Performance Award (The Bessies), 2003; International Association of Art Critics, Best Show in a Commercial Gallery Award, 2003; Condecoración Austríaca de Ciencia y Arte (2008); Premio al Liderazgo Cultural, American Federation of Arts, 26 de octubre de 2011; Premio A La Excelencia ’13 de julio’; Oso Berlinés (2012), entre otros.
