EXPOSICIÓN EN IFEMA (MADRID)

 

Desafío Dalí’, la exposición inmersiva que llega a Madrid este otoño

Un recinto de 2.000 m2 en IFEMA acoge 160 obras del autor en formato digital hasta el 7 de marzo.

El 8 de octubre de 2022 abrió sus puertas la exposición del año: Desafío Dalí, que podrá verse en el Espacio 5.1. de IFEMA hasta el 7 de marzo de 2023, y que ofrece al visitante una inmersión personal en el universo Daliniano a través de un innovador modelo de producción expositiva, que integra lo mejor de las exposiciones tradicionales, las experiencias inmersivas y los contenidos educativos multimedia.

Una exposición desarrollada por ArtDidaktik bajo licencia de la Fundació Gala-Salvador Dalí, que nos propone un viaje a nuestro subconsciente, a un lugar nuevo en el que nos encontraremos con Dalí de forma única y exclusiva.

Desafío Dalí permite una inmersión personal en el universo daliniano a través de una experiencia didáctica altamente sofisticada y amena. Es un viaje sensorial y multimedia que envuelve al visitante y que se extiende más allá de la visita, en un nuevo concepto de experiencia artística único en el mundo.

 

Un viaje sensorial y envolvente con tecnología innovadora

La exposición, cuyas entradas están ya a la venta, apuesta por la multiplicidad de formatos, que permiten captar la atención, fijar la concentración del espectador y entrar plenamente en el laberinto daliniano a través de lienzos en cajas de luz, vinilos, pantallas, gafas 3D, realidad aumentada, realidad virtual o micromappings, todo ello con la guía de un audio-relato que conduce al visitante a lo largo de un recorrido realmente mágico. Gracias al empleo de estas tecnologías, Desafío Dalí es capaz de ofrecer un viaje sensorial y envolvente que nos transporta al espacio temporal y físico en el que vivió Dalí.

Esta nueva propuesta apela al espíritu del genio, llevando el concepto museográfico del pintor a un nuevo nivel que marcará una referencia sobre las posibilidades que ofrecen las exposiciones en el siglo XXI. Así, se busca dar continuidad y complementar la concepción del Teatro-Museo de Dalí que realizó el propio artista en Figueres, con la que el autor perseguía, precisamente, el mismo objetivo que la exposición Desafío Dalí: combatir la idea de espectador pasivo, apostando por interpelar y hacer partícipes a los visitantes en todo momento.

La “exposición imposible”

Desafío Dalí permite acceder en formato digital a un total de 160 obras del autor cuidadosamente seleccionadas por la propia Fundació Gala-Salvador Dalí, cuyos originales se encuentran repartidos en más de 20 museos y colecciones privadas alrededor del mundo. Así, Desafío Dalí constituye la exposición soñada y prácticamente imposible sobre el genio de Figueres, ya que es capaz de reunir en formato digital y en un mismo espacio, las obras más significativas de este autor.

Mediante la combinación de una escenografía altamente creativa y tecnologías innovadoras, multimedia y envolventes, el visitante de Desafío Dalí se sumergirá en los distintos elementos clave para entender el Universo Daliniano. Una travesía que va desde la figura de Gala hasta el surrealismo, pasando por el mundo de los sueños, para acabar con un espectacular viaje en realidad virtual por la geografía ampurdanesa, un paisaje que inspiró buena parte de las obras del artista.

Así, en la exposición, los visitantes entrarán en la mente de Dalí a través de las preguntas que inquietaban al genio y que lo llevaron a explorar el mundo artístico, pero también a abrirse al ámbito científico (desde la genética a la física cuántica).

Desafío Dalí llegó a Madrid el  8 de octubre y permanecerá hasta el 7 de marzo de 2023, y las entradas pueden adquirirse en www.desafiodali.com.

HASTA EL 7 DE MARZO

EXPOSICIÓN EN MARIN

Marín será un museo a cielo abierto para reivindicar el espacio de las mujeres en el arte

La exposición “Compartir é vivir” mostrará a partir del 26 de octubre las obras de 15 artistas de distintos países en los mupis del casco urbano, así como en el Museo Manuel Torres

Presentación de la muestra, ayer en el Concello

“Compartir é Vivir” es el título de una exposición colectiva de dimensiones inusuales que protagonizarán quince mujeres artistas procedentes de distintos países utilizando los cubos colocados en el casco urbano y también obras expuestas en el Museo Torres desde el 26 de octubre al 26 de noviembre

La muestra se asienta sobre las bases de “Reivindicar o papel das mulleres artistas no mundo da arte e visibilizar a loita contra a violencia de xénero e a necesidade do feminismo na sociedad actual mediante unha novidosa iniciativa artística que chegará a Marín para encher o espazo urbano de arte, perspectiva de xénero e modernidade”, según explicaron ayer en la presentación del evento en la que intervinieron las comisarias de dicha muestra, Celeste Garrido y Yolanda Herranz y las concejalas Itziar Álvarez y Marián Sanmartín para presentar la muestra que reúne a 14 mujeres y un hombre en la que se reivindica “O espazo feminino na arte”. Durante la presentación se explicó que “Parte das participantes son do Colectiva Portal de Igualdade, unha entidade que naceu co obxectivo de fomentar a igualdade real nas programacións museísticas, así como para promover unha maior representación das mulleres nas áreas de xestión artística e, entre os nomes das participantes, destaca a presenza das Guerrilla Girls, un colectivo anónimo de artistas que naceu en 1985 en Nova Iorque e que adaptou ás dimensións dos nosos mupis e ao castelán a súa peza máis emblemática: ¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en la MET?”, peza coa que irromperon no Museo Metropolitano da cidade naquel ano para denunciar que as únicas mulleres que estaban representadas no Museo eran as retratadas espidas por homes”.

Otras participantes

Ademais das Guerrilla Girls - anunciaron -participarán as seguintes artistas:

• Yolanda Herranz (España): Mujeres y Hombres
• Celeste Garrido Meiro (España): Parecen iguales, pero no lo son!
• Mau Monleón Pradas (España): #Portaldeigualdad
• Regina José Galindo (Guatemala): No Violarás
• Beth Moysés (Brasil): Serie Casa de Acogida (Jaén)
• Mar Caldas (España): O mundo patas arriba
• Bia Santos (Brasil): Hay que seguir
• Nela (Manola Roig Celda) (España): Y este cuento se acabó
• Alissia (Mª Penalva Leal) (España): I Love Performing, Cállate!
• Samuel Gallastegui (España): 70/30
• Elina Chauvet (México): El arte de desagradar
• Patricia Glauser (Colombia): Mis Meninas
• Lorena Wolfer (México): Diarias Global: Afuera
• Lilian Amaral (Brasil): No loita! Em luto!

Quince soportes expositores por el casco urbano

La exposición llegará a 15 mupis en el casco urbano señalizados a través de un mapa que se podrá consultar de modo online y también estará en el Museo Torres donde habrá una muestra fija de todas las obras juntas en un tríptico.

Un mes de exposición que inaugura su itinerancia nacional

Según indicaron ayer las comisarias de la exposición, “A inauguración da mostra, que será tamén no Museo Torres, será o 26 de outubro, cando se lerá o manifesto do Colectiva Portal de Igualdade, e estará exposta ata o 26 de novembro e este é o principio dunha serie de itinerancias e o proxecto Compartir é vivir viaxará a outras cidades de España ao longo do 2023 estando a próxima cita xa  concretada que será no Museo de Arte Contemporáneo de Villafamés MACVAC, en Castellón”.  

Itziar Álvarez destaca la importancia de que se a Marín el comienzo

La concejala Itziar Álvarez, comisaria del Museo Torres, destacó, por su parte “a enorme importancia que ten que en Marín poidamos desfrutar da exposición de obras de colectivos tan relevantes como as Guerrilla Girls ou como a artista Regina José Galindo, cuxa obra No Violarás é tamén recoñecida en todo mundo”, y añadió  “Con esta mostra queremos impulsar a arte con perspectiva de xénero na nosa vila e sumarnos á reinvidicación que se extrae de todas as obras: a necesaria igualdade entre homes e mulleres, a loita contra a violencia de xénero e a importancia de reivindicar o papel das mulleres nos espazos de xestión do mundo da arte”. 

PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFÍA 2022

 

Cristóbal Hara gana el Premio Nacional de Fotografía por su “lenguaje singular”

El jurado destaca del galardonado, referente del documentalismo español, una producción “en la que resuena la pintura, la literatura y la cultura popular”

El fotógrafo Cristóbal Hara ha bromeado en alguna ocasión sobre la edad a la que se deben otorgar los premios. “Si te los dan demasiado pronto es mala señal. Tienen que dártelos después de los 70″. Pues este martes, con 76 años, este madrileño ha sido galardonado con el Premio Nacional de Fotografía de 2022, que le ha pillado haciendo fotos en Mondoñedo (Lugo). El jurado ha reconocido en Hara, referente del documentalismo fotográfico, su “lenguaje singular”. La nota del Ministerio de Cultura, que concede el galardón, destaca “la influencia que su obra tiene en el imaginario fotográfico español, con una producción en la que resuena la pintura, la literatura y la cultura popular, donde se diluyen las fronteras que separan el documento de la ficción”. Poseedor de uno de los trabajos más personales de la fotografía española contemporánea, ha experimentado en los últimos años con nuevas formas de narración. “Muchos fotógrafos actuales se reivindican herederos de su trabajo”, ha añadido la nota del jurado del premio, dotado con 30.000 euros.

Hara, que pasó su infancia entre Filipinas, Estados Unidos y España, comenzó a dedicarse a la fotografía a finales de los sesenta en Londres, deslumbrado por la obra de Henri Cartier-Bresson. Antes había estudiado Derecho y Dirección de empresas en Madrid, Hamburgo y Múnich. Sobrino del pintor Fernando Zóbel, que le introdujo en la fotografía y le influyó de manera decisiva, residió en Londres entre 1971 y 1980, donde colaboró en la agencia John Hillelson y con la francesa Viva. Su trabajo se exhibió por primera vez en la exposición Three Photographers, organizada por el Victoria & Albert Museum, en 1974.

En 1980 se trasladó a España y trabajó para la agencia Cover. En esa década se suma a la corriente documental en la que estaban Cristina García Rodero, Koldo Chamorro, Ramón Zabalza o Fernando Herráez, entre otros. Todos ellos herederos de la tradición humanista y retratistas de la España que estaba cambiando aceleradamente. Hara, como los demás, veía que las fiestas y ritos del mundo rural se evaporaban y quería dejar testimonio de ello. Hoy sigue siendo un habitual en festejos en localidades como Mondoñedo, en la rapa de Sabucedo (Pontevedra) o en la romería de las Pascuillas en A Franqueira, en la misma provincia.

Quienes han visto fotografiar a este hombre parco en palabras —él mismo ha reconocido que tuvo mal carácter y fue arrogante durante años—, destacan la cantidad de horas que pasa en los pueblos a los que acude para observar sus celebraciones y tradicionales, y cómo hasta que no lo tiene claro, hasta que los elementos que él considera necesarios para la escena se dan, no dispara.

Sus inicios fueron en blanco y negro, pero no encontraba un lenguaje propio, lo que llevó incluso a plantearse dejar la fotografía. Sin embargo, a partir de 1985 comenzó a utilizar exclusivamente el color, fijándose en grandes maestros de la pintura, como Cézanne, Ribera o Goya, hasta que halló su lenguaje, “evolucionando hacia una dirección en la que se desdibujaba la frontera entre realidad y ficción”, señala la nota del ministerio. Como escribió de Hara el también fotógrafo Chema Conesa, “dio el paso de la imagen impecablemente compuesta a la imagen teóricamente incorrecta”. Es la búsqueda de la ruptura de la imagen.

En sus propias palabras, “lo más parecido a andar por la calle con una máquina de fotos es andar con un perro” porque el perro y la máquina ven en el mundo “de forma diferente a la tuya”, declaraba en una entrevista con motivo de su libro España color 1985-2020 de la editorial RM. “Una buena fotografía documental tiene que sorprender” y asombrar “primero al fotógrafo”, añadía.

Sus imágenes se han publicado en revistas especializadas como Aperture, Camera, Creative Camera, DU o Photovisión; y en España en los suplementos de EL PAÍS o La Vanguardia. Su obra se ha podido ver en exposiciones individuales en la Alice Austen House, de Nueva York, en 2005; el Canal de Isabel II (Madrid), en 2006; o el Huis Marseille Museum de Ámsterdam (2007). Hay piezas suyas en las colecciones de centros como el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Art Institute of Chicago, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Victoria & Albert de Londres. Entre sus libros, sobresalen los extraordinarios 4 cosas de España (1990), Lances de aldea (1992), Vanitas (1998) y Contranatura (2006).

Con el reconocimiento a Hara, desde que se instauró este premio, en 1994, han sido galardonados 21 hombres y ocho mujeres (si se incluye en esta lista a Bleda y Rosa, el dúo formado por María Bleda y José María Rosa, que lo ganó en 2008). El jurado, presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, ha tenido como vicepresidenta a Mercedes Roldán Sánchez, subdirectora general de Museos Estatales. Lo han integrado Pilar Aymerich Puig, premio Nacional de Fotografía 2021; Nicolás Combarro, artista visual, cineasta y comisario de exposiciones; Lee Douglas, investigadora y docente; Inés Plasencia Camps, investigadora, docente y gestora cultural; Rosalind Williams, comisaria de exposiciones y artista visual; Ramón Reverté, editor y director creativo de la editorial RM; Sandra Moratinos Maunac, comisaria de exposiciones; José Enrique Font de Mora, director de la Fundación Foto Colectania, y María Teresa Méndez Baiges, catedrática de Historia del Arte en la Universidad de Málaga.

GALERÍA ANSORENA (MADRID )

 

Fernando Manso, el artista que retrata el alma de las flores con su cámara de fuelle

Fernando Manso (Madrid, 1961) está de enhorabuena. Tras 8 meses de intenso y preciso trabajo, el artista de la cámara de fuelle, presenta su exposición ‘Aquilea’ en la Galería Ansorena de Madrid. En total, 17 fotografías de flores. «Es la primera vez que hago fotos a las flores y lo que quise en esta colección es captar el alma de la flores», cuenta en una entrevista con COOLthelifestyle. Una interpretación muy personal sobre las flores con la que el artista busca «sorprender» al espectador. Por algo dicen que es el fotógrafo que más vende en España.

«Me puse a pensar y decidí hacer una reflexión sobre el alma de las flores. Se trataba de escribir sobre el sentimiento de las flores. Contacté con la familia de floristas Barreiros para que me consiguieran determinadas flores. Y así empecé, a primeros de abril y hasta hoy. Son bodegones todos diferentes», recuerda. «Es una Aquilea by Fernando Manso. Es decir, una interpretación visual inédita» confiesa.

Bodegones creados con la valiosa ayuda de Aquilea Flores una empresa que nació en 2001, de la mano de Marta, Cristina y Maria Barreiros. Tres hermanas que dieron un giro a sus vidas, dejaron las finanzas y los despachos y montaron un taller de flores especializado en eventos, continuando la tradición familiar de su madre.

El artista crea  en esta exposición un universo singular concebido de forma muy personal en su imaginación. Por ejemplo, Manso se atreve en este trabajo a congelar flores para poder descubrir así qué pasa con ellas  y después retratarlas. «Es una producción muy bonita porque con la cámara de placas que yo uso y con película de negativo -como se hacía hace 150 años- tengo que llevar las fotos a revelar al laboratorio. Es un proceso carísimo, de hecho yo compro las placas en Nueva York, y ¡cada disparo son cien euros…! Además es un acto de fe. No veo el resultado final hasta que esté revelada la foto», confiesa Manso,  orgulloso de su manera de trabajar como artesano de la fotografía, su seña de identidad.

Busca la delicadeza del resultado final, y nunca usa el ordenador. No hay retoques. Y todo su trabajo está hecho a mano. Es un gran romántico y,  quizás, el fotógrafo más paciente del mundo. En una ocasión, recuerda que  tardó «tres años para conseguir fotografiar un bosque en Comillas».

Primera vez

«Es la primera vez que hago fotos de flores en mi vida. Estoy contento, sí. En febrero creé los conceptos, hice los bocetos de lo que tenía en mi cabeza y ahí empecé. Amo la pintura y el cine y eso se recoge en mi trabajo fotográfico», confiesa.

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EXPOSICIÓN ITINERANTE

 

La exposición itinerante de Manolo Paz llega al Paseo del Prado de Madrid

Tras ser mostrada durante el verano en el casco histórico de Santiago de Compostela, la exposición ‘La distancia que une’ llega a uno de los paseos más emblemáticos de Madrid. Un conjunto de ocho esculturas del artista gallego Manolo Paz se expondrán en el Paseo de Recoletos, la plaza de Cibeles y en el Paseo del Prado desde el 7 de octubre al 11 de diciembre. Una oportunidad para descubrir un poco más sobre las obras de este artista de Cambados.

De este modo, desde la plaza de Colón hasta la Estación del Arte, estas piezas ocuparán, durante lo que resta de otoño, espacios como la plaza del Ayuntamiento de Madrid o los jardines del Museo Thyssen-Bornemisza.

‘Horizonte’ estará ubicado en el Paseo de Recoletos; ‘Diálogo’, ‘Mariposa’ y ‘Mundo Cortado’, en la plaza de Cibeles; ‘Menhir’, ‘Capillas’ y ‘Transparencias’, en el Paseo del Prado; mientras que ‘Mundos de piedra’, estará frente al museo Thyssen y en su interior.

La exposición de Manolo Paz es un proyecto colaborativo entre la Junta de Galicia, la galería de arte madrileño Max Estrella y el Ayuntamiento de Madrid.

El concelleiro de Cultura de la Junta de Galicia ha señalado que el creador de Cambados «es uno de los grandes artistas gallegos contemporáneos y su capacidad para intervenir en espacios singulares como lo hace, haciendo que el arte dialogue con el territorio, tiene un gran mérito». Por su parte, el propio artista, indicaba a los medios que «no es una intervención fácil porque estamos en sitios que son patrimonio de la humanidad y por donde pasa mucha gente. Lo van a ver millones de personas y va a hablar de Galicia».

Asimismo, Manolo Paz explicó que el título de la exposición, ‘La distancia que une’, alude a la unión a través de la cultura, el Camino de Santiago y la lengua.

(OK DIARIO)

HASTA EL 11 DE DICIEMBRE

GALERÍA DE ARTE

 

Dupla, la nueva galería de Santiago donde Lucía vuelca toda su ilusión de ser puente entre el arte y la sociedad

Lucía Carballeda Suárez, en Dupla, que inauguró ayer su primera exposición, «Confabulaciones». La galerista considera que «el arte no va a desaparecer por muchas crisis que se avecinen y hacen falta esos nexos que vinculan al arte con la sociedad, tanto a nivel físico como virtual; aunque yo soy de la opinión de que la presencialidad es muy importante si se trata de arte». XOAN A. SOLER

Ella regresó a Galicia este año para montar aquí su proyecto más personal

Compostela cuenta con una nueva galería de arte, Dupla, emplazada en A Fonte de Santo Antonio. Detrás de este proyecto está Lucía Carballeda Suárez, una mujer inquieta y muy entusiasta, aficionada a la literatura y a la que le apasiona el arte, por lo que se ha propuesto ser puente entre los artistas y la sociedad. Esta estradense cuenta que ha pasado media vida en la capital gallega, en donde estudió Historia del Arte. Desde entonces, ha estado vinculada a fundaciones, museos y galerías, «excepto una pequeña etapa en la que hice el máster en edición periodística y trabajé en informativos, en V Televisión», matiza. Tiene, además, un máster en gestión cultural y explica que Dupla «no surge de la nada: tuve otra galería hace 5 años en Santiago, Federica No Era Tonta, en la rúa do Vilar. Y, después, estuve un par de años llevando la sede madrileña de Delimbo Gallery, donde representaba a los mejores artistas urbanos del mundo».

Este año regresó a Compostela para poner en marcha «mi proyecto más personal», su primera galería en solitario, aunque arropada por muchos artistas, amigos, familiares y contactos del sector; y con la experiencia acumulada en los últimos años, tanto en Delimbo como de la mano del Festival PhotoEspaña, La Fábrica, la fundación Juan March... «Tenía clarísimo que quería abrir Dupla en Santiago, porque es donde tengo mi casa... "Cuanto más tardes en volver, más te va a costar", me decía», recuerda la galerista.

¿Y de dónde salió el nombre de Dupla? Se inspira en la doble portada del bajo que ocupa (uno de los accesos fue reconvertido en escaparate) «y esa duplicidad o dualidad me llevó a mí a elaborar una programación en la que, salvo excepciones, va a haber un diálogo entre dos artistas, ya sea por analogía, contraposición o por cualquier otra cuestión. Además, una dupla en el ámbito deportivo se refiere a una pareja compenetrada, tiene una connotación de hacer equipo que me gustó, como también que sea una palabra en gallego», responde Lucía.

   

Para su estreno, eligió a dos viejos conocidos con los que ya había trabajado antes: el escultor Iván Prieto y la pintora Lara Pintos. La intención de la galerista, que además da clase de Museología y Montaje de Exposición, es que cada mes y medio haya una nueva exposición de arte contemporáneo y dar cabida a expresiones en todo tipo de soportes y técnicas. Y es importante para ella demostrar a la gente que el arte es «accesible para todo el mundo», por lo que «vamos a tener una horquilla amplia para que cualquiera pueda acercarse aquí a las obras de una forma cómoda».

 

FERIA DE ARTE

 

Estampa arranca en Madrid con las mejores galerías de nuestro país

Del 13 al 16 de octubre Madrid acoge Estampa, una feria de arte contemporáneo que se celebra en el otoño madrileño desde hace 29 años, y que este 2022 celebra su treintena. De hecho, se trata de una de las ferias más veteranas y consolidadas de la escena artística nacional. El programa general cuenta con la participación de las principales galerías de nuestro país, e incorpora aquellas más jóvenes que actualizan las transformaciones de nuestro mercado.

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TANIA BLANCO, SANDRA PAULA FERNÁNDEZ Y MÓNICA MAYS

 

Tres artistas jóvenes que rompen las normas en tres galerías de Madrid

Las esculturas de Tania Blanco, las palabras bordadas de Sandra Paula Fernández y los mantones de Mónica Mays subvierten la realidad para cuestionar, reivindicar y denunciar.

Varias de las piezas de Tania Blanco en la galería Formatocómodo

                                  

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MUSEO DE BELAS ARTES (A CORUÑA)

 

AFTER THE WHALE. Un diálogo con el museo. Manuel Vilariño

After the whale es el resultado de un ambicioso proyecto expositivo de Manuel Vilariño, en que el artista realiza una poética lectura sobre la vida y la muerte, dos de sus temas más recurrentes, con los que personifica seres y elementos de la naturaleza salvaje.

El Museo de Belas Artes da Coruña, como institución viva y dinámica y dentro de las conmemoraciones del centenario de su creación, asume el reto de mostrar, sin perder sus referencias históricas, aquellos discursos expositivos que nos permiten conocer e interpretar el pensamiento y los modos de acción del arte contemporáneo.

LA EXPOSICIÓN

A través de un intenso ejercicio de rememoración, las obras de Vilariño se presentan como "contrapunto" a las obras del Museo de Belas Artes, llevando a cabo una revisión de los géneros artísticos tradicionales como paisaje, retrato, desnudo y naturaleza muerta; incorporando en las salas del museo una selección de sus obras y creando un diálogo creativo entre ellas y las piezas de la colección permanente. 

Así mismo, el artista se interroga sobre la naturaleza de la fotografía y su presencia en un museo de bellas artes, revisando la hegemonía del arte occidental poniendo como contrapunto obras de arte oriental y africano, a través de música, escultura y poesía.

La intervención del museo inunda todos los espacios: tanto en las salas de exposiciones temporales como en las de la colección permanente, se pueden contemplar obras emblemáticas del artista, fotografías inéditas, haikús y poemas. En las salas de temporales, se presentan obras referenciales que aluden a la experiencia de la finitud; en el vestíbulo del Museo, se encuentran suspendidos un esqueleto de ballena y la reproducción de un cetáceo, junto con paisajes marinos y la pieza Paraíso Fragmentado, presentada en la Bienal de Venecia del año 2007.

En las salas de la Colección Permanente, fotografías, vitrinas con objetos y libros contextualizadores, esculturas, instalaciones y vídeos, tendrán el protagonismo en la articulación del espacio, destacando piezas como Seda de caballo o Satori.

Así, la exposición se compone de fotografías de gran formato, vídeos e instalaciones que suman un total de 51 piezas que dialogan con las obras expuestas en el museo. Algunas de ellas, de fuerte carga alegórica, tienen relación directa con el género de la naturaleza muerta; otras, se vinculan con otros géneros de la pintura como el paisaje o el retrato.

La muestra está comisariada por Fernando Castro Flórez, y se publicará un catálogo que recogerá el diálogo del Museo de Belas Artes con las obras del fotógrafo gallego, en el que se incluirán textos de Pedro Alberto Cruz y  Mieke Bal. 

EL ARTISTA

Manuel Vilariño nace en A Coruña en 1952. Artista visual y poeta, se inicia en la fotografía ya en los años 70 del pasado siglo XX. Su primera exposición tiene lugar en Ferrol, en 1983, comenzando su obra a despertar el interés del público y de la crítica.

En el año 2007, gana el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España, y participa en el Pabellón Español de la Bienal de Venecia con su pieza, Paraíso Fragmentado (1999-2003), que forma parte de la colección del Museo de Belas Artes da Coruña.

Entre sus exposiciones más recientes, destaca la que realizó en la Tabacalera de Madrid en 2013, y la antológica del CGAC, en el año 2015.

MÁS INFORMACION SOBRE EL ARTISTA

VISITAS GUIADAS

Paraíso fragmentado (Manuel Vilariño)

25 mayo - 13 noviembre de 2022

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Museo de Belas Artes da Coruña

CAC MÁLAGA

 

Angelika Markul

EL CAC MÁLAGA PRESENTA EN EL ESPACIO 5 MEMORY OF GLACIERS DE ANGELIKA MARKUL 

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta el trabajo videográfico Memory of Glaciers (2017) de la artista polaca Angelika Markul. El Espacio 5 del centro acogerá esta obra que puede visionarse hasta el 23 de octubre de 2022 y tiene casi once minutos de duración. Memory of Glaciers (2017) muestra diversos fragmentos como la grabación de un cometa y tomas aéreas de un glaciar además de inserciones de animaciones acompañadas de una música de fondo de Côme Aguiar. Su obra invita a reflexionar sobre la memoria, el ciclo de la vida, la destrucción de la naturaleza y el paso del tiempo.

Del 26 de julio al 23 de octubre de 2022

La práctica artística de Angelika Markul muestra interés por lugares desconocidos, abandonados o peligrosos. Sus trabajos escultóricos, instalaciones o videocreaciones combinan la ficción con la ciencia y la realidad, creando una narrativa que trata temas como la evolución del tiempo, la historia o la vida.

Memory of Glaciers (2017) muestra un mito creado por la artista sobre el origen, la evolución y los ciclos de vida de la humanidad. La pieza da comienzo con pequeños fragmentos en blanco y negro del cometa Churyumov-Gerasimenko dejando paso a una secuencia de vídeos aéreos de glaciares del sur de la Patagonia además de inserciones animadas acompañada por la música de Côme Aguiar.

El cambio climático y la memoria son los protagonistas en la obra de Markul mediante la observación del deterioro y la descomposición de los glaciares que hacen visible la historia de la tierra a través de una paleta cromática de tonalidades azules y marrones.

La obra Memory of Glaciers continúa un proceso de reflexión iniciado hace más de diez años en torno a cuestiones de memoria, cuerpos y lugares, destrucción y ciclo de la vida. Esta obra es la primera parte de una trilogía que Angelika Markul completó con los videos Bepicolombo y Marella en 2020.

Angelika Markul (Polonia, 1977) Actualmente vive y trabaja en París. Se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París (ENSBA), sección multimedia en el estudio de Christian Boltanski. Recibió el Premio Carbón 2016 que premia a un artista por su trabajo combinando arte y medio ambiente además del Sam Art Prize en 2013.

Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en Kunstverein Arnsberg, Arnsberg, Alemania (2021); Op enheim, Polonia o Centre international d’art et de paysage de l’île de Vassivière, Vassivière, Francia (ambas en 2020); If the hours were already counted, Centro de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina o Musée de la Chasse et de la Nature, París, Francia (ambas de 2018); What is lost is at the beginning, Musée CSW Zamek Ujazdowski, Varsovia, Polonia (2016); Terre de départ, Palais de Tokyo, París, Francia (2014) o Salon noir, MAC/VAL, Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, Vitry-sur-Seine, Francia (2010), entre otras.

Además también ha participado en numerosas bienales como From Matter to Data: Ecology of Infrastructures, Biennale d’Anglet, Anglet, Francia (2021); La mémoire des glaciers, Bienalsur, Buenos Aires, Argentina (2017); Busan Biennale, Busán, Corea del Sur (2014) o Focus Biennale de Łódź, Polonia (2010).

FUE UN HOMBRE. LAXEIRO EN AMÉRICA

 

EL LAXEIRO ARGENTINO EN EL MUSEO GAIÁS

'Foi un home' es una exposición dedicada al pintor que recoge su etapa en Buenos Aires, en la que alcanzó su madurez y su característico expresionismo cercano a lo abstracto

Cuadro que da nombre a la exposición MUSEO CENTRO GAIÁS

Durante este 2022, Galicia está rindiendo homenaje al pintor gallego más relevante del siglo XX, José Otero Abeledo,Laxeiro (Lalín 1908 – Vigo 1996), después de que la RealAcademia Gallega de Bellas Artes había decidido dedicar el Día de las Artes de este año al genial artista, uno de los padres de la vanguardia pictórica gallega. Con motivo del Año Laxeiro se organizó un amplio programa en el que la exposición Fue un hombre. Laxeiro en Ámerica (Buenos Aires, 1950-1970) figura como la propuesta protagonista.

El Gobierno gallego, a través de la Fundación Cidade da Cultura y en colaboración con el Ayuntamiento de Lalín, organiza esta muestra con el objetivo de difundir el legado de uno de los grandes renovadores de la pintura gallega dentro y fuera de Galicia. Así, además de en el Museo Ramón María Aller (Lalín), en la que fue inaugurada en abril en un formato más pequeño, también disfrutó de una estadía en la prestigiosa Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), una de las instituciones culturales más longevas de España, que acogió por promeira vez unah restrospectiva dedicada a Laxeiro. El Museo Centro Gaiás recibe ahora esta exposición centrada en la época argentina del artista, que continuará con su recorrido internacional viajando a París, donde quedará instalada en el Instituto Cervantes con el apoyo de la Embajada de España en Francia.

OBRAS DE LA ETAPA DE MADUREZ EN ARGENTINA

Comisariada por Carlos L. Bernárdez, historiador y crítico de arte, Fue un hombre. Laxeiro en América (Buenos - Aires, 1950 -1970) reúne cuarenta piezas procedentes de diversas instituciones como el Museo Municipal Ramón María Aller de lalín, el Museo de Pontevedra o Afundación, centradas en la época de madurez de este lalinense internacional que se instaló en Argentina durante veinte años, sumergiéndose en el ambiente intelectual de la capital porteña, foco de la emigración y el exilio gallego.

La muestra quiere desarrollar así un nuevo vistazo sobre la obra de Laxeiro. Y es que durante esa época el pintor mantiene una enorme fidelidad a los temas gallegos de su formación, pero va a sufrir una intensa evolución formal.

• Pinturas que siguen la pauta del Laxeiro más reconocible, entre las que destacan Músicos (1955), Centaura (1961) o El martirio del muñeco Ramón (1966)
• Pequeña reproducción de la muestra de arte gallego de 1951 en Buenos Aires, con obras de Laxeiro como Amanecer (1940-1950) y otros artistas como Luis Seoane con Ruinas de la guerra (1949) o Carlos Maside con Calles de Vigo (1948).
• Obras representativas de la evolución de su estilo durante el período argentino, entre las que hay que destacar El Mundo (1964), una pieza de gran formato escasamente exhibida en público, o Retrato (1960-1970).
• Piezas en las que se representa la descomposición de los rostros, algo muy recurrente en el período argentino en el que da la sensación de que Laxeiro pretende “expresar” más que “representar”. Encontramos en este apartado obras como Fue un hombre (1963), Jefe Azteca (1964) o El Espanto (1962)

SOBRE LAXEIRO

La figura de José Otero Abeledo, Laxeiro (Lalín, 1908-Vigo, 1996) se enmarca en la Vanguardia histórica gallega, en la que, a principios de los años treinta, un inquieto grupo de nuevos artistas e intelectuales, conocido como Los Renovadores, inició un proyecto de actualización estética.

En 1951 viaja a Buenos Aires para participar en la exposición titulada Artistas gallegos, organizada por su amigo Luís Seoane bajo encargo del Centro Gallego de Buenos Aires, en la Galería Velázquez. Desde entonces fija su residencia en la capital argentina hasta 1970. Allí, se incorpora al núcleo fundamental de la cultura gallega en América.

En 1970 regresa definitivamente a España y fallece en 1996 en Vigo, con 88 años.

HASTA EL 18 DE DICIEMBRE