Exposición PICASSO PROTAGONISTA. Viñetas no cómic español contemporáneo, en Pontevedra
O día 27 de setembro inauguramos no Café Moderno Afundación de Pontevedra a exposición PICASSO PROTAGONISTA. Viñetas no cómic español contemporáneo. Neste 2023 fanse 50 anos do falecemento de Picasso, e con este proxecto propio analizamos a pegada do grande artista a través de 40 importantes autorías de banda deseñada españolas e galegas que despregan a súa creatividade en máis de 170 pezas, en diferentes soportes e técnicas, e moitas delas concibidas ad hoc para a exposición.
Esta exposición enmárcase na iniciativa CULTURA POR ALIMENTOS, en colaboración con FESBAL, co fin de axudar os bancos de alimentos locais. Convidámoste a colaborares cunha doazón de alimentos non perecedoiros ao accederes á mostra.
«Picasso protagonista» propón unha reflexión coa que profundar no mito de Picasso e entender como se integra no imaxinario colectivo da cultura española do noso tempo. Con tal propósito, está representado o traballo de 40 recoñecidas autorías galegas e españolas, en cuxas viñetas e creacións de moi diversos soportes se percibe a pegada do gran Picasso. Convivindo coas clásicas historietas en papel, móstranse cómics en lenzo, obras en gran formato, cómics despregados no espazo, instalacións específicas ou xogos de mesa experimentais.
A EXPOSICIÓN
Paco Roca, Eneko, Ángel de la Calle, Javier Olivares, María Herreros, Tony Fernández Pons, Laura Pérez Vernetti, Idígoras e Pachi, e as creadoras e creadores galegos David Rubín, Jacobo Serrano, Cynthia Alonso ou Óscar Raña, son algunhas das prestixiosas autorías que compoñen este orixinal e inédito retrato sobre o pintor malagueño. Unha relación que acolle numerosos premios nacionais de cómic, distinguidos co Premio Nacional de Ilustración, gañadores e candidatos a premios Eisner, ilustradores de The New York Times, Cómics Disney, Angry birds ou El Jueves, entre outras importantes plataformas. En definitiva, nomes de referencia que permiten realizar unha análise rigorosa e innovadora sobre a figura de Pablo Picasso na creatividade do século XXI. O percorrido expositivo estrutúrase en varias seccións que mostran unha lectura do artista a través de distintos enfoques:
• «O mito de Picasso», que mostra a súa carreira como artista, a súa encarnación como mito da xenialidade e vangarda, ou a súa figura como icona pop do noso tempo.
• «Picasso e outr@s artistas», que aborda a súa relación con outros pintores coetáneos como Dalí, Miró ou Duchamp, achégase á figura de pintores anteriores a el, que admiraba e cuxas influencias se perciben nas súas propias creacións como El Greco, Velázquez e Goya, e presenta, finalmente, artistas posteriores ao malagueño e asociados a el nas obras dos historietistas, como Eugenio Merino ou o Nido de Elche.
• «A guerra civil española e Guernica», que trata o posicionamento de Pablo Picasso a favor da República durante o conflito bélico, e en especial a súa obra máis recoñecida, Guernica.
• «Grafismos e linguaxes» presenta os diversos estilos pictóricos que o artista crea ao longo de toda a súa carreira e, en especial, a súa participación na creación da linguaxe cubista.
• «Iconas picassianas e herdanzas gráficas» aproxímase á utilización por parte dos historietistas españois actuais de diversas iconas procedentes dos lenzos de Picasso e á influencia nas súas obras do estilo do xenio da vangarda.
• «Outra visión sobre Picasso» que mostra a diferente percepción do mito de Picasso fóra de España a través da mirada do importante historietista arxentino Liniers, autor da tira de prensa Cosas que, a lo mejor, le pasaron a Picasso.
INNOVACIÓN E INSTALACIÓNS ESPECIAIS
A exposición acolle distintas pezas realizadas especificamente para este proxecto como unha instalación de Gay Lorente, cunha ilustración de máis de 5 metros onde recrea o Guernica descomposto nos seus diferentes elementos, conseguindo unha peza sorprendente na que mergullarse. Tamén Pedro Cifuentes, gañador do Premio Nacional de Educación para o Desenvolvemento, achega un panel deseñado para esta mostra no que resume, con linguaxe de cómic e nunha soa escena, as máis importantes facetas vitais e artísticas de Picasso. A ilustradora María Herreros traballou nun espléndido lenzo de grandes dimensións a historia «Cuantos picassos se habrán perdido en niñas del extrarradio». Toni Fernández Pons, autor de varios cómics para Disney, realizou unha revisión do Picasso «Quatre femmes» da Colección ABANCA desde a mirada do grande estudio de animación. Manu Gutiérrez propón unha peza experimental que evoca un xogo de mesa, con estética e iconografía picassiana, composto por taboleiro, dados e pezas. Os galegos Óscar Raña e Cinthya Alonso abordan en clave expresionista e en linguaxe abstracta unha mirada moi persoal á iconografía picassiana, obtendo un díptico de gran forza expresiva; e Jacobo Fernández Serrano realizou, para esta mostra, unha espléndida peza en tres tempos, nos que a forza creativa do pintor malagueño atravesa o filtro do xenial ilustrador galego.
A innovación tecnolóxica está presente tamén na mostra coa actividade «Ti, protagonista», un módulo de computación neuronal aplicada ao mundo da arte. Este sistema de intelixencia artificial analizou as diferentes etapas de Picasso para converter o seu estilo, trazados e gama cromática nun algoritmo que pode transformar, en tempo real, a imaxe dos visitantes nunha obra de arte dixital, adaptada á etapa elixida: rosa, cubista ou clasicista. Unha actividade lúdica na que pode participar todo o público que visite a mostra.
La galería Musart abre temporada expositiva con la obra de Anxo Rodríguez Ramos
Dos de las obras de Anxo Rodríguez Ramos
La muestra "Siendo" del artista Anxo Rodríguez Ramos inaugurará este próximo lunes 18 de septiembre, a las 19:30 horas, la temporada expositiva de la galería Musart de Pontevedra.
Podrá visitarse hasta el 29 de septiembre en horario matinal, de 10:30 a 13:30 horas. El artista pintará en directo una obra en la inauguración.
Anxo Rodríguez Ramos, nacido en A Coruña, es un estudiante de la Facultad de Bellas Artes.
Se dedica sobre todo a la pintura y al dibujo aunque también hace pequeños proyectos en el ámbito musical, ya que tiene un grupo donde es el batería: Martes mal.
Su principal interés es la representación de la expresión humana, atendiendo al carácter puramente anatómico y su representación en las artes plásticas.
Por eso sus estampas pretenden reflejar ese estudio anatómico y de investigación que lleva realizando varios años.
Durante su formación ha experimentado con diversas técnicas, estilos y enfoques artísticos buscando siempre transmitir la expresividad y la riqueza emocional presentes en cada gesto facial, estilo que el público podrá ver en esta exposición.
Teresa Lanceta, Premio Nacional de Artes Plásticas: "No me dolería que me lo hubieran dado por ser mujer"
El jurado ha destacado que "premiar a Teresa Lanceta es reconocer a una generación de mujeres, a la técnica del tejer como un lenguaje".
Teresa Lanceta. A la derecha, vista de su última exposición en el MACBA Fotos: MACBA/Miquel Coll.
TERESA lANCETA ha sido galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas, correspondiente al año 2023, a propuesta del jurado reunido hoy. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 30.000 euros.
El jurado ha reconocido a Teresa Lanceta “por una práctica artística sostenida en el tiempo que rescata un lenguaje femenino, vernacular y colectivo”. Según ha destacado en la motivación, “premiar a Teresa Lanceta es reconocer a una generación de mujeres, a la técnica del tejer como un lenguaje, un código primigenio de la humanidad alejado de lo patriarcal mediante el cual ha entrado en contacto con las culturas de diversos colectivos como la población romaní, las tejedoras nómadas marroquíes o las vecinas del Raval”.
Además, añade que “Lanceta revisa la idea moderna de autoría dirigiendo su práctica hacia formatos colaborativos. Tradiciones artísticas y formas de vida con las que ha mantenido un diálogo a través de sus tapices, pinturas, dibujos y su teorización. Tanto su práctica como las preguntas que plantea gozan de una gran recepción entre los artistas de las generaciones posteriores”.
Ha sido el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, quien ha comunicado por teléfono la noticia a la ganadora. "Me he quedado sorprendida, no me lo esperaba. Me ha dado una alegría tremenda. Yo no soy muy favorable a los premios, pero el ser humano es así", confiesa la artista a El Cultural, que además se muestra humilde con respecto a su obra: "Últimamente mi trabajo ha tenido muy buena acogida, pero no tengo la impresión de que sea tan bueno ni importante. La vida es así, de pronto te pasa algo malo como algo muy bueno".
De hecho, la alegría de recibir el premio contrasta con su pesadumbre por la devastación del terremoto ocurrido en Marruecos. La artista dice sentirse "muy afectada" por un país en el que vivió de manera intermitente durante varios años, entre 1982 y 1990, al que ha regresado numerosas veces y al que está muy ligada su obra.
"En Marruecos hay una tradición textil popular muy viva, rica y variada. En España se ha ido perdiendo", explica Lanceta, que llama "compañeras" a las tejedoras nómadas marroquíes con las que ha desarrollado parte de su obra.
Lanceta empezó a tejer de manera casual: "Empecé como mucha gente, por afición, pero me atrapó por completo, descubrí que en la práctica de tejer había mucho que aprender y mucho que descubrir".
Desde que se instauró el Premio Nacional de Artes ásticas en 1980, se ha concedido a 67 artistas, de los quesolo 14 son mujeres. No obstante, desde 2011 se cumple la norma no escrita de concedérselo de manera alterna a un hombre y a una mujer. Una reparación paulatina que también se está dandoen las reales academias.
Sobre esto, Lanceta opina: "Las mujeres son premiadas y ocupan espacios en los museos sencillamente porque existen y están trabajando. En cuanto podamos sacarnos de encima esa cosa de que nos dan premios por ser mujeres, tendremos que pensar en otra cosa para reivindicar, porque siempre hay que reivindicar algo, ya que la lucha por la justicia es una lucha continua. No me dolería que me lo hubieran dado por ser mujer, si ese fuera el caso".
Teresa Lanceta (Barcelona, 1951) es licenciada en Historia por la Universidad de Barcelona y doctora en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido docente de la Escuela de Arquitectura de Alicantey de la Escola Massana de Barcelona.
Su trabajo artístico se centra desde los años setenta, en el uso del textil como forma de expresión, borrando el límite entre la artesanía y el arte. A su interés por la exploración formal se suman las cuestiones materiales y técnicas, así como las tradiciones y formas de vida asociadas al acto de tejer.
Por eso, su trabajo establece un diálogo, a través de tapices, pinturas, dibujos y teorías artísticas, con la cultura de distintas poblaciones que atesoran una relación directa con la tradición textil, como la población romaní o las tejedoras nómadas marroquíes.
Entre los temas de sus investigaciones artísticas se encuentra el trabajo del arte popular textil en Marruecos, la alfombra española del siglo XV y el trabajo de las mujeres en la industria tabaquera.
Teresa Lanceta en su estudio junto a sus tapices. Foto: Carol Diego
En 2022, el MACBA dedicó a Lanceta una exposición comisariada por Nuria Enguita y concebida como una autobiografía en la que la artista explica su manera de entender el arte y el tejido. Sus obras también han participado en exposiciones organizadas por otras instituciones nacionales e internacionales como e el IVAM, el MUSAC, la Academia de España en Roma, la 57.ª Bienale de Venecia, la 11.ª Bienal del Cairo, o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
El jurado, presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, y actuando como vicepresidenta, Mercedes Roldán Sánchez, subdirectora general de Museos Estatales, ha estado formado por Rogelio López Cuenca, Premio Nacional de Artes Plásticas 2022; María Jesús Martínez Pérez, directora del Institute Art Gender Nature, HGK, FHNW, Basel; Marta Rincón Areitio, gestora cultural; Javier González-Hontoria Berasategui, director del Museo Patio Herreriano; Soledad Gutiérrez Rodríguez, investigadora y comisaria de exposiciones; Agustín Pérez Rubio, comisario independiente; Aurora Fernández Polanco, catedrática de Teoría e Historia del Arte Contemporáneo, Universidad Complutense de Madrid y Nekane Aramburu Gil, a propuesta de Mujeres en las Artes Visuales, gestora cultural, museóloga y teórica.
La Fundación Barrié presenta en su sede de A Coruña el espacio destinado a la exposición permanente Francisco Llorens. De las 27 obras que conforman esta muestra, 25 forman parte del legado de 59 obras que Eva Llorens, hija mayor del pintor, donó a la Fundación en 1988. Antes de su exposición, todas las pinturas al óleo de la colección fueron restauradas por la Fundación.
Con este espacio, la Fundación Barrié reafirma su compromiso de dedicar una sala permanente en su sede de A Coruña a esta colección. Con la donación efectuada en 1988, y que procede en parte del legado familiar y en parte de obras adquiridas para complementarla, Eva Llorens hizo realidad su intención de dejar en Galicia una muestra muy representativa de la obra de su padre.
Francisco Llorens (A Coruña 1874-Madrid 1948), profesor, pintor y dibujante, está considerado como el primer paisajista gallego de la Historia del Arte. Formado en A Coruña y Madrid, alumno de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y discípulo de Sorolla, pensionado de la Academia Española de Roma y viajero por Europa, Llorens encontró en Galicia el entorno natural ideal para expresarse artísticamente. Relacionado con la intelectualidad galaica y figura señera del Rexurdimento, ha reflejado en su obra de los prados a las rías, de las costas marítimas a los interiores boscosos y de las calles y monumentos de sus ciudades históricas a las casas tradicionales y los jardines de los pazos de sus comarcas más hermosas.
El Centre del Carme de Valencia repasa su trayectoria
Tras resultar seleccionado en la convocatoria Trajectòries 2023-2025 del Consorci de Museus de la Comunidad Valenciana, una propuesta destinada a examinar la producción de los artistas vinculados a esa región, el proyecto “Dualidades del ser”, dedicado a Paloma Navares y comisariado por Margarita de Aizpuru, puede verse en el Centre del Carme hasta noviembre.
Navares, burgalesa residente en la localidad alicantina de Campello desde su infancia, presenta en esta ocasión una selección de trabajos representativos de su carrera, centrados en el ser humano y fundamentalmente en la mujer, en su representación y simbolización en el arte y en la problematización de sus vidas. Consta esta muestra de piezas visuales y sonoras agrupadas en ocho bloques temáticos: dominadas por la interrelación de imagen, sonido, espacio y luz, tienen en común transfondos a medio camino entre lo conceptual y lo emocional y la convivencia, en fondo y forma, de lo frágil y lo contundente, lo ligero y lo lleno de fuerza.
Nunca se ha abonado, esta autora, a lenguajes únicos: ha creado objetos, vídeos, instalaciones multimedia, fotografías, performances, piezas en medios digitales y sonoros, o basadas en nuevas tecnologías, en las que, muy a menudo desde enfoques abiertamente feministas, ha puesto sobre la mesa cuestiones candentes que atañen a la mujer, tanto en la dimensión privada como en la pública; esta es una de las dualidades a la que se refiere la exhibición, que también alude a su pasado y su futuro, a lo corporal y lo mental, la belleza y la violencia, desde una mirada en la que caben la poesía y la crítica.
Paloma Navares. Dualidades del ser. Centre del Carme, Valencia, 2023
Paloma Navares. Dualidades del ser. Centre del Carme, Valencia, 2023
En algunos de estos trabajos revisa la presencia de la figura de Eva como motivo iconográfico a lo largo de la historia del arte, incidiendo en el peso que sus representaciones han tenido en la configuración social de la imagen femenina y en cómo han reflejado la invisibilización de la mujer; esas pinturas que todos tenemos en mente las manipula y trocea, las envuelve en fundas transparentes o las dota de corazón para llamar nuestra atención sobre su recurrente objetualización para placer de voyeuristas.
Este asunto comenzó a interesar a Navares hace aproximadamente tres décadas, cuando Estrella de Diego dedicó su tesis doctoral a La mujer y la pintura en el siglo XIXespañol. Desde entonces (1987), Eva ha estado muy presente en la obra de esta artista, que ha abundado en la crítica a su cosificación, algunas veces tomando como punto de partida representaciones de mujeres clásicas de colecciones nacionales e internacionales.
Paloma Navares. Dualidades del ser. Centre del Carme, Valencia, 2023
Otro aspecto esencial a tener en cuenta al revisar su andadura, al margen del mestizaje de técnicas y la atención a la mujer, es el tratamiento de la luz con connotaciones simbólicas, en un sentido tanto cultural como emocional, sobre todo, aunque no solo, en sus instalaciones. Guarda relación con su inquietud por los ojos, que le ha conducido a plantear distintas teorías sobre la visualidad: una amenaza de ceguera le hizo someterse a varias intervenciones quirúrgicas y a largos periodos de reposo, y de aquella experiencia surgieron un buen número de ideas sobre la memoria y el sueño (sobre lo que vemos con los ojos cerrados), y sobre las partes del cuerpo cuando no se entiende este como un todo.
En la década pasada, comenzó a introducir Navares en su producción nuevos materiales y formatos, como el vidrio o las pantallas suspendidas, también a desarrollar un fructífero interés por la vertiente plástica de la escritura y las grafías. Esos intereses, junto a una tendencia hacia lo literario o autobiográfico, explican sus fotografías dedicadas al mar, sus contraposiciones entre el agua y la sequedad, la tierra.
Otras veces pinta y escribe en los cantos, también para homenajear sensibilidades, como las de los poetas que se suicidaron; y de soledades y trasiegos mentales insanos hablan varias de sus videoinstalaciones de atmósfera onírica o tenebrosa.
Paloma Navares. Dualidades del ser. Centre del Carme, Valencia, 2023
Paloma Navares. Dualidades del ser. Centre del Carme, Valencia, 2023
Es tan importante las obras de arte como el espacio en el que se exhiben. En las galerías de arte la aleatoriedad está prohibida, pues existe un estudio previo con el que conseguir un diálogo entre la obra y el visitante. Asimismo, el diseño de interiores suele ser neutro y minimalista con el fin de no desviar la atención de las piezas expuestas, muestra de ello son las galerías que este año han abierto sus puertas en Madrid como Opera Gallery o Albarrán Bourdais. Sin embargo, hay algunas galerías que son en sí mismas una obra maestras, pues han sido concebidas para completar el arte que descansa entre sus paredes. Descubrimos algunas de estas galerías.
IK Lab, en México
Esta galería de arte se encuentra en medio de la jungla maya, en Tulum. Su interior es el reflejo de su entorno, así es como fue concebido por Jorge Eduardo Neira Sterkel, más conocido como Roth, cuyas creaciones se caracterizan por seguir la geometría natural.
En IK Lab redefine de manera extrema la relación entre el arte y la quintaesencia de la frondosa naturaleza de la península de Yucatán. A la galería se accede a través de una pasarela y se eleva hasta alcanzar la altura de las copas de sus árboles que se encuentran a su alrededor. El interior se caracteriza por paredes ondulantes de cemento recubiertas de enredaderas y madera.
Responsables de la galería señalan que «IK Lab es más que una galería, pues aspira a ofrecer un espacio a aquellos artistas que deseen interactuar con la visionaria de la galería y explorar nuevas formas de creación».
ToaCang Art Center, China
En un terreno pantanoso a las afueras de Shangái, se encuentra esta galería de arte concebida por el estudio Roarc Renew que años atrás, en la década de los años 50, funcionó como granero. El objetivo fue conservar la memoria de este edificio de manera arquitectónica.
Uno de los hórreos conserva su estructura original y se utiliza como espacio expositivo. El suelo está decorado como si fuera un lago en el que descansan gigantes de flores de loto, como si fuera una continuación del algo que se encuentra en el exterior.
Las obras de arte de Anni Laukka que nos hacen reflexionar a través de las sombras
JAVI FERNÁNDEZ
La actualización del arte supone una recreación que puede llegar a despertar sentimientos y tiene la capacidad de hacer reflexionar al ser humano a través de formas abstractas y trabajadas. Nada tiene que ver con el arte clásico, que plasmaba historias sobre un lienzo y el análisis de los detalles nos hacía observar la historia que hay detrás de la pintura. En la actualidad, la conceptualización artística se ha convertido en una crítica social, sobre la cual tenemos que estudiar y reflexionar, asumiendo esa crítica generalizada sobre lo que es la sociedad. Muchos artistas lo definen a través de obras explícitas, pero otros juegan con deshechos que no nos imaginaríamos y crean sombras sobre paredes limpias, recreando formas exactas de situaciones cotidianas concretas. Una artista finlandesa destaca sobre esta representación y se llama Anni Laukka, una creadora abstracta cuyas luces y sombras son aclamadas en medio planeta.
Cuando te encuentras con una obra de Laukka, no provoca otra cosa que pararte para analizar los detalles. Es increíble como crea las composiciones, puesto que comienza a través de un esqueleto externo, que representa una sombra perfecta, emulando figuras que representan una cotidianidad. Un tipo de arte conectado con la sombra de nuestro ser, que desarrolla una obra visual que analiza nuestra persona en cuanto al campo digital se refiere. Parte de su obra se reproduce en el interior de espacios, creando una perspectiva personal sobre nuestro interior, mientras que otras de sus obras, se reproducen a través de un espacio abierto.
Cinco cuadros de Braque, el pintor de brocha gorda que creó el cubismo, enfadó a Picasso y negó el comunismo
Se cumplen 60 años de la muerte del cofundador del movimiento vanguardista, junto al malagueño, cuya amistad se enfrió por la envidia de este
Georges Braque en 1908 y su obra 'Los Pájaros' (1953), expuesta en uno de los techos del Louvre
A Braque le educaron como aprendiz de su padre en la decoración y en la pintura, pero de brocha gorda. El arte se soñaba en la carrera del pequeño Georges (su padre era pintor de cuadros aficionado), que copiaba las ilustraciones de la revista Gil Blas, donde publicaba sus cuentos Maupassant, y estudió en la Escuela Superior de Arte en Le Havre. Trabajó con su padre en el oficio familiar, pero fue imposiblemantenerle, o contenerle.
'L'Estaque' (1906)
A principios del XX, con apenas 20 años, ya había olvidado los colores de las paredes por los lienzos impresionistas. La amistad con Picasso (fue el único que aprobó la modernidad de Las Señoritas de Avignon) y el conocimiento de su trabajo impulsó a ambos al desarrollo de una nueva corriente basada en las formas geométricas, el cubismo, sumiendo a ambos en una exploración artística que, en el caso de Braque, detuvo la Gran Guerra.
'Instrumentos musicales' (1907)
En la contienda fue herido de gravedad y se quedó ciego temporalmente. Pasó dos años sin poder pintar y, cuando sus ojos volvieron a tener luz, su visión del mundo y del arte habían cambiado. También su amistad con Picasso se había resentido, mayormente por los celos del español ante el inesperado reconocimiento del francés en el Salón de Otoño de 1922, a pesar de lo cual Braque siempre expresó su aprecio por el viejo amigo del Bateau Lavoir: «Busco concentración alrededor del fuego. Lo devuelvo todo al fuego. Mi espacio se llena. Picasso la difunde y la hace brillar a partir del fuego. Proyecto, y muy lejos. Digamos, él se despliega a partir de un centro, yo me coloco alrededor de un centro".
'Anémonas' (1924)
Así definió su lejanía artística con Picasso, en las palabras sobre el arte que siempre usó con maestría. Después se dedicó a las naturalezas muertas y posteriormente a los paisajes, ya al final de una vida en la que constantemente abandonó sus obras durante décadas, terminadas finalmente como una única mezcla de estilos. Antes del cubismo y después del impresionismo inicial, Braque se interesó por el fauvismo, inspirado por Matisse. Colores fuertes y puros que antecedieron al aplastamiento de la perspectiva en la que desembocó el cubismo: adiós a los colores y hola a las formas. El collage fue una de sus innovaciones antes del parón bélico, que tuvo una repetición en la II Guerra Mundial, tiempo en que Braque permaneció en París y en activo a pesar de la ocupación nazi.
'El Mantel Rosa' (1938)
El realismo amaneció después del sufrimiento y los efectos de la guerra que propiciaron las naturalezas muertas y una evolución en la que Cezánne, más que Picasso (el hombre que solía presentar a sus ex amantes a sus amigos solteros, entre ellos a Braque a la que fue su mujer, lo que también despechó de algún modo al malagueño), al final tuvo una influencia inmortal que culminó en la inmortalidad en vida, al ser expuesta su obra en el Louvre (un enorme fresco, Los Pájaros, decora uno de los techos del antiguo palacio real desde 1953) en 1961, dos años antes de su muerte en la cúspide de su éxito y de su fama.
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