miércoles, 22 de febrero de 2023

DALÍ

 

El Dalí más grande y el Dalí más pequeño cara a cara en Madrid


Del 22 al 26 de febrero se celebra en Madrid el Salón de Arte Moderno. Entre las obras de la muestra destacan dos piezas de Dalí con formatos peculiares.


El Salón de Arte Moderno, del 22 al 26 de febrero en la Fundación Carlos de Amberes en Madrid, celebra este año una edición muy especial en la que convivirán obras modernas con piezas contemporáneas, estableciendo un diálogo entre ambos. "En esta sexta edición, seguimos enfocados en ofrecer a los visitantes una experiencia cercana y exclusiva con el arte moderno como protagonista. Como novedad, este año SAM se acercará al arte contemporáneo gracias a obras de artistas como Matías Krahn, Aldo Chaparro, Mario Pávez", afirma Jorge Alcolea, director de SAM con más de 30 años de trayectoria en el mundo del coleccionismo.

Algunas de las piezas que podemos ver en SAM tienen un carácter excepcional, como dos obras de Dalí, una de gran formato y otra pequeña, que se presentan por primera vez en España. "Curiosamente presentamos dos versiones de Dalí totalmente diferentes, pero ambas con la identidad y el sello del artista", matiza Jorge Alcolea. Así, podremos ver por primera vez la pieza "Mauvaise Année", una pintura de pequeño formato que representa algunos de los elementos más característicos del pintor. Esta contrasta con otra de las obras, también de Dalí, que es muy llamativa debido a su gran tamaño, una escenografía de diez metros de altura. 

Hasta 15 galerías participan en esta edición con obras únicas que convivirán con espacios monográficos que surgen con la idea de homenajear a figuras icónicas de la historia del arte, como el pintor, escultor y grabador Rafael Canogar, el escultor Jaume Plensa o el ilustrador Fernando Vicente. Entre las galerías participantes encontramos espacios de renombre como Galería Pilares, Astarloa, Galería Helarea, Galería Beatriz Bálgoma, Gothsland Galeria d´Art, ART LAB, Casa Zóbel, Salazar y Bermúdez, Galería Jorge Alcolea y Sala Nonell. En total, más de 300 obras de artistas de grandes maestros de las vanguardias y el arte moderno forman parte de esta edición de SAM. Nombres como Andy Wharhol, Alexander Calder, Luis Feito, Antoni Tàpies, Marta Fàbregas o Los Bravú, entre otros muchos, participarán de esta edición.



Mauvaise Année (1937), Salvador Dalí

Esta obra de pequeño formato que se presenta por primera vez en España, fue realizada por el artista catalán en la década de los años 30, con una referencia clara a la pintura “Los placeres iluminados” realizada en el año 1929 y expuesta en el MoMa en Nueva York. En la esquina superior derecha aparece el mismo motivo reflejado en Mauvaise Année, muy posiblemente realizaría esta obra con la intención de que fuera un readymade. La obra se adscribe dentro del movimiento surrealista, siendo una de las aportaciones más importantes de Dalí en éste la creación del método paranoico crítico: búsqueda de opuestos que se complementan de manera espontánea e irracional.

En ella encontramos muchos de los motivos característicos del artista. La cabeza de un león se equipará a varios significados centrados en deseos salvajes y terroríficos, donde sus fauces abiertas simbolizan el sexo de la mujer con el consiguiente miedo a ser devorado. Dalí lo relaciona con el terror a causa de la imagen que tenía de este animal sobre su cama y que le aterrorizaba día y noche. Los dientes, según Freud, se trata de un símbolo sexual. La obra se presentó en la Sidney Janis Gallery. 

SARA BARRAGÁN DEL REY

ARCO 2023

 

Todo sobre ARCO 2023: la feria de arte contemporáneo más prestigiosa de España, con la vista puesta en el Mediterráneo




Todo sobre ARCO 2023. ‘El Mediterráneo: Un Mar Redondo’, ese es el nombre elegido esta vez para la feria de arte contemporáneo por excelencia, y la más prestigiosa de España, que comienza el día 22 y dura hasta el 26 de febrero, en el recinto ferial de IFEMA en Madrid.



ARCO vuelve y celebra su 42ª edición mirando al mar. Un programa comisariado por Marina Fokidis, y con la asesoría de Bouchra Khalili, Hila Peleg y Pedro G. Romero, que girará en torno a las escenas artísticas de los países que rodean este mar, desde el sur al norte y de costa a costa.


En total, 211 galerías

ARCOmadrid 2023 mantendrá sus habituales programas: el Programa General como el eje principal de la Feria, formado por galerías seleccionadas por el Comité Organizador.



Y habrá las secciones ‘Opening by Allianz’, comisariada por Julia Morandeira y Yina Jiménez, donde se presentan galerías jóvenes y ‘Nunca lo Mismo. Arte Latinoamericano’, comisariada por Mariano Mayer y Manuela Moscoso, sección que refuerza lazos entre ARCOmadrid y el arte Latinoamericano.



Un total de 211 galerías de 36 países, participan en la feria del 22 al 26 de febrero, de las cuales 170 integran el Programa General



«El Arte contemporáneo está en un momento interesante y en constante evolución. Haciéndose preguntas, mutándose, está en un momento interesante, en un mundo bien complejo», explica a COOL, Maribel López, la directora



«Hay mucho interés. Tenemos contenidos de gran calidad. Nos hemos dado cuenta del valor de la cultura para hacernos sentir mejor. Esto después del encierro en casa de los últimos años… Y lo estamos recibiendo».


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NUEVA GALERÍA EN MADRID

 

Hablamos con Belén Herrera, la directora de Opera Gallery, la nueva galería que llega a Madrid




Abrirá sus puertas en la calle Serrano esta primavera. La galería internacional Opera Gallery ha elegido la ciudad de Madrid para inaugurar su nuevo espacio, que constituirá su decimoquinta sede en el mundo. El impresionante local -situado en el número 56 de la calle Serrano- contará con tres plantas que reúnen cerca de 1.000 metros cuadrados expositivos reformados por los valencianos Hernández Arquitectos y una imponente escalera de 8,5 metros de altura. 




Para su apertura, prevista para primavera de 2023, se inaugurará una gran exposición colectiva con grandes maestros del siglo XX como Picasso, Chagall, Dubuffet, Léger y Soulages y artistas contemporáneos de la talla de Botero, Lita Cabelut y Valdés. Se abre así un programa dinámico que traerá a la escena artística de la capital a destacados nombres nacionales e internacionales.

Obra de Lita Cabellut./Foto: Opera Gallery


«Madrid es una capital que es un crisol de culturas y  la pregunta sería ¿por qué no en Madrid? Hay un mercado fabuloso de grandes artistas y coleccionistas en nuestro país, y una gran pasión y tradición por el arte «, cuenta Belén Herrera Ottino, la directora, a COOL.

Obra de Manolo Valdés./ Foto: Opera Gallery

«Va a ser un espacio magnífico y funcional, dirigido a poder contemplar con facilidad las obras expuestas. La altura de la planta baja es de cuatro metros y medio. Y la planta alta, de tres y medio. La escalera de caracol helicoidal -que es un icono- tiene 8,5  metros de altura. La neutralidad, el color blanco, va a predominar en el espacio. Como un toque de distinción», dice Belén con entusiasmo en la cuenta atrás para la apertura de la galería.

Foto: Opera Gallery de Botero

Sobre la galería

Keith Haring./ Foto: Opera Gallery

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miércoles, 15 de febrero de 2023

IMAGINE PICASSO

 

La exposición inmersiva de Picasso que te hará ver su obra con otros ojos



Por el 50 aniversario de la muerte de Picasso, son muchas la actividades y exposiciones que se han programado para este 2023. Y para arrancar el año honrando a uno de los artistas más aclamados dentro y fuera de nuestras fronteras, hemos visitado ‘Imagine Picasso’, en el Recinto Ferial de IFEMA, en Madrid. Esta nueva exposición sobre Picasso se trata de una experiencia artística concebida por la reputada pionera del arte inmersivo Annabelle Mauger y Rudy Ricciott, Gran Premio Nacional de Arquitectura en Francia. La obra del pintor malagueño es proyectada en enormes origamis con la finalidad de escudriñar y contemplar sosegadamente la pintura del gran maestro del Arte Moderno.


En la foto superior se ve a Pablo Picasso frente a ‘La cuisine’, obra que se puede contemplar en la exposición ‘Imagine Picasso’ a gran escala.


La comisaria especializada en la obra de Picasso explica que el objetivo de ‘Imagine Picasso’ es «dar paso a la emoción, el sueño y la contemplación para todos, hasta para los más jóvenes».

Piezas de papiroflexia inspiradas en las que hacía Picasso a sus hijos

Los responsables de la exhibición, Annabelle Mauger y Rudy Ricciott, han creado una maravillosa escenografía inspirada en la «ternura con la que Picasso retrataba la infancia». Las imágenes se proyectan en gigantes piezas de papiroflexia que alcanzan hasta los 10 metros de altura, inspiradas en las que el artista hacía a sus hijos cuando eran pequeños. «Pedagógica en el fondo y emotiva en la forma, esta exposición es una manera de contemplar el arte con nuevos ojos», señala la comisaria.



A oscuras, solo con la luz que proyectan las imágenes, se exhiben más de 200 obras del pintor malagueño en 1.400 m2. Ni qué decir, que perderse en este lugar es un placer visual y auditivo, pues la proyección se acompaña de obras musicales de Satie y Ravel. 



Desde la etapa azul al surrealismo

La prolífica creación de Picasso reunidas en una sola exposición a gran escala, es como si contemplaras uno de sus cuadros con lupa, deteniéndote en cada detalle y cada pincelada. Obras de su etapa azul y rosa, y también las más reconocidas vinculadas al surrealismo y al cubismo.


El cubismo de Picasso es considerado la primera rama vanguardista, ya que rompe con el último eslabón renacentista vigente de principios del s. XX: La perspectiva.




Picasso acaba con las perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas. El artista lideró este movimiento con George Braque.



‘Les Demoiselles de Avignon’ pertenece al cubismo y para ello el pintor recurrió a diversas influencias, desde el antiguo arte de la Península Ibérica hasta el africano.



El periodo rosa de Picasso es considerado la segunda gran etapa del artista, que comprende entre 1904 y 1907. Las obras destacan por la calidez de los colores y el tema recurrente al circo.


La etapa azul transcurre entre 1901 y 1904, el nombre hace referencia al color que domina la gama cromática de sus pinturas.


OK DIARIO (COOL )

DESDE VENEZUELA

 

Jesús Rafael Soto, el pintor venezolano más internacional, llega a la madrileña galería Elvira González




La Galería Elvira González  desde el 18 de enero presenta la exposición dedicada a Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, 1923 – París 2005), el artista venezolano más internacional y pionero del arte cinético y pop-art. La exposición reúne catorce obras realizadas entre 1958 y 2004. Esta selección nos invita a recorrer algunas de las piezas representativas de sus emblemáticas series, obras que reafirman el concepto de obra abierta del que nos habla Umberto Eco; una metáfora de una nueva visión del mundo donde la realidad es sentida como inestable, ambigua y en perpetua mutación.





Isabel Mignoni, comisaria de la exposición, explica a COOL que «Jesús R. Soto es un artista total, que abarca todas las disciplinas dentro de las artes plásticas. Al ser su obra tridimensional, no hay límite entre la escultura, la pintura y la instalación. Además, concibió su obra en una escala extraordinaria, donde superponiendo planos, muchas veces en suspensión, abandona el concepto bidimensional de la pintura tradicional para situarse en otro plano donde además introduce el movimiento».

Arte cinético

Pintor y escultor venezolano, figurativo en sus comienzos, rápidamente aprende del cubismo, la abstracción geométrica y del constructivismo ruso, convirtiéndose posteriormente en uno de los máximos exponentes del arte cinético. «La obra de Soto es una renovación y una revolución de las artes plásticas. Su concepto de color, geometría, movimiento, tridimensionalidad, minimalismo, y arte óptico hacen de él una figura fundamental en el arte del siglo XX», comenta la galerista.


Estudiante de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, en sus primeras obras se evidencia la influencia de Paul Cézanne, evolucionando hacia la abstracción geométrica tras entrar en contacto con Malévich y Mondrian. A partir de 1953 realiza sus primeros trabajos cinéticos y ya en 1967 sus primeros Penetrables, obras entonces compuestas de varillas de metal o de filamentos de nailon suspendidos en el espacio. Con ello consigue uno de sus mayores logros: convertir al espectador en un sujeto activo al crear espacios donde éste puede penetrar, desplazarse e interactuar con la obra permitiendo la visualización de la luz y el movimiento, principales motivaciones de su obra.


Soto fallece en 2005 en París, habiendo recibido numerosas distinciones, entre las que destacan, Medalla de Picasso de la Unesco y haber sido designado Miembro Titular de la Academia Europea de las Ciencias, las Artes y las Letras, París, en 1981; el premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela en 1984 y el premio Nacional de la Escultura otorgado en Francia en 1995.


Sobre el artista

Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, 1923 – París, 2005), nació en 1923 en Ciudad Bolívar, Venezuela, donde realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas entre 1942 y 1947, año en que es nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas Julio Árraga de Maracaibo.


Algunas de sus exposiciones individuales de mayor trascendencia se realizaron en prestigiosas instituciones y galerías: Salomon Guggenheim Museum, Nueva York (1974); Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París (1979); Palacio de Velázquez, Madrid (1982); Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (MACC, 1983); Musée du Jeu de Paume de París (1997); Centro Cultural Conde Duque, en Madrid (1998) y Visión en Movimiento, una gran retrospectiva itinerante que se presentó en el Museo Tamayo en México, en la Fundación PROA en Argentina y en la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea en Bergamo, Italia (2005-2007).

En 2015 sus obras fueron expuestas en la Galería Perrotin en París y en Nueva York, así como en el Musée Soulages, al sur de Francia. En 2019 el Museo Guggenheim Bilbao organizó una gran retrospectiva de su obra.


También realizó numerosos proyectos de obras públicas a nivel internacional, integrando estructuras cinéticas monumentales en espacios arquitectónicos, como es el caso de una de las sedes de la UNESCO en París, 1970, el Complejo Cultural Teresa Carreño de Caracas (1972); el vestíbulo de la fábrica Renault de Boulogne-Billancourt (1975); en el Royal Bank de Toronto (1977); en el Centro Banaven de Caracas (1979); en el Centro Pompidou de París (1987), entre muchas otras que se encuentran expuestas en múltiples espacios alrededor del mundo.

La galería Elvira González de Madrid expone estos días su obra hasta el 11 de marzo de 2023.

COOL (OK DIARIO )


HOMENAJE

 

Homenaje. Colección ACB. Bárbara de Rueda


La Colección ACB (Alberto Corral López-Dóriga y Bárbara de Rueda) presenta una exposición Homenaje que reúne obras de Miquel Navarro, Jaume Plensa, Eva Lootz, Michael Biberstein, Jordi Teixidor, Miquel Barceló, Elena Assins, Lea Lublin, Concha Jerez, Soledad Sevilla o Cristina Lucas, entre otros. Una muestra que podrá verse del 19 de enero al 2 de marzo en la Sala Pardo Bazán, el salón de baile y la sala Pórtico del Museo del Museo Lázaro Galdiano.

Esta muestra de la Colección ACB Bárbara de Rueda realiza un breve recorrido por su historia en relación con el arte contemporáneo español e internacional. Una selección de 30 piezas que reflejan la idea del coleccionismo como una permanente construcción de memoria, enlazada con la noción de patrimonio y con dos grandes componentes: obligación y generosidad.

De esta manera, Bárbara de Rueda expone al público una pequeña parte de la considerada como una de las colecciones privadas más sobresalientes del momento, la que formó junto con su esposo, Alberto Corral López-Dóriga, y que ella ha ido ampliado en los últmos 15 años hasta reúnir alrededor de 400 obras.






MÁS INFORMACIÓN


PROXIMAS EXPOSICIONES

 

Las exposiciones que no hay que perderse en Madrid en los próximos meses


Picasso, Sorolla, Leonora Carrington, Lucian Freud... recomendamos nueve exposiciones que merece la pena ver antes del verano.

'El Cuarto del pintor', cuadro de Lucian Freud que se expondrá en el Museo Thyssen-Bornemisza

El año expositivo madrileño arranca cargado de novedades para todos los gustos, e incluye, además, la conmemoración de dos efemérides importantes. Por un lado, el 8 de abril de 2023 se cumplirán 50 años de la muerte de Pablo Picasso en Mougins (Francia), mientras que en agosto será el centenario del fallecimiento de Joaquín Sorolla en Madrid. Dos aniversarios que traerán distintos homenajes en varios museos de la ciudad.

En el caso del reconocido universalmente artista malagueño, multitud de museos, galerías y espacios culturales acogerán exposiciones y actividades bajo el programa Celebración Picasso 1973-2023, respaldado por instituciones de renombre en Europa y Estados Unidos. Algunas muestras ya han visto la luz (y con enorme éxito) antes de finalizar 2022, como la de Picasso y Chanel, que examina la relación que mantuvieron el pintor y la diseñadora francesa y la influencia del uno en el otro en sus innovadoras creaciones. Para los que no la han visto, aún tienen la posibilidad de hacerlo hasta el 15 de enero en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Museo del Prado o el Museo Reina Sofía, entre otras, acogerán exhibiciones del pintor malagueño a lo largo del año.

Las exposiciones de Picasso y Sorolla convivirán con otras imprescindibles para todo tipo de gustos. Proponemos algunas de las más interesantes que todo amante del arte no se puede perder en estos primeros seis meses del año en Madrid.

Sorolla a través de la luz

Paseo a orillas del mar, de Sorolla

Es una de las exhibiciones más esperadas (y diferentes) del pintor valenciano, que se podrá ver en los Salones de Génova del Palacio Real con motivo del centenario de su muerte. Se trata de una muestra inmersiva que combina por primera vez obras originales de Sorolla (algunas inéditas) con recreaciones digitales y experiencias sensoriales a través de la luz, el color y el movimiento. El recorrido incluye una experiencia de realidad virtual que traslada al visitante a los tiempos de Sorolla (finales del siglo XIX y principios del XX). La exposición está comisariada por Consuelo Luca de Tena, exdirectora del Museo Sorolla, y Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del pintor y especialista en su obra. A partir de febrero.

Leonora Carrington

'Artes', Leonora Carrington

Primera retrospectiva en España de esta pintora mexicana nacida en Gran Bretaña y considerada una de las más relevantes artistas del surrealismo. La muestra, en la Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos, 23), sigue la carrera de esta artista (también escritora), figura central del desarrollo del arte moderno del siglo XX y de personalidad excéntrica, desde los primeros dibujos hasta su obra tardía. Del 9 de febrero al 7 de mayo.

Lucian Freud. Nuevas perspectivas

'Muchacha con rosas' de Lucian Freud.


El Museo Thyssen-Bornemisza (Paseo del Prado, 8) acoge una retrospectiva dedicada a la figura y obra de Lucian Freud con motivo del centenario de su nacimiento. Procedente de la National Gallery de Londres, la exposición de uno de los artistas europeos más significativos del siglo XX consta de medio centenar de obras que representan las siete décadas de la trayectoria del pintor y grabador británico. La pintura de Freud, incisiva, subversiva y en ocasiones impropia, estuvo siempre dedicada a la representación del cuerpo humano y a retratar al hombre contemporáneo. Del 14 de febrero al 18 de junio.

Joana Biarnés Madrid: moda a pie de calle

Foto de Joana Biarnés: Lourdes Albert y otras maniquíes en la Gran Vía, en una editorial para Herrero

La Sala Canal de Isabel II (Sta. Engracia, 125) mostrará más de un centenar de instantáneas de los reportajes de moda que realizó la fotógrafa española Joana Biarnés (1935-2018) en Madrid, entre 1962 y 1972. Reflejo de la evolución de la moda y de la sociedad en una época de cambios trascendentales, entre los años 60 y principios de los 70, la exposición presentará también cómo era la capital española, con sus calles, sus barrios y sus habitantes, algo muy habitual en las creaciones de la artista. Del 1 de marzo al 23 de julio.

Visiones expandidas. Fotografía y experimentación


'The Seeing Mouth', de Nathan Lerner

En colaboración con el Musée National d'Art Moderne-Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou de París, el centro cultural de la Fundación La Caixa propone un recorrido, desde comienzos del siglo XX hasta nuestros días, por la fotografía experimental que incluye 172 obras de 107 artistas, entre los que se encuentran algunos muy reconocidos como Man Ray, László Moholy-Nagy, Lisa Oppenheim, Florence Henri, William Klein, Brassaï, André Breton, Rudolf Steiner, Barbara Kruger, Nathan Lerner... Hasta el 26 de marzo

Picasso. Obras maestras de la colección Nahmad

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Alcalá, 13) expondrá una treintena de pinturas de la colección privada de la familia Nahmad, procedentes del tiempo en que el pintor malagueño vivía en Madrid, de su época azul, hasta las más posteriores, muchas de ellas inéditas en España. Del 29 de marzo al 2 de julio.

Antonio Alvarado. Baja costura


La muestra en el Museo del Traje es un viaje por la trayectoria del diseñador alicantino, uno de los principales exponentes de la moda española de las últimas décadas, con unas 500 piezas procedentes de más de 40 prestadores. Galardonado con el Premio Nacional de Diseño de Moda 2021, Alvarado ha desarrollado una larga carrera no sólo en la moda española, sino también en otros campos artísticos. A lo largo de su trayectoria, ha realizado el vestuario para películas de Pedro Almodóvar y Bigas Luna y para espectáculos escénicos de Fabio McNamara, Carlos Saura, entre otros. Hasta el 26 de marzo.

Cerebros


Espacio Fundación Telefónica ( Fuencarral, 3) presenta Cerebro(s), una muestra con más de 200 piezas de varios artistas contemporáneos y cerca de 20 proyectos científicos que explora desde diferentes ámbitos (el arte, la ciencia y la filosofía) este órgano fascinante, y el que más incógnitas genera, a lo largo de la historia. Hasta junio.

Picasso-El Greco

Con motivo del 50 aniversario del fallecimiento de Pablo Picasso, el Museo del Prado (Ruiz de Alarcón, 23) llevará a cabo una exposición en la que, intercalando obras de ambos pintores, se analizarán la influencia y las referencias que el maestro malagueño obtuvo de El Greco a lo largo de su trayectoria, especialmente entre su periodo azul y el cubismo. Del 13 de junio al 17 de septiembre.

(EL MUNDO)

LA TEXTURA DE LAS PROMESAS

 




El título de la exposición alude a esa promesa de transparencia del significado que asociamos a las fotografías, y que esperamos descubrir en la primera capa visible de la imagen. Aspiramos a reconocer en su superficie los ecos de la realidad y confiamos en la eficacia de la fotografía para permitirnos identificar el sentido de lo representado. Pero no siempre es posible. Ese proceso se complica cuando los signos que contienen las fotografías refieren a culturas ajenas, como las asiáticas, y no confirman los estereotipos que tenemos sobre ellas.




Se ha presentado en Kutxa Kultur Artegunea la exposición La textura de las promesas, una exposición que nos acerca al trabajo de ocho artistas actuales del continente asiático que usan como medio la fotografía:

Gao Bo, Sukanya Ghosh, Takahiro Mizushima, Weixin Chong, Wang Juyan, JI Zhou, Woong Soak Teng y Bohnchang Koo.

El comisario Alejandro Castellote ha construido su discurso expositivo apoyándose en la obra de estos ocho artistas, que tienen obras muy dispares en fondo y forma, pero que permiten abordar una tesis de partida realmente interesante. Y es que, tal y como se señala en el título de la exposición, las fotografías nos hacen «promesas», pero debemos indagar y bucear en las obras para desentrañar su verdadero significado



 La exposición que se puede visitar en Kutxa Kultur Artegunea, nos acerca al trabajo de Gao Bo, Sukanya Ghosh, Takahiro Mizushima, Weixin Chong, Wang Juyan, JI Zhou, Woong Soak Teng y Bohnchang Koo, ocho artistas del continente asiático que usan como medio la fotografía y que promueven la ambigüedad para activar nuestra imaginación.

Todos ellos exhiben modos diferentes de representar la realidad, a menudo erosionando voluntariamente la legibilidad de sus obras. Lo hacen mediante vagas referencias a la pintura tradicional de su país, reivindicando en voz baja el origen secular de sus prácticas artísticas; cuestionando los estereotipos orientalistas que proyectamos desde Occidente; prescindiendo de los parámetros de la representación renacentista —la perspectiva, la narratividad o el hiperrealismo—; proponiendo lecturas complejas de lo representado, que animen al espectador a buscar algo más en los estratos interiores de la imagen, los menos explícitos, o reflexionando críticamente sobre nuestra relación con la naturaleza.

Se sirven de metáforas visuales para visibilizar el carácter profundamente subjetivo de nuestra percepción y la inestabilidad de la memoria y el relato histórico. Transportan los significados de sus imágenes a territorios que multiplican las posibles interpretaciones. En definitiva, promueven la ambigüedad para activar nuestra imaginación.

 

Del 25 de noviembre de 2022 al 19 de febrero de 2023
Lugar: Kutxa Kultur Artegunea (Tabakalera). Donostia/San Sebastián
Comisario: Alejandro Castellote