martes, 29 de enero de 2019

ILUSTRACIÓN CONTEMPORÁNEA


La 'Muestra Internacional de Ilustración Contemporánea' expondrá más de 200 obras en la sede Afundación de Santiago




Afundación, la Obra Social de Abanca, acoge en su sede de Santiago de Compostela  hasta el 9 de marzo la segunda edición de la 'Muestra Internacional de Ilustración Contemporánea (MiiC)', que cuenta con más de 200 obras de artistas reconocidos nacional e internacionalmente.

La exposición, que está comisariada por Matilde Rodríguez, cuenta con la colaboración de la Xunta de Galicia. En el proyecto participa también el Ayuntamiento de Santiago.

La segunda edición de esta muestra internacional pivota sobre el uso visual del color, la representación subjetiva de la naturaleza y el universo femenino.

Un total de 19 proyectos ilustrados, 16 individuales y 3 colectivos, estructuran esta nueva edición que se centra en las obras más personales, resaltando el valor artístico que la ilustración tiene como medio de expresión de muchos creadores contemporáneos.

Un elemento que, además, admite un amplio abanico de "técnicas y que está en constante evolución", entre las que se incluyen serigrafías, collages, cerámicas, videoclips, risografías, creaciones digitales, esculturas o instalaciones conceptuales, destaca Afundación.

Se trata de solo algunos de los formatos que se podrán ver en la muestra como ejemplo de la creatividad, la experimentación y el dinamismo que acoge el arte de la ilustración actual.

Una compilación ilustrada que también aproxima el arte que se está desarrollando en Galicia, con una destacada generación de artistas que marcan tendencia tanto dentro como fuera de la comunidad.

Más de 200 piezas conforman el recorrido de la muestra, que tiene en el dibujo y el uso del color su hilo conductor, destacando la representación del mundo circundante a través de unas ilustraciones en las que subyace, de forma más o menos explícita, una crítica a la sociedad actual.

Además, el Área Educativa de Afundación elaboró una programación complementaria para escolares de todas las etapas educativas, desde infantil hasta bachillerato y ciclos formativos. También se podrán reservar visitas guiadas a la muestra.


domingo, 27 de enero de 2019

HACIA LA POESÍA PLÁSTICA



Exposición

CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS

Hasta el 3 de marzo, 2019




Comisariada por Vicente Todolí, presidente de la Comisión Asesora de Artes Plásticas de la Fundación Botín, CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS acoge una selección de veintitrés obras creadas por la artista entre 1992 y 2018, siendo algunas de ellas de monumental formato, una práctica habitual en su trabajo.

 

Galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999, el trabajo de Cristina está influenciado por su estancia en Londres en los años 80, donde encontró procesos de materialización de escultura mucho más abiertos. Además, fue en Reino Unido donde comenzó a conectar no solo con la «nueva escultura británica», sino también con la escuela de Düsseldorf. En ese período de descubrimiento se familiariza con el trabajo de Eva Hesse y Robert Smithson, entre otros artistas a los que considera importantes en ese período formativo, aunque su obra la encontramos totalmente aislada de cualquier corriente o tendencia.

 

A lo largo de su carrera, Iglesias ha definido un vocabulario escultórico único, creando ambientes inmersivos y experienciales que referencian y unen la arquitectura, la literatura e influencias culturales específicas del lugar. A través de un lenguaje de formas naturales y construidas en varios materiales, redefine poéticamente el espacio al confundir interior y exterior, orgánico y artificial, combinando materiales industriales con elementos naturales para producir nuevos espacios sensoriales inesperados para el espectador.


 
Considerada una de las artistas españolas más reconocidas internacionalmente, en la exposición CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS se presenta una gran selección de piezas, que ocupan la segunda planta del volumen oeste del Centro Botín al completo y que conviven en total armonía con su obra en los Jardines de Pereda Desde lo subterráneo.

 

La última gran exposición de Cristina Iglesias en España tuvo lugar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2013, por lo que esta muestra es una oportunidad única de disfrutar de su trayectoria y de su obra más reciente.

 

Obras de Cristina Iglesias

En esta exposición, la artista interconecta el Centro Botín con el entorno dentro de la sala, pues la continua tensión entre lo visible y lo invisible en la obra de Iglesias, y lo aparentemente fronterizo de sus piezas, tratan de vincular espacios y abrir puertas a lugares invisibles.
 
Sus piezas siempre intentan crear un acceso a “otro lugar” imaginado, a un paisaje profundo que, en esencia, puede abordarse con la lectura de alguna de sus obras más significativas que albergan esta exposición, como Sin título. Venecia II (1993). Esta obra, que pertenece a la colección de la artista, sintetiza de una manera magistral parte de los códigos que podemos aplicar a otras de las piezas que veremos en el Centro Botín.
 
 

miércoles, 23 de enero de 2019

ART MADRID 2019


Más de 40 galerías participarán en Art Madrid 2019



Art Madrid es una de esas citas que año tras año tenemos marcado en rojo en el calendario. Y la edición de este 2019 pinta muy pero que muy bien.
 
La 14º edición de esta feria arrancará el próximo 27 de febrero en la Galería de Cristal de Centro Cibeles. Y además lo hará con un marcado aire internacional y con Rubén Martín de Lucas como Artista Invitado.
 
César Germán
 
 
 En total, participarán más de 40 galerías nacionales e internacionales que expondrán las obras de casi 200 artistas, contando tanto con creadores consolidados como emergentes. De todos ellos, más de 60 tienen menos de 40 años.
 
De todas las galerías presentes, casi un 40% son galerías extranjeras, procedentes de países como Alemania, Francia, Portugal, Lituania, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Cuba, México, Perú, Sudáfrica o Taiwán.
 
Verónica de Vicente
 
 
En el programa general de Art Madrid vuelven a participar un importante número de galerías nacionales, con nombres bien conocidos por todos nosotros como las madrileñas Kreisler, Marita Segovia, BAT Alberto Cornejo, Fucking Art Gallery, Hispánica Contemporánea (con sede también en México D.F.) y Jorge Alcolea.
 
Perucha Cultura Inquieta
 
 
Desde Asturias repiten las galerías Aurora Vigil-Escalera (Gijón), Bea Villamarín (Gijón) y Arancha Osoro (Oviedo), y se incorpora la Galería de Cristal la Galería Cornión de Gijón.
 
Sara Ortega Hispánica
 
 
De Cantabria llegarán Galería Espiral (Noja), mientras que desde Galicia vuelven Luisa Pita (Santiago de Compostela) y Moret Art (A Coruña). Del País Vasco acuden MH Art Gallery (Bilbao), además de Kur Art Gallery. (Guipúzcoa), y de Castilla y León Rodrigo Juarranz (Aranda de Duero, Burgos).
 
Alberto Sánchez Paradox, Galería Rodrigo Juarranz
 
 
Saltando al arco mediterráneo, desde Valencia vuelven las nuevas propuestas de Alba Cabrera Gallery y Shiras Galería, incorporándose como novedad Víctor Lope Arte Contemporáneo, galería que también tiene representación en el programa One Project. Por su parte, desde Barcelona expondrán las galerías 3 Punts, Miquel Alzueta y Zielinsky.
 
Pachi Santiago, Galería Zielinsky
 
 
En el ámbito internacional destaca la participación en el Programa General de las galerías portuguesas, con la lisboeta Art Lounge, Paulo Nunes-Arte Contemporânea (Vila Franca de Xira) y la nueva incorporación de la Galeria São Mamede (Lisboa/Oporto).
 
Maria Sîvarbovaü Galería BAT
 
 
Desde el resto de Europa, también participan las francesas Galerie Barrou Planquart (París) y Norty Mécénat (Carrières-sur-Seine), o las alemanas Schmalfuss (Berlin) y Robert Drees (Hannover). Del resto del mundo, destacan la neoyorkina Lola & Unicorn, la sudafricana Oda Gallery (Franschhoek), el colectivo artístico peruano O-Art Project (Lima) la taiwanesa Yiri Arts (Taipei) o la cubana Collage Habana (La Habana).
 

Alejandra Atarés, Víctor Lope
 
Por si os lo estábais preguntando, Art Madrid incorpora también el programa ONE PROJECT, un proyecto nacido con el propósito de apoyar y promocionar a jóvenes artistas que están comenzando o consolidando su carrera artística que se materializa en una propuesta colectiva en formato solo show.

Jacinto Moros, Víctor Lope
 
 
Entre las grandes novedades de este año destaca la incorporación de Nerea Ubieto, crítica y comisaria que presenta una propuesta realizada solo por mujeres artistas.
 
ÉSTA ES UNA INFORMACIÓN DE DECOESFERA

domingo, 20 de enero de 2019

XOSÉ VIZOSO



O capón de Vilalba, a arte e o artista mindoniense que o representa

 

Xosé Vizoso emprega técnicas das vangardas do século XX e gran riqueza de cores no seu traballo

Vai para un mes que dixemos (La Voz de Galicia 21-12-2018) que a representación do capón non goza de lugar destacado en comedores onde é degustado. Para entender do asunto fomos, coma sempre, á Historia e soubemos que ao longo do tempo moitas obras de arte foron destinadas aos cuartos onde se gozou, e aínda goza, dos praceres da boa mesa.

 

Os triclinia, comedores romanos, adornábanse con pinturas ao fresco e mosaicos que representaban froitas, peixes, aves e, naturalmente, capóns. Na Idade Media galos e galiñas eran servidos nas mesas dos poderosos, coma o caso aquel correxedor de San Domingos da Calzada que porfiou en que un mozo inocente executado estaba tan vivo coma o galo e a galiña que el ía comer... e, producíndose o milagre, o galo cantou. Pero será a partir do barroco e da secularización, en parte, da pintura cando os bodegóns adquiren forte personalidade.

 

Nos séculos XVII e XVIII os artistas plasmaron nos cadros dende conxuntos de verduras, froitas, caza, pescados, ata flores, composicións vexetais ou utensilios de cociña. Naturalmente que as pinturas estaban destinadas a burgueses e autoridades civís e eclesiásticas que podían permitirse o gasto dun pintor de sona mentres gozaban tanto dos manxares representados coma doutros. É dicir, eran pinturas para decorar a casa dos propietarios e tamén para indicar un estatus social que os convidados debían admirar.

 

Xantares e costumes

 
 

Este tipo de pintura tivo continuidade no tempo. Recordamos con admiración bodegóns, naturezas mortas, de Luís Meléndez; temos na memoria representacións das comidas e festas campestres dos pintores románticos; asombrámonos da habilidade de ceramistas levantinos que, popularizando a arte, deixaron nos azulexos trazos da vida diaria relacionada cos cultivos da horta e coa actividade culinaria; non deixamos de recordar os impresionistas e cubistas que deixaron para a posteridade a súa admiración e gusto pola comida e por compartila con parentes e amigos... Pero o máis sentido, o que máis nos chega ao corazón de verdade, é a admiración polos pintores galegos modernos que deixan constancia de xantares e escenas inseridas nos nosos costumes, como é o caso da Voda en Bergantiños, de Sotomaior.

 

 Pero temos especial querenza polas obras de Xosé Vizoso. Os seus cadros e carteis, os seus deseños, plasman composicións que van máis aló da simple escenografía de representar un alimento, do capón que nos ocupa. Ben o din as imaxes que nos acompañan. As disimetrías de reminiscencias cubistas quedan atenuadas e delimitadas por trazos firmes que recollen colores complementarias e provocan un resultado harmónico sen que se distraia a vista. A profundidade da perspectiva substitúese por combinacións de cores que de por si proporcionan imaxes tridimensionais.

 

Trazo firme

 

Vizoso sabe captar coma ninguén o auténtico capón. Porque non se trata só dunha ave disposta a ser degustada. Tras do pito ou galo está o home ou a muller que o traballa con coidado, que o cría, que o mantén, que o leva á feira e que espera recompensa adecuada por tantos esforzos. O tema da feira do capón transfórmase polas mans do pintor en lugar de encontro e intercambio de reflexións interiores.

 

Os espectadores das imaxes, que os hai, comprenden a importancia do trazo firme e do dominio de combinar colores porque, en sabendo destas artes, pode plasmarse calquera cousa e transmitir emocións que con dificultade se explican na escrita.

 

Contemplando o froito inspirado por tan particular musa (Beatriz coma no caso de Dante, poñemos por caso), a reflexión provoca ademais un difícil reto: proclamar en palabras eses sentires que a pintura deixa no espectador e no comensal de tan rico manxar, sexa este burgués, fidalgo ou pecheiro, que para o caso tanto dá.

 

(LA VOZ DE GALICIA)

 

 

jueves, 17 de enero de 2019

CENTRO BOTÍN

 

CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS

Hasta el 3 marzo, 2019


 
 
Comisariada por Vicente Todolí, presidente de la Comisión Asesora de Artes Plásticas de la Fundación Botín, CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS acoge una selección de veintitrés obras creadas por la artista entre 1992 y 2018, siendo algunas de ellas de monumental formato, una práctica habitual en su trabajo.
 
 
 
Galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999, el trabajo de Cristina está influenciado por su estancia en Londres en los años 80, donde encontró procesos de materialización de escultura mucho más abiertos. Además, fue en Reino Unido donde comenzó a conectar no solo con la «nueva escultura británica», sino también con la escuela de Düsseldorf. En ese período de descubrimiento se familiariza con el trabajo de Eva Hesse y Robert Smithson, entre otros artistas a los que considera importantes en ese período formativo, aunque su obra la encontramos totalmente aislada de cualquier corriente o tendencia.
 
 
 
A lo largo de su carrera, Iglesias ha definido un vocabulario escultórico único, creando ambientes inmersivos y experienciales que referencian y unen la arquitectura, la literatura e influencias culturales específicas del lugar. A través de un lenguaje de formas naturales y construidas en varios materiales, redefine poéticamente el espacio al confundir interior y exterior, orgánico y artificial, combinando materiales industriales con elementos naturales para producir nuevos espacios sensoriales inesperados para el espectador.
 
 
 
Considerada una de las artistas españolas más reconocidas internacionalmente, en la exposición CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS se presenta una gran selección de piezas, que ocupan la segunda planta del volumen oeste del Centro Botín al completo y que conviven en total armonía con su obra en los Jardines de Pereda Desde lo subterráneo.
 
 
La última gran exposición de Cristina Iglesias en España tuvo lugar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2013, por lo que esta muestra es una oportunidad única de disfrutar de su trayectoria y de su obra más reciente.
 

Obras de Cristina Iglesias

 
En esta exposición, la artista interconecta el Centro Botín con el entorno dentro de la sala, pues la continua tensión entre lo visible y lo invisible en la obra de Iglesias, y lo aparentemente fronterizo de sus piezas, tratan de vincular espacios y abrir puertas a lugares invisibles.
 
Sus piezas siempre intentan crear un acceso a “otro lugar” imaginado, a un paisaje profundo que, en esencia, puede abordarse con la lectura de alguna de sus obras más significativas que alberga esta exposición, como Sin título. Venecia II (1993). Esta obra, que pertenece a la colección de la artista, sintetiza de una manera magistral parte de los códigos que podemos aplicar a otras de las piezas que vemos en el Centro Botín.
 
CENTRO BOTÍN
 

lunes, 14 de enero de 2019

OBSESIÓN ARTÍSTICA



Las obsesiones de Giacometti reunidas en Bilbao


Más de 200 esculturas dan forma en el Guggenheim a la exposición

La muestra dedicada al artista suizo podrá visitarse hasta el 24 de febrero

 
Mujeres en Venecia
 
Más de 200 esculturas, en yeso, arcilla y bronce, pinturas y dibujos de ALBERTO GIACOMETTI  se exhiben  en el Museo Guggenheim de Bilbao, en la que puede ser una de las más completas retrospectivas del artista suizo. La muestra, patrocinada por Iberdrola, ofrece algunas piezas de gran valor porque en contadas ocasiones han sido expuestas, por la fragilidad de su composición. Es el caso de las ocho esculturas en yeso que componen el conjunto Mujeres de Venecia, un encargo que hizo para la Bienal de Venecia de 1956, y que desde el pasado mes de junio se exhiben en el recién inaugurado Instituto Giacometti de París. Se trata de unas figuras femeninas, frágiles, colocadas en la misma posición, aunque todas ellas son diferentes.
 
 
 Precisamente, el universo de la mujer es una de las obsesiones que marcan la trayectoria del artista, criado en un ambiente creativo. Su padre, el pintor neoimpresionista Giovanni Giacometti, del que se exponen tres cabezas realizadas por el hijo, es quien le inicia en la pintura y la escultura. Y le marca las directrices, le anima a marcharse a París a buscar su propio estilo, recordó  una de las comisarías de la muestra y responsable de la Fundación Giacometti de Paris, Catherine Grenier. Es allí donde entra en contacto con las vanguardias, como se refleja en Mujer cuchara (1927), una de las piezas más relevantes de esta época, que creó en yeso y posteriormente realizó en bronce, donde interpreta la geometría del cubismo, las formas estilizadas del arte africano y la simplicidad formal de la modernidad europea. “Más tarde se acerca al surrealismo, pero posteriormente se desvía de este movimiento para dar un paso más y volver a lo real”, señaló Grenier, durante el recorrido por la muestra, frente a la sala que acoge su paso por el existencialismo.
 
 
 
 
 

sábado, 12 de enero de 2019

FOTOS PARA REFLEXIONAR



La exposición “Creadores de conciencia”: un homenaje a los fotoperiodistas



La exposición “Creadores de conciencia. 40 fotoperiodistas comprometidos” llegó el jueves 6 de septiembre al Palau Robert de Barcelona. Todo un homenaje al trabajo de destacados reporteros gráficos que nos muestran la realidad sin filtro. En total, 120 imágenes componen la colección de la muestra y los beneficios por la venta se donarán a Reporteros Sin Fronteras.
 
 La exposición está abierta al público hasta el 10 de febrero. “Creadores de conciencia” reúne el trabajo de 40 fotoperiodistas. Entre ellos, destacan por su larga trayectoria: Gervasio Sánchez, Kim Manresa, Sergi Cámara, Clemente Bernad o Sandra Balcells.
 
La exposición también guarda un espacio a los jóvenes talentos  y allí están presentes los trabajos de Javier Corso, Manu Brabo, Samuel Aranda, Bernat Armangué o Lurdes Basolí. “Estos fotógrafos españoles de las últimas generaciones nos permiten comprobar la honda y variada calidad de su mirada” destaca el presidente de RSF.
 
Esta muestra itinerante es una iniciativa de la compañía DKV para celebrar los 20 años de su programa de responsabilidad social. Permanecerá en el Palau Robert de Barcelona hasta el 10 de febrero de 2019; entre el 18 de febrero y el 28 de abril estará en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y después tomará rumbo a Valencia, donde podrá verse en el Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad del 7 de mayo al 23 de junio.
 
Reporteros Sin Fronteras recibirá los beneficios generados por las ventas del catálogo de la exposición, un libro que se podrá comprar al visitar la muestra. Además del recuerdo, quienes lo adquieran estarán contribuyendo a la labor de la organización: defensa de la libertad de información, denuncia de la censura, asistencia a periodistas en dificultades o dotación de mecanismos y equipos de seguridad para periodistas freelance en zonas de riesgo.
 
“Este libro es una ventana con vistas a la realidad. Si alguien que no ha perdido la capacidad de interesarse por los asuntos del mundo, por todo lo que va más allá de su círculo de tiza, de su pequeña patria, quiere saber el estado de las cosas, este libro contiene algunas de las más lúcidas, compasivas y verdaderas imágenes de lo que somos”, destaca el presidente de Reporteros Sin Fronteras, Alfonso Armada.
 
 
 

viernes, 11 de enero de 2019

JOSÉ CHAS



Galicia tiene "Memoria industrial"


Veinte imágenes de naves abandonadas integran la exposición de José Chas en el Pazo




Visibilizar el patrimonio industrial abandonado, conocer lo que ocurrió en Galicia y la huella de una actividad colectiva que formó y forma parte de la realidad actual es el triple objetivo que guía la exposición "Memoria industrial en Galicia" que ayer se inauguró en el Pazo da Cultura y que podrá verse hasta el 24 de febrero.
 
Su autor, José Chas, presentó la iniciativa junto a Anabel Gulías, concejala de Promoción Económica, y explicó el amplio proyecto artístico y de recuperación de la memoria que hay detrás. Un proyecto de años que tiene continuidad en el tiempo y que se puede seguir en es https://memoriaindustrialengalicia.wordpress.com/galeria/ 
 
 
 
La muestra recoge veinte fotografías de otras tantas fábricas abandonadas, "ruinas industriales" en palabras de Chas, localizadas en las cuatro provincias gallegas. Todas ellas son visitables, aunque en algunos casos desde el exterior. Y ese es el objetivo que persigue José Chas con su blog: que estas naves abandonadas sean visitadas y conocidas, y para ello cuentan con una geolocalización que permite descargar la ruta para llegar desde su blog.

Chas define su proyecto artístico, que surgió en la Facultad de Bellas Artes, como "una pasión". "Las ruinas industriales, otros tendrán que decir si es patrimonio, me interesan como proyecto estético" explica, un primer paso que generó un archivo de la memoria industrial de Galicia. "Acabas conociendo la historia y el impacto de las fábricas, la industria como proveedora y como problema en una comarca?", añadió.

 
Fábricas como la antigua planta de jabón de Pontevedra, en Mollabao, que utilizaba en su elaboración aguas del balneario de San Xusto (Cotobade) y que cerró en el año 1945 es un ejemplo de patrimonio visibilizado por el trabajo de José Chas.
 
La fábrica de Pazó, el transformador eléctrico de Mollabao, la central hidroeléctrica del Lérez e incluso la más reciente Tafisa son edificaciones que José Chas fotografió y que conforman el archivo gráfico de un declive industrial que fue dejando en la ciudad, y en Galicia, una huella ahora inmortal.
 
La exposición lleva de la mano actividades complementarias como la charla-coloquio sobre la memoria industrial desde una perspectiva multidisciplinar: histórica, arquitectónica y artística que tendrá lugar en la Casa de la Luz el próximo 17 de enero, a las 19.30 horas. En ella participarán Xoan Carmona Bardía, catedrático de Historia e Instituciones Económicas de la USC; Cristina García Fontán, arquitecta y coordinadora del Grado de Paisaje de la UDC y Manuel Sendón Trillo, profesor de Fotografía de la Facultad de Bellas de Pontevedra.
 
La colaboración entre José Chas y el Concello de Pontevedra podría ir más allá y avanzar en la elaboración de un catálogo o foto-libro con todo este material. "La idea está ahí pero no tengo prisa. Hay muchas cosas todavía por hacer", apunta.
 
 
 
 
 
 


TEXTO DE FARO DE VIGO (11 de enero)
 

miércoles, 9 de enero de 2019

ATENEO DE PONTEVEDRA



"ARTENEO"



Achégamosvos esta interesante iniciativa do ATENEO de Pontevedra por se é do voso interese.


Estimados Amigos/as do Ateneo de Pontevedra:
 

            Unha vez máis dende o compromiso que no Ateneo mantemos coas manifestacións artísticas e culturais dos creadores galegos poñemos en marcha unha nova iniciativa que leva por nome ARTENEO.

          ARTENEO é unha colección exclusiva de arte realizada por artistas galegos en colaboración co Ateneo de Pontevedra para os amigos/as do Ateneo.

            Cada artista é autor dunha ilustración reproducida da que faremos unha edición limitada de 100 exemplares, cada un deles numerado e asinado polo autor da obra.

            A reprodución que ofrecemos é de máxima calidade, en papel especial, cun tamaño de 22 por 32 cm, e entregarase conxuntamente cunha carpeta protectora na que figura unha fotografía e unha breve biografía artística do autor.

            Queremos subliñar que a colaboración dos artistas é desinteresada, polo tanto, o prezo de cada unha das obras (30 euros) non sería o que tería no mercado (o valor real é superior aos 100 euros), por tratarse dunha aportación especial ao Ateneo e aos amigosos/as da nosa institución. Tamén queremos subliñar que todos os fondos que se recaden iran destinados a manter a actividade cultural e artística que o Ateneo vén levando a cabo.

            ARTENEO é unha proposta que ten vocación coleccionista e pedagóxica; dalgún xeito anímanos a idea de achegar o talento dos artistas a un público culto que aprecia a arte e a posibilidade de iniciar unha colección de creadores en activo, en produción de obras.

            A solicitude e reserva das reproducións farémola por medio dunha comunicación coa persoa encargada da xestión de actos e publicidade do Ateneo, Carlos Fontes (cfuentesmoledo@yahoo.es e teléfono 669 428 188). A recollida da carpeta e o abono da mesma poderase realizar en cada actividade organizada polo Ateneo de Pontevedra. Tamén sería posible adquirila alí directamente.

            Por suposto, o criterio de adquisición é subxectivo e persoal. Queremos dicir que se pode adquirir unha, dúas, ou a colección enteira. Iso si, para que a iniciativa chegue ao maior número de persoas, limitarase a adquisición a dúas obras de cada artista por persoa. No caso de que non se vendan todos os exemplares volveremos facer un novo anuncio de reserva e adquisición. 

            Como xa se dixo, o prezo marcado para cada unha das obras é de 30 euros.             Agardamos que esta iniciativa sexa do vosos interese, nada máis que enviarvos un cordial saúdo.

  Xaime Toxo. Presidente do Ateneo de Pontevedra.
 

PRIMEIRA OBRA: ANTÓN PULIDO

 

 

Antón Pulido (Ourense, 1944) é, sen dúbida, un dos artistas máis importantes da Galicia actual. Realiza os estudos correspondentes á carreira de Belas Artes en Barcelona, desenvolvendo a partir de aí un extraordinario e dilatado maxisterio como profesor de Debuxo no Ensino Secundario ata a súa xubilación.

Excelente debuxante, pintor e gravador, é un artista dotado dunha técnica precisa e depurada.

Ten realizado numerosas mostras por todo o mundo, sería interminable citalas, só subliñar que as súas derradeiras exposicións tiveron lugar nas cidades de Shanghái, Pekín o Seúl.

É necesario remarcar que Antón Pulido, ademais de artista, é un home de múltiples facetas e tarefas. Ao logo da súa vida desenvolveu un gran traballo como xestor cultural que o levou a ser nomeado Director Xeral de Cultura da Xunta nos anos noventa. Tamén debemos destacar que foi o primeiro director do Centro Galego de Arte Contemporánea, onde sentou as bases da contemporaneidade artística en Galicia.

Foi premio da Crítica de Galicia en Artes Plásticas e Visuais no ano 2014. No seguinte ano recibiu o prestixioso premio “Trasalba” ao labor de toda unha vida dedicada a arte.

Activista incansable de actividades culturais, divulgador imprescindible da arte galega, foi responsable editorial da magnífica Enciclopedia Artistas Galegos, catálogo en edición de luxo de pintores, escultores e arquitectos galegos.

Deseñador, ilustrador notable de portadas e revistas, muralista icónico e persoalísimo, unha mostra do seu traballo podémola admirar na Praza das Apertas en Vigo, espazo urbano que grazas á creación de Antón Pulido adquire a categoría de localización enchoupada de cor e alegría, un autentico “locus amoenus”.

De Antón debemos resaltar a súa bondade sen límites, una querencia pola amizade que transforma ás máis das veces en irmandade, facetas dunha humanidade que converten a Antón nun compañeiro imprescindible, admirado e sempre degoxado.

Á súa bonhomía acompaña unha entrega solidaria coas causas máis xustas, e necesarias de apoio, e adoito topámolo como un dos máis asiduos colaboradores nas mostras que multitude de ONGs organizan en Galicia.

Antón Pulido é un pintor de festivas “Kermesses”, onde harmoniza o ritmo, o xesto, a abstracción cun sentido orixinalísimo de uso da cor que lle concede ás súas obras unha identidade absolutamente persoal e recoñecible.

Con esta obra de Antón Pulido o Ateneo de Pontevedra inaugura unha serie de obras de arte firmadas e numeradas de grandes artistas galegos que teñen como obxectivo o apoio desinteresado para o desenvolvemento da cultura na nosa cidade.
  
 
 

 OUTRAS OBRAS DE ANTÓN PULIDO

 


 


 

 

martes, 8 de enero de 2019

ARCHITECTURE EFFECTS


          Una arquitectura para revitalizar sociedades

 

El Museo Guggenheim Bilbao presenta 'Architecture Effects', una muestra que revela cómo puede cambiar la creación y el urbanismo de una ciudad a través de la edificación


DESCUBRE LA EXPOSICIÓN

La arquitectura vista desde el arte. O mejor dicho, el arte como visión constructivista y transformadora de la sociedad. El Museo Guggenheim Bilbao analiza en una exposición, hasta el próximo 28 de abril, los efectos de la arquitectura en la creación de las ciudades actuales. 

La muestra, titulada Architecture Effects, expone al visitante cómo uno de los efectos de la arquitectura y del innovador diseño de un edificio como el que alberga al Guggenheim Bilbao es la inspiración y motivación que puede llegar a generar en las distintas formas de comportamiento artístico.

A juicio del especialista en arte del Guggenheim Bilbao, Manuel Cirauqui, el «efecto Bilbao» o «efecto Guggenheim», la revitalización económica de la capital vizcaína a través de un museo como este, lo que hace es «reactivar una cierta de magia o poder de la arquitectura, que pude generar montones de efectos y cadenas de consecuencias» en la sociedad.

El comisario del Guggenheim Nueva York, Troy Conrad, por su parte, señala que en esa exposición han pretendido hacer algo diferente a las habituales muestras que se dedican a la arquitectura, que acostumbran a limitarse a presentar las maquetas y planos de un proyecto constructivo.