ANTÓN PATIÑO

 

        Patiño dialoga con el espacio en 20 obras

La muestra "Eco Visual" con sus últimos cuadros se expone en Nemonon, la restaurada Villa Pilar en Pontevedra - "Hay una voluntad de juego constructivo", indica el artista

 

Dos cuadros que en ocasiones dialogan entre sí. Dípticos, a veces piezas irregulares, con voluntad de juego constructivo, ¿o deconstructivo? Grafismos, gestos, colores... envueltos en un dinamismo de alto contraste. Un cromatismo que va de azul a verde intenso, o naranja, pero con la pegada del negro. Quizás una evocación nocturna. Laberintos azabache como constelaciones o telarañas. Y también rostros moleculares. Vigilantes caras humanas genéricas que forman parte de ese diálogo con el espacio, donde también cabe la escritura de los árboles o las alas de Ícaro, pasando por la herida honda y negra de las mareas negras.

 

La exposición "Eco visual" del artista visual y escritor gallego ANTÓN PATIÑO se puede visitar en Pontevedra. El espacio "Nemonon", ubicado en la restaurada Villa Pilar, en el corazón de Marqués de Riestra acogerá la muestra.

 

 

Nutrida por unas veinte obras, de las últimas del artista asentado en Vigo, la exposición tiene el objetivo de dialogar con ese espacio fundamentalmente arquitectónico. De hecho, "Nemonon" es un espacio multidisciplinar creativo concebido en torno a la arquitectura (del latín nemo non, que sigfica todo) en relación a que están todas y no falta ninguna de las artes y todos los sentidos. Concebido como un proyecto condensador de disciplinas creativas, para intercambiar conocimiento y experiencia. "Me parece un espacio muy estimulante", reconoció  Patiño en pleno montaje. Bajo la mirada de ese "rostro humano genérico", una presencia vigilante, conviven las propuestas de artista.

 

"Hay elementos propios del lenguaje pictórico que van en búsqueda de generar nuevos espacios", indica Antón Patiño, en relación a que el interior del edificio en sí es una propuesta arquitectónica que encaja con cierta voluntad constructiva de sus cuadros. "Como cajas que están dentro de otros volúmenes; existe un juego incluso más subjetivo de lo que creía antes del montaje de este relato", aseguró el también escritor. Asimismo, ilustran los lienzos soportes figurativos como dornas, ciclistas o árboles..

 

 

 

 Hasta el sábado 12 de enero de 2019

De lunes a viernes de 11:30 a 14:30 / 18:30 a 21:00
Sábados de 11:30 a 14:30
Domingos y festivos: Cerrado 

 

 

RAOULET VELLOSO

 

Los trazos de Raúl Velloso vuelven a ondear en Vigo

El pintor cangués, que viene de exponer en Miami y Sevilla, plantea su muestra como un "oulet".

 

"Raoulet Velloso". Así se llama la nueva exposición en Vigo del pintor cangués RAÚL VELLOSO. No es que el artista gallego, descubierto por Tàpies, haya decidido afrancesar su nombre de pila. Se trata de un juego de palabras con la palabra inglesa "outlet", que designa a las tiendas que venden remanentes de colecciones de moda. Las pinturas que muestra Velloso en la sala de la Diputación de Pontevedra (Oporto, 3, Vigo) son las que han sobrevivido a sus anteriores exposiciones, en Barcelona, Suiza, Cangas, Miami o Sevilla, donde, dicen, ha tenido tanto éxito que le han quitado los cuadros de las manos.

 

La exposición de Raúl Velloso, que podrá visitarse hasta el próximo 28 de diciembre, volvió a contar -como su anterior muestra en Vigo, en la Plaza E, en febrero pasado  con la presencia del conocido crítico de arte Román Pereiro, además de aficionados al arte, amigos y familiares del artista.

 

 

La Puerta del Sol de Vigo, la Torre de Hércules, el pazo de Mugartegui de Pontevedra, las cuatro torres de Alcalá, en Madrid... La arquitectura y los paisajes son la materia con la que Velloso crea sus obras de arte, cuyos trazos ondulantes en las nubes evocan a "La noche estrellada" de Van Gogh. Esas mismas ondulaciones convierten a los rectilíneos rascacielos madrileños en una especie de casas danzantes, como las que diseñó Frank Gehry en Praga. Las influencias gaudinianas y picassianas son también reconocibles en su obra, que se inspira en la arquitectura gallega, el mar, los faros y el rostro de uno de sus hijos, al que retrata como jugador del Celta, torero o gaiteiro.

 

Completamente autodidacta -ha llegado a decir que no tiene ni idea de pintura- y alejado de cualquier escuela o movimiento, Raúl Velloso fue descubierto casualmente por el gran pintor catalán Antonio Tàpies (1923-2012), que le animó a dedicarse en serio a la pintura. Tras muchos años sin exponer en Vigo, parece que este 2018 es el año del regreso del pintor cangués a la ciudad olívica.

 

 

 

REGALA ARTE EN NAVIDAD

Llega la Navidad y con ella los regalos para nuestros amigos y seres queridos a los que queremos sorprender, y también llega la preocupación por saber que regalar en estas fechas.

 

Hoy en día, las familias regalan tanto para Papá Noel como para los Reyes Magos, además de amigos invisibles que se han puesto de moda en los últimos años. Si  a esto le sumamos que, en la mayoría de los casos, las personas en la actualidad no tienen grandes necesidades, regalar en Navidad se convierte en una tarea cada vez más compleja.

 

Si te sientes identificado y necesitas nuevas ideas para regalar, queremos proponerte una alternativa: REGALAR ARTE O ALGO RELACIONADO CON EL ARTE.

 

El arte es un regalo original que nunca pasa de moda y se revaloriza con los años.  Además, ha dejado de ser una opción elitista ya que las posibilidades actualmente son muy amplías.

 

Regalar arte comprende un gran abanico de posibilidades, puesto que hay un sinfín de disciplinas artísticas: música, literatura, ilustración, artesanía, grabado, pintura o escultura son algunas de ellas. En definitiva, las opciones para regalar arte en navidad son muy variadas y se pueden adaptar a todos los bolsillos, perfiles y gustos.

 

Pese a ser una idea original de regalo tanto para mujeres como hombres, regalar arte puede ser complicado ya que no todo el mundo está familiarizado. Eso sí, seguro que consigues sorprender a tus familiares y amigos si elijes la opción de regalar arte en Navidad.

 

En la actualidad se pueden encontrar obras de arte en multitud de espacios no convencionales. Un restaurante, una peluquería, un salón de belleza o una tienda de ropa pueden tener la clave de tu regalo original. Y es que, a día de hoy, el comercio también te acerca el arte en sus locales. Diferentes tipos de comercio acogen en sus establecimientos obras de artistas noveles para ayudarles en el inicio de su carrera profesional. Una muy buena noticia, ya que puedes tomar un café tranquilamente mientras eliges tu regalo de navidad.

 

Acercarte a los comercios comprometidos con el arte y la cultura para comprar arte, un libro, una pintura, una fotografía o dibujo, puede ser el regalo perfecto.

 

Nosotros también  queremos proponerte desde este humilde blog algunos regalos relacionados con el arte como:

1. Regalar alguna litografía, fotografía o poster que puedan gustar a niños, jóvenes o mayores y que puedes encontrar en esta dirección: https://www.ebay.es/b/Litografias/150983/bn_16586403 
   

   
   
2. Invitar a un amigo a visitar un museo o una galería. Una visita relajada que propicie la conversación y nos haga pasar un rato agradable en su compañía hablando de arte.
3. También podemos acercarnos a la Facultad de Bellas Artes que tengamos cerca (en Pontevedra la encontramos en la Rúa de la Maestranza) y allí contactar con algún alumno o alumna que estén interesados en vender algunas de sus obras.
4. Regalar una joya de Sandra Criado que tiene un especial diálogo con las piedras. Cada pieza es única, con piedras semipreciosas que sugieren naturaleza en estado puro. Sandra ha propuesto siempre en sus diseños contrastes no solo en el color, sino en las formas, acabados y texturas. Valiente en las asimetrías, un Joya by Sandra Criado no es un complemento más.
5. Busca la que encaja contigo en el show-room de la Artista en Madrid ó en su tienda online:http://bysandracriado.com/tiend 
6.  
   Pintura en seda de autor: Masseda.  La pintura sobre seda es una de mis debilidades. Tal vez por el tacto de la  seda natural. Masseda combina técnicas ancestrales de pintura en seda con una creatividad que contagia alegría, inspirada en la naturaleza y de vivos colores. Abanicos, foulards, mantones...busca tu pieza en: https://tienda.masseda-pintada.com/es/
7. Acercarnos a una tienda de Bellas Artes para comprar estuches de pinturas, acuarelas, oleos, láminas, útiles de dibujo, barro, escayola, instrumentos de escultura... Acércate, te sorprenderá y te aconsejarán. El Arte es una forma de autoconocimiento y relajación extraordinaria. No importa el nivel, fomenta la creatividad a niños y mayores.
8. Regalar una visita de un fin de semana a Vilanova de Cerveira (Portugal) conocida como a "Vila das Artes" porque en Vilanova de Cerveira la cultura y el arte tienen un espacio destacado. Además de hacer una tour por su patrimonio monumental, también podemos hacer una ruta de las esculturas, como la famosa escultura de asiento ondulado, de Silvério Ribas, que se encuentra delante de la biblioteca. Ya en la plaza principal está la escultura de un tronco y su sombra. José Rodrigues es el autor de muchas de las obras que podemos ver en este ruta por las calles de Vilanova de Cerveira. Como la que está delante del ayuntamiento: “Esforço” . Llama la atención también el extraño reloj que vemos en una de las calles: se trata de “Evolution and Theory” de Zadok Ben-David. 
   También se puede visitar el Convento de San Payo que combina a la perfección el arte y la naturaleza. Ha sido la residencia de una de las referencias más notables del arte contemporáneo portugués – el Maestro José Rodrigues. También nos podemos acercar al mirador del ciervo.  Seguramente has visto el ciervo en las alturas y nunca te has animado a subir, a nosotros nos pasaba lo mismo  pero por fin nos animamos, se puede llegar en coche y las vistas son impresionantes. Además hay un montón de rocas de dimensiones enormes y con figuras muy  curiosas que nos encantaron.
9. No te olvides que siempre es arte todo lo que tú hagas con cariño.
      
     
    
   
   
   

 

Estas navidades sorprende a todos tus amigos y familiares, regalando creaciones innovadoras y originales, regalando una navidad con arte.

 

 

 



ARTE GEOMÉTRICO

 Equipo 57: del Round Point a la galería Guillermo de Osma.

La Galería Guillermo de Osma presenta una exposición dedicada al Equipo 57, agrupación artística activa entre 1957 y 1962, una de las pioneras, más importantes y con mayor trascendencia internacional del arte geométrico en nuestro país.

 

La exposición está compuesta por 25 obras entre óleos, gouaches y esculturas de sus miembros esenciales Agustín Ibarrola, Ángel Duarte, Pepe Duarte, Juan Serrano y Juan Cuenca, entre otros.

 

Las pinturas y esculturas que se exponen en la galería Guillermo de Osma constituyen un completo recorrido de la trayectoria artística del Equipo 57. Sin perder nunca sus ideales y principios plásticos originales, su estética evoluciona hacia posiciones cada vez más sintéticas. De las complejas y angulosas composiciones de 1957, derivan en 1958 y 1959 en obras donde la curva sustituye a la recta, y los planos de colores ocupan espacios más amplios y regulares. La composición tiende cada vez más hacia la búsqueda de un solo movimiento que gobierne la obra, y siguiendo ese camino de síntesis, en los años 60 la simetría adquiere un papel cada vez más preponderante en obras modulares compuestas a base de repetición rítmica de elementos.

 

Con motivo de la exposición se editará un catálogo donde se reproducirán todas las obras expuestas, con dos textos de los especialistas Geraldine Mercier y Ángel Llorente.

 

 

 

EQUIPO 57

 

Equipo 57 se constituye en el año 1957, y nace como un lugar común de creación y experimentación artística, a lo largo de su existencia colaborarán en él un amplio número de artistas. De todos ellos- por su continuidad y su implicación en proyecto- han quedado como miembros fundamentales los artistas Agustín Ibarrola, Ángel Duarte, Pepe Duarte, Juan Serrano y Juan Cuenca. La agrupación expone por primera vez en la el café La Round Point de París. Ahí conocen a Denise René, y entran a formar parte de la nómina de artistas de la galería que lleva su nombre en París, sin duda el gran centro del arte geométrico y cinético a nivel mundial durante la segunda mitad del siglo XX.

 

Se convierten de ese modo en una de las propuestas artísticas españolas más importantes y con mayor proyección internacional. A lo largo de su existencia expondrán en París, Madrid, Copenhague, Córdoba y Zúrich.

 

Una vez disuelto el grupo, se han realizado numerosas exposiciones antológicas, destacando en el MNCARS en 1993 y en Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en 2008.
 

Equipo 57 se origina como reacción al expresionismo abstracto, muy en boga en el panorama artístico de entonces. Nacen precisamente el mismo año que se funda el grupo El Paso en Madrid, pero a diferencia de éste último, las obras no están pintadas individualmente por cada uno de sus componentes. Todas las piezas están ideadas en conjunto y no llevan la firma de ninguno de los integrantes, desapareciendo el artista en pos de un fin común capaz de generar una obra de arte carente de todo elemento de expresión individual o emocional.

La intención del Equipo 57 es llevar a cabo un trabajo de integración artística y síntesis geométrica para crear una obra de arte absolutamente racional. Esta línea conceptual y estética recuerda mucho a los movimientos geométricos de principios de siglo XX, como el Constructivismo y el Suprematismo ruso o el Neopasticismo de Mondrian y Van Doesburg.

 

Precisamente, sus composiciones geométricas se alejan de un modo radical de cualquier tipo de arte representativo, y se acercan al Arte Concreto creado por el propio Van Doesburg en el mismo París hace casi 30 años, y que en la década de los 50 siguen las agrupaciones artísticas más radicales de Argentina, Brasil o Suiza, donde el arte y una ética cargada de una componente revolucionario-social caminan de la mano.

 

La obra de arte es portadora de un mensaje utópico y renovador, alejando de cualquier objetivo comercial. A lo largo de su existencia, también amplían su campo de acción a otros ámbitos, como son la escultura, de la que la galería expone tres ejemplos, y las artes aplicadas, especialmente muebles.

 

 

 

Cuándo:	29 nov de 2018 - 18 ene de 2019
Precio:	Entrada gratuita
Dónde:	Guillermo de Osma / Claudio Coello, 4 - 1 izq. / Madrid, España
Organizada por:	Guillermo de Osma
Artistas participantes:	Equipo 57

CAIXAFORUM BARCELONA

MONTMARTRE FUE EL DENOMINADOR COMÚN GEOGRÁFICO PARA MUCHOS DE LOS ARTISTAS INCLUIDOS EN ESTA EXPOSICIÓN.

 

 

Las calles, los cabarets y los cafés del barrio de Montmartre fueron escenario de una explosión creativa, marcada por la bohemia y la vanguardia de la mano de jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron a lo establecido. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 - Château Malromé, 1901) y otros artistas como Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard contribuyeron a este florecimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía.

 

La exposición, que consta de más de 350 obras con préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas, representa un viaje por el París bohemio de entre siglos. Una muestra multidisciplinar para comprender el papel fundamental que el espíritu de Montmartre tuvo en el desarrollo del arte moderno, y la manera en la que Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos influenciaron en la evolución de la producción artística efímera: carteles, ilustraciones, impresiones y diseños, que expandieron a nuevos públicos el espíritu bohemio y las creaciones artísticas.

 

        

 

UN BARRIO TRANSFORMADOR
 

En 1880, Montmartre era una zona marginal y peligrosa apartada de París que empezó a atraer a numerosos jóvenes creadores. Los artistas Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Pierre Bonnard y Henri-Gabriel Ibels, los intérpretes Aristide Bruant e Yvette Guilbert, los escritores Émile Goudeau, Alphonse Allais y Alfred Jarry, y los músicos Erik Satie, Vincent Hyspa y Gustave Charpentier se mudaron allí. Todos ellos querían vivir gastando poco, trabajar en el París bohemio y evitar el centro burgués de la capital francesa. Montmartre fue el denominador común geográfico de muchos artistas, que contribuyeron activamente a definir la estética vanguardista de la época.

 

Las propias calles de Montmartre y el entretenimiento que se encontraba en los cabarets, los teatros, los cafés concierto y los circos era una fuerte inspiración para los artistas. No solo asistieron a los espectáculos y participaron en ellos, sino que empatizaron con los vagabundos o las prostitutas, y se veían a sí mismos al margen de la sociedad establecida. El lado más oscuro de la vida de fin de siècle quedó plasmado en la obra de numerosos talentos. Toulouse-Lautrec representa una figura clave para enlazar a los artistas e intelectuales que situaron Montmartre en el punto de mira de la transgresión y la vanguardia de finales del siglo XIX.

 

HASTA EL 20 DE ENERO

 

 

BELLAS ARTES PONTEVEDRA

    "Noten que hay barro en la suela de los zapatos"

Exposición "Noten que hay barro en la suela de los zapatos" de los alumnos del Master en Arte Contemporáneo: Aida López Fernández, Chiño Eirín, Iván Graña, Brais Romero, Ana Puga, Alicia Martínez, Maray, María José y Alexandra Rey.

Hasta el 30 de Diciembre en la Sala X de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra.

De lunes a viernes de 12 a 14 h y de 18 a 20 h

Belas Artes estrea unha nova instalación artística no seu patio

A obra do norteamericano Paul E. Guy propón unha sinxela estrutura de observatorio de paxaros

A Facultade de Belas Artes estreou este venres unha nova instalación artística no seu patio. Trátase de Birdwtching, unha peza do norteamericano Paul E. Guy, artista e xefe de montaxes do Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, na que se se presenta unha sinxela estrutura de observatorio de paxaros, explorando así o valor da cabana, tanto como refuxio como dispositivo expositivo. A presentación da obra contou coa participación do propio artista; da comisaria e crítica de Arte Ánxela Caramés e a decana do centro, Silvia García, quen explicou que a peza vai permanecer no patio da facultade durante tres meses, se ben non se desbota a posibilidade de que poida prolongarse un pouco máis, “xa que, aínda que non sexa unha instalación permanente, ten solidez suficiente para aguantar durante máis tempo”.

 

 

 

O proxecto Birdwatching presentouse na Cidade da Cultura o pasado mes maio, formando parte da exposición (Reb)veladas na Paisaxe, un ciclo de tres intervencións artísticas nos espazos naturais do Gaiás. Unha vez finalizada esta exposición, o autor empregou esta peza como eixe central dun dos obradoiros do Campus Crea: Fab-Lab no campo expandido. Planificar-construír, un taller impartido na facultade ao longo do mes de novembro por Guy e Caramés, e no que buscaban achegar aos e ás participantes á planificación e construción de instalacións artísticas. “Participaron no obradoiro estudantes de distintos cursos da Facultade de Belas Artes e eles foron tamén os que axudaron na montaxe”, explicou a decana, ao tempo que fixo fincapé en que a obra serviu como caso de estudo, pois durante o taller tivo lugar todo o proceso de reconstrución abordando así “as distintas fases e aspectos técnicos e de montaxe que é preciso ter en conta para o desenvolvemento dun proxecto artístico complexo”.

 

 

“A propia peza ten unha serie de fichas que se cobren polos visitantes

 

Agora a idea é que a instalación se integre no uso do patio, converténdose así nunha nova infraestrutura para a facultade. Neste senso, durante a presentación fíxose fincapé en que o seu uso está destinado a calquera visitante e animouse ao alumnado do centro a participar no desenvolvemento de novos contidos que reflexionen e reflictan as súas impresión sobre o contexto urbano e académico no que está situado. “A propia peza ten unha serie de fichas que se cobren polos visitantes, e isto é algo no que afondaremos nas clases, pois é un bo exemplo para falar de como o contexto museístico das obras e de como un cambio de localización modifica total ou parcialmente parte do seu significado”, recalcou García.

 

A presentación ao público da obra pon, a xuízo do autor e da comisaria, o broche de ouro a un taller no que se lle deu ao alumnado da facultade a posibilidade de desenvolver diferentes competencias ligadas á planificación e construción de instalacións artísticas, analizando as distintas fases do proxecto, utilizando para isto Birdwatching como caso de estudo.  “Para nós é importantes destacar que o autor da obra, Paul Guy, leva dez anos traballando nas montaxes das exposición do Marco de Vigo. Con isto quero enfatizar que para o noso alumnado un dos aspectos máis importantes do obradoiro foi estar traballando con profesionais que lles falaron das circunstancias reais do ámbito profesional”, explicou a decana, que quixo tamén salientar o feito de que Guy, alumno do Máster de Arte Contemporánea, cede así unha das súas obras para uso do público.

BANKSY EN MADRID

El arte callejero de Banksy desembarca en Madrid por el día de la Constitución

Entre las obras que se pueden ver en Ifema, se encuentra la serigrafía original de la serie «Niña con globo». Una pieza similar a la recientemente destruida por el propio artista en Sotheby’s

 

Imagen de la exposición «Banksy: Genious or Vandal?»

La obra de Banksy, uno de los artistas más relevantes y enigmáticos del momento, desembarca en Madrid por primera vez en la historia con una exposición no autorizada el  día de la Constitución. La exposición ha llegado prácticamente por sorpresa y tendrá por nombre «Banksy: Genious or Vandal?».

 

Se sabe que estará conformada por unas 70 piezas -algunas estarán a la venta- entre obras originales, esculturas, instalaciones, vídeos y fotografías. Todas forman parte de los fondos de coleccionistas privados. Entre las obras más representativas que poblarán los muros de Ifema, en concreto del Espacio 5.1, se encuentra la serigrafía original de la serie «Niña con globo». Una pieza similar a la recientemente destruida por el propio artista en Sotheby’s, la casa de subastas de Londres.

 

«Hemos intentado que la exposición contextualice todo el proceso de creación de Banksy. De este modo, en el Espacio 5.1 de Ifema, el visitante podrá ver audiovisuales en los que se explica cómo trabaja el artista. También habrá un espacio en el que se recrea su estudio, que es el lugar en el que diseña las serigrafías», explica a este diario Rafael Jiménez, director de Sold Out. Esta es una de las promotoras, junto a IQ Art Management, que ha hecho posible que la obra del británico llegue a la capital de España.

Recreación del estudio de Banksy

 

La muestra, que estará abierta al público hasta el día 10 de marzo, ha cosechado con anterioridad un gran éxito en dos ciudades rusas: Moscú y San Petersburgo, donde ha sido visitada por más de 500.000 personas. «Queremos que cada visitante de esta exposición pueda resolver por sí mismo quién es realmente Banksy: ¿un genio o un gamberro?, ¿un artista o un empresario?, ¿un provocador o un rebelde?», afirma el comisario de la muestra, Alexander Nachkebiya.

 

( ABC Cultural )

 

ARTE PARA CELEBRAR LA CONSTITUCIÓN

El arte contemporáneo «okupa» el Congreso y el Senado

Juan Muñoz. Su instalación «Cinco figuras sentadas» se halla en el vestíbulo principal del Congreso

El Museo Reina Sofía cede a ambas Cámaras obras de 43 artistas españoles para conmemorar el 40 aniversario de la Constitución

 

 (ASÍ CUENTA LA NOTICIA EL ABC CULTURAL)
 

Arte y poder siempre han mantenido unas relaciones tan cercanas como complejas. Antes fueron Reyes y Papas quienes encargaban obras a los principales artistas de la época para decorar palacios e iglesias. Son célebres las relaciones de Carlos V y Felipe II con Tiziano, de Felipe IV con Velázquez y Rubens, las tensiones entre el Papa Julio II y Miguel Ángel... A partir del XIX, los palacios e iglesias fueron sustituidos por museos, que coquetean con el poder. Como el Reina Sofía. Parte de sus fondos cuelgan en zonas, públicas y privadas, de Moncloa (Tàpies, Esteban Vicente, Teresa Lanceta) –la selección varía según los gustos del inquilino de turno–, en ministerios, embajadas como la de Washington... Y,  hasta el 2 de marzo de 2019, luce parte de su colección en el Congreso y el Senado. La iniciativa, que partió de la presidenta de la Cámara Baja, Ana Pastor, se suma a los actos conmemorativos de los 40 años de la Constitución.

 

Daniel García Andújar. Dos de los 196 informes del FBI sobre Picasso, al que espió por comunista

 

El portugués João Fernandes, subdirector de la pinacoteca, es el comisario de esta doble exposición, coordinada por Carlota Álvarez-Basso y que ha sido organizada por el Museo Reina Sofía, las Cortes Generales y Acción Cultural Española (AC/E). Se ha seleccionado obra de 43 artistas españoles (23 hombres y 20 mujeres; paridad obliga), cuyo trabajo se ha desarrollado en las últimas cuatro décadas, y que quedan repartidos entre las Cámaras Alta y Baja. Todos ellos reflexionan con sus trabajos –hay pintura, escultura y fotografía, vídeo, instalación y performance– sobre conceptos como poder, libertad, democracia, identidad o memoria.

 

Colita. En la Cámara Baja cuelgan algunas imágenes de la fotógrafa catalana (en la imagen, junto a Ana Pastor)

 

Primera parada: Congreso de los Diputados.

 

Fuera se ha instalado una pieza en la que el malagueño Rogelio López Cuenca «juega» con las señales de información, una iconografía del poder difícil de descifrar. Si uno no se fija, pasa por una señal más de las miles que hay en las calles de la capital. Ya en el interior, nos recibe en el Salón de los Pasos Perdidos su presidenta, Ana Pastor; acompañada por Ibán García del Blanco, presidente de Acción Cultural Española (AC/E), y Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía. En el centro de este espacio, sobre una mesa noble, una pieza del siempre crítico Juan Luis Moraza: ha impreso el Estatuto de los Trabajadores sobre sábanas de raso. Ana Pastor se muestra encantada con que obras del Reina Sofía, «el Museo de la Democracia», se expongan en el Congreso, «sede de la Soberanía Nacional y la Casa del Pueblo». En el vestíbulo principal, cinco figuras conversan ante un espejo. Una pieza de conversación, en un lugar donde el diálogo y el consenso deberían ser santo y seña. Aunque parece harto difícil entenderse en estos tiempos . Es una instalación del desaparecido Juan Muñoz, uno de los primeros artistas españoles en saborear el éxito internacional. Testigos mudos de la pieza del escultor madrileño, la Constitución de 1812 y una estatua de la Reina Isabel II.

 

Juan Luis Moraza. El artista imprimió el Estatuto de los Trabajadores en sábanas de raso. La obra, en el Salón de los Pasos Perdidos del Congreso

Espías en la Sala del Reloj

Las obras de arte adquieren interpretaciones y significados distintos dependiendo de donde se expongan. De eso sabía mucho Duchamp, quien elevó un urinario a categoría de arte al exhibirlo en un museo. Advierte Borja-Villel que «los museos y galerías no siempre le sientan bien a los artistas. Es natural que estén en lugares como éste». En la Sala del Reloj hay una pantalla en la que aparece escrito todo lo que se habla en ella. Nos «espían» desde la contigua Sala de la Constitución. Es una intervención de Dora García. Se ha unido a la comitiva la fotógrafa catalana Colita, presente en la muestra. «Es usted una estupenda presidenta», piropea a Ana Pastor. Bajamos a los sótanos del edificio, justo bajo el Hemiciclo, un espacio laberíntico que ha sido remozado. Antes era un almacén de muebles. «Si de mí dependiera, dedicaría estas salas a exposiciones temporales y un área de interpretación, donde se podrían escuchar discursos de los políticos y conocer la Historia de España». Ahí conviven obras de Cristina Iglesias, Concha Jerez, una poética instalación de Esther Ferrer hecha con sobres de papel, imágenes de Colita (manifestaciones, una serie sobre gitanos...) o un vídeo de Pedro G. Romero en el que pone a bailar a Israel Galván en un piso «liberado» del régimen de protección oficial. Daniel García Andújar, por su parte, rescata los informes secretos desclasificados por el FBI sobre Picasso, a quien espiaba por ser comunista, mientras el malagueño triunfaba en el MoMA.

 

 

Elena Asins. Obras de la artista se exhiben en una vitrina en la Biblioteca del Senado, que fue diseñada por su abuelo, Bernardo Asins

Segunda parada: el Senado.

 

La Cámara Alta atesora una importante colección de pintura histórica española, que tiene expuesta. Su presidente, Pío García Escudero, felicita al comisario por la selección de las obras y el mérito de adaptar unos espacios tan complicados. La gran protagonista es Elena Asins, que toma los espacios más nobles de la institución. En la espléndida biblioteca, diseñada por su abuelo, se muestran algunas de sus obras. La última antes de su muerte, «Antígona» –heroína griega que representa la rebeldía ante el poder– se proyecta en la Sala de Sesiones, lugar donde se celebraron las sesiones del Consejo Nacional del Movimiento. No podía faltar Juan Genovés, presente con un cuadro de 1975, año de la muerte de Franco, en el que retrata a gente corriendo en una manifestación antifranquista. Su mítico «Abrazo» ha vuelto temporalmente al Reina Sofía para una muestra. Hay espacio también en el Senado para la Movida (Alberto García-Alix y Manuel Trillo), las reivindicaciones feministas (Fina Miralles y Patricia Gadea), las figuras antropomorfas de Francisco Leiro (ocupan el vestíbulo), coloristas pinturas de Gordillo, Sicilia, Campano, Uslé, Lamazares... y unas aguatintas de Miquel Barceló.

 

 Habrá visitas guiadas, de 45 minutos, en el Congreso y el Senado, hasta el 2 de marzo, los lunes y sábados, en turnos de 30 personas. El proyecto se completa con una tercera exposición, «Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la transición», esta vez en la propia sede del Reina Sofía, que los Reyes inaugurarán el lunes.

 

Tres esculturas de Francisco Leiro en el vestíbulo del Senado

 

 Congreso de los Diputados y Senado.

 

Del 1 de diciembre al 2 de marzo de 2019.

Lunes: de 10 a 14 h. y de 16 a 18 h.

Sábados, de 10 a 14 h.

Entrada gratuita.

Visitas previa inscripción en: www.congreso.es y www.senado.es

 

( ABC Cultural )

DIEGO VITES

  Diego Vites trae á Sala Alterarte a súa instalación       'Médrame vulto'

Diego Vites

A Sala Alterarte do campus de Ourense acolle  a exposición Médrame vulto, do artista DIEGO VITES e comisariada por Ania González. Trátase dunha instalación “voluminosa” na que o artista pon en interacción diferentes obras da súa traxectoria para trasladar ao público as súas “derivas especulativas” fraguadas entre Ecuador, Illas Canarias e Galicia.

 

Imaxe da inauguración

 

 

A mostra, que estará aberta ata o 1 de febreiro de 2019, foi inaugurada este mércores coa participación de Esther de Blas, vicerreitora do campus de Ourense; Xosé Manuel Buxán, director da Sala Alterarte; o artista Diego Vites e a comisaria Ania González. A súa chegada ao campus de Ourense faise no marco do proxecto expositivo desta sala Estado Crítico 4. 14 Curadores 14 Artistas, na que 14 comisarios e comisarias elixen a outros tantos artistas para realizar as súas respectivas exposicións en Alterarte.

 

 

 

 

Paixóns que medran

 

“Á noite recolléndome a durmir, sentín sobre min un vulto pesado e espantoso, que aínda que me fixo espertar, quedei como atados os sentidos, sen poderse a alma desembarazar, aínda que me parece estaba moi en min, e procuraba botalo con toda a forza, polas moitas tentacións que me traía”. Estas palabras da monxa colombiana Francisca Josefa de la Concepción del Castillo de 1942 son as que inspiran a mostra inaugurada este mércores no campus e así queda plasmado nela. Tomando a idea destas “paixóns” que vivían as monxas e contra as que intentaban loitar, na mostra o creador sinala como tratou de “abandonarse a ese vulto que medra por riba dun e metelo todo na sala”.

 

 

  

Sobre a exposición, o seu creador comenta como se trata dunha “instalación conxunta de varias pezas que forman tres bloques, unha instalación compacta na que esas pezas que individualmente formaron parte doutras exposicións aquí se resignifican e nese xuntarse contan unhas microhistorias”.  Así, composicións de imaxes relacionadas con Ecuador, Galicia e Illas Canarias, considerados tanto como escenario reais como conceptuais, trasladan á Sala Alterarte cuestións do “devir migratorio” do seu creador. “Fago a miña obra en relación aos paralelismos que atopo e as especulacións que manteño entre estes tres puntos. Uso dalgunha maneira a miña historia persoal e a historia destes lugares. A mostra é o vulto onde se xuntan todas esas paixóns”, comenta Diego Vites.

 

 

 

O creador sinala como na elaboración da súa obra traballa moito coa investigación en contextos artísticos desligados da arte contemporánea, como poden ser artesáns ou a tradición popular.

 

 

 

“Traballo con eles pezas que logo se integran no circuíto da arte contemporánea”, comenta. Tamén, indica, na mostra “hai moito apropiacionismo doutros artistas, doutras pezas”.  Como exemplo Vites apunta como na exposición se inclúe unha peza feita en colaboración cun pintor indíxena de Ecuador na que as figuras do entroido ourensán se integran na cosmovisión dese pintor e do folclore do país latinoamericano. Por último, o artista tamén salienta como coa instalación ubicada na Sala Alterarte quixo “escapar de exposición máis sutís, máis discretas” e facer unha “obra máis voluminosa, unha parte máis instalativa” aproveitando as posibilidades da proximidade do seu taller en Santiago de Compostela.

 

 

 

A visión da comisaria

 

Segundo explica a comisaria da mostra, “Médrame vulto é unha forma soa en permanente zona de cruce entre territorios periféricos que atravesan a Diego Vites: as Illas Canarias, Ecuador e Galicia e trastornan a súa mirada nunha máquina especulativa que non cesa de alucinar no seu relato. Guanches, droga, Colón, pedras, danzantes, prostitutas e pintura. Un vulto que, como o que espantaba á monxa latinoamericana Madre Francisca Josefa de la Concepción del Castillo no século XVIII atándolle os sentidos, ata tamén aquí as narrativas expositivas, aínda as menos hexemónicas, que non deixan de impoñer, cada vez que afrontamos unha montaxe, a súa soberanía formal”. A proposta do artista Diego Vites, engade Ania González, “traslada o estado actual, en bruto, da busca estética do artista no interior da súa propia historia, a presenza, en vulto, do seu pensamento-acción”.

 

Ania González e Diego Vites

 

NUEVO ESPACIO CULTURAL EN VIGO

Cubo: 90 m2 de cultura para Vigo

Vigo acoge un nuevo espacio, nexo de creatividad  y dinamismo ciudadano surgido de la iniciativa de un particular, Alfons Freire, un boucense retornado, con alma de artista



El interés por los movimientos sociales y la inquietud de Alfons Freire lo llevaron a crear “Cubo”, un espacio socio-cultural, cedido a asociaciones que contribuyen a su mantenimiento y a artistas para intervenir el propio contenedor con sus obras. “Mi objetivo final no es sacar beneficios, solo aspiro a no perder dinero, pretendo que se mantenga de forma independiente porque tampoco soy una ONG”.

La magia del local en Doutor Cadaval, 17 B, conquistó a Freire, profesor universitario de filosofía reconvertido en diseñador gráfico. “Me metí en esto casi sin darme cuenta, me llamó la atención el bajo, con unos ventanales muy estéticos en lugar de escaparates, se usaba como sala de exposición”. Y es que la propietaria es otra artista, la pintora viguesa Amelia Palacios. En esta atmósfera creativa, Freire alquiló el local para instalar su estudio en la planta superior y dejar la inferior como galería. “Llevo algo más de un año de vuelta en la ciudad y sabía que habían cerrado varias salas, tenía la oportunidad de abrir una sin la exigencia de vender porque lo que me mantiene es el negocio de arriba”.

Integrante del foro cultural Ateneo Atlántico, ofreció a sus compañeros el espacio para reuniones y pequeños debates. Ahora utilizan la sala regularmente, al igual que otros colectivos como Os Ninguéns, Modepen, Caín o Encontro pola Cultura. “Unos han traído a otros, porque la gente de los movimientos se conocen entre sí, el proyecto fue aumentando y alcanzó la mitad del piso superior, ahora me he quedado enclaustrado en 30 metros cuadrados, espero que no acaben echándome”. Con sentido del humor, Freire reconoce que invierte tiempo y esfuerzo de forma altruista, pero  entra en su filosofía de vida: “Si pretendiésemos convertir en dinero todo lo que hacemos, estaríamos perdidos”.

 

PROYECTO ARTÍSTICO

 Cubo lleva funcionando varias semanas, pero este viernes se dió a conocer oficialmente. Para la ocasión contó con la exposición inaugural “A imaxe na parede” de tres artistas: Pilar Alonso, Yolanda Carbajales e Iria Vázquez. “Recién llegado a Vigo, no conozco a nadie, a ningún artista local, eso me permite valorar la obra de una forma más intuitiva, ingenua, sin un currículum que condicione; la pintura de Pilar Alonso la conocí porque vi un cuadro inmenso en un establecimiento de rotulación y me llamó la atención”.

Asesorado por el comisario y crítico de arte, Carlos Bernárdez, compañero en el Ateneo, diseñó un programa artístico basado en las intervenciones en el espacio de autores invitados: “La sala es pequeña, por lo que no se trata de llenar paredes”. Pilar Alonso ya trabaja en su siguiente proyecto: establecer un itinerario creativo entre Cubo, el puente de López de Neira y un vivienda situada en esa calle. Otra de las propuesta de Cubo será el ciclo “Bigo-Varcelona”, con artistas locales y de la Ciudad Condal.

AÍNDA ESTAMOS A TEMPO

II Congreso de Arte de Acción. Fugas e interferencias

Presentación do programa

 

Unha conferenciante chegada desde Polonia e a participación nas súas diferentes mesas de investigadores e investigadoras procedentes de México, República Dominicana, Romanía e Estados Unidos constatan a aposta de Fugas e Interferencias, o congreso dedicado á arte de acción que promoven os investigadores da Facultade de Belas Artes Carlos Tejo, Marta Pol e Alba Blanco, por converterse en internacional na súa terceira edición. A Casa das Campás e o Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) serán, entre o 29 de novembro e o 1 de decembro, as sedes deste foro dirixido a promover unha reflexión teórica sobre unha disciplina pouco abordada desde o ámbito académico, que, un ano máis, completará as súas conferencias plenarias e mesas de comunicación cunha serie de performances, tanto nas rúas de Pontevedra, no mediodía dos xoves 29, como no CGAC, onde o venres 30 e sábado 1 terán lugar as accións de Amaya González Reyes e Berio Molina.

 

Performance de Ana Gesto no 2013

 

 

“Ese anos fixemos un esforzo e decidimos abrinos ao internacional”, sinalou Carlos Tejo, cando presentou na Casa das Campás o programa deste congreso  que viviu nesta edición un aumento do número de comunicacións presentadas polos investigadores e investigadoras. A reflexión teórica sobre a arte de acción; a natureza híbrida desta disciplina e a incorporación de estratexias procedentes do teatro contemporáneo, a videoarte e a danza; e as posibles interseccións entre a arte de acción e o contexto político, a perspectiva de xénero e o feminismo constitúen os tres eixos en torno aos que se articularon as seis mesas de presentación de comunicacións, nas que preto de 20 investigadores e investigadoras abordarán esta arte desde múltiples disciplinas, incluíndo campos como “as relacións da performance coa tecnoloxía ou mesmo cos videoxogos” ou o seu uso “como ferramenta política”, explicou Tejo.

 

Performance

 

 

Da reflexión teórica ás accións do alumnado

 

Por primeira vez, unha destas mesas, moderada pola investigadora en artes escénicas contemporáneas Alicia Corral, desenvolveuse na Casa das Campás, o xoves 29 ás 11.00 horas, despois do acto inaugural e da presentación do libro de actas da segunda edición do congreso.  Rematada esa primeira mesa, ás 12.30, o programa deste congreso internacional inclúe tamén unha sesión de performances a cargo do alumnado da materia Proxectos de arte de acción, que se desenvolverá nas rúas de Pontevedra e na propia Facultade de Belas Artes. 

 

Comunicacións, performances e tres conferencias plenarias no CGAC

 

Para o venres 30 están programadas as conferencias La performance ante la historia: espacios y tiempos para el arte de acción, a cargo do profesor da Universidad Autónoma de Madrid e crítico especializado Juan Albarrán, e Verde eléctrico bajando la escalera (la performance fuera de escena), das artistas e profesoras da Universidad de Castilla-La Mancha Elena Cabello e Ana Carceller, “que teñen unhas achegas á performance que nos interesaban moito polo seu seu achegamento á perspectiva de xénero”.

 

Esta reflexión teórica combinaranse así mesmo no CGAC coas accións que desenvolverán Amaya González Reyes e Berio Molina e con outra das novidades desta terceira edición, a articulación dun “espazo de reflexión crítica sobre teses de doutoramento” e que, na tarde do xoves 29, protagonizaron dúas investigadoras da Universidade de Vigo, Cynthia Bondenhorst e Paloma Recio. “Dentro da produción teórica da academia, parecíanos interesante reflexionar sobre aquelas teses de doutoramento xa lidas ou que estean en construción que se centran na performance”, engadiu Tejo desta nova mesa que, explica, nace con vontade de que teña continuidade en sucesivas edicións.   

 

 

PROGRAMA