"REB/VELADAS NA PAISAXE"

   Tres intervenciones en clave femenina en el Gaiás

'Reb/veladas na paisaxe' visibiliza la presencia de la mujer en el arte a través de intervenciones artísticas en los espacios verdes del Gaiás

 

 

"Reb/veladas na paisaxe", un nuevo ciclo de intervenciones artísticas en los espacios verdes del Gaiás con el que se procura no sólo la puesta en valor de sus zonas naturales –Bosque de Galicia y Parque del Lago– sino también darle visibilidad a la presencia de la mujer en el arte contemporáneo, incorporando una perspectiva de género que refleje la diversidad en el ámbito creativo.

 

Para afianzar esta cerna se invitó, en esta primera edición, la tres comisarias gallegas –Chus Martínez Domínguez, Anxela Caramés y Antía Cea García– que habían escogido artistas con los que les había apetecido echar andar este ciclo y eligieron a Beatriz Lobo (Vigo, 1985), Paul E. Guy (Chicago, 1967) y Maria Kulikovska (Crimea, 1988), respectivamente.

 

 

Las tres intervenciones tienen en común la invitación a una andadura artística que impulsa el descubrimiento y la experimentación de los caminantes, a través de la propia interacción con las instalaciones. Así, el Merendeiro de Beatriz Lobo, en el Parque del Lago, procura ser un incentivo socializador popular; Birdwatching de Paul E. Guy, en el Bosque de Galicia, también apela a la colaboración del/la visitante para que aporte sus experiencias en una sencilla estructura de observatorio de pájaros; mientras que, en el mismo espacio natural, las tres figuras de jabón de Maria Kulikovska están agazapadas como una manera de resistencia pasiva, pero visibles para el visitante desde el sendero. De esta forma, pretende ahondar en el exilio forzado, que la artista vivió en primera persona, al huir a Suecia en 2014 después de que un grupo terrorista ocupara un centro de arte donde ella exponía en Crimea y amenazara a todos los artistas que exhibían allí su obra.

Se intenta situar la Reb/veladas na paisaxe como “un ciclo de referencia”, tanto para la visibilidad y reconocimiento de la creación hecha por mujeres, como de intervenciones artísticas en espacios naturales. Precisamente, el titular de Cultura destacó la importancia de este nuevo ciclo para potenciar las zonas verdes y espacios naturales de la Cidade da Cultura, añadiendo un nuevo valor cultural y de ocio para Santiago y Galicia. Pero, sobre todo, se remarcó la relevancia de Reb/veladas en el paisaje para reconocerle a las profesionales gallegas el “importante papel” que juegan en la creación contemporánea.

HASTA EL 21 DE OCTUBRE

 

 

 

EXPOSICIÓN EN VIGO

 

 

 

ABSTRACCIÓN/FIGURACIÓN

GRABADO ESPAÑOL CONTEMPORÁNEO

 

El arte funciona como una forma de (auto)conocimiento,traducción y reflexión sobre el mundo; se manifiesta como una mediación de la condición humana desde un punto de vista individual/particular. El arte es, en definitiva, una búsqueda de un sentido de espacio, revelándose la obra, en consecuencia, como un lugar, un sujeto y un punto de vista.

Este aspecto revelador del arte es muy evidente en la pintura, en la escultura y también en el grabado, arte intensamente singular y de variadas técnicas que en ocasiones ha sido considerado un territorio de encuentro entre lo pictórico y lo escultórico, como demuestran muchos artistas que lo cultivaron y cultivan, en paralelo a su dedicación a la pintura o la escultura.

El conjunto de obra gráfica española contemporánea que presentamos permite una aproximación al medio desde el trabajo de 18 creadores de primera fila dentro de la modernidad pertenecientes a diferentes generaciones y estilos: desde ilustrísimos nombres de la vanguardia histórica como Joan Miró, pasando por artistas de la talla de Tàpies, Palazuelo, Esteban Vicente o Saura hasta figuras del panorama artístico internacional de nuestro riguroso presente como Manolo Valdés, Miquel Barceló o Lídia Maslloréns. Como aportación singular destaca un brillante conjunto de obra gráfica de Eduardo Chillida.

 

La selección de autores y obras permite seguir momentos relevantes del arte de las últimas décadas. Vemos así el triunfo desde los años cincuenta del pasado siglo de las corrientes informalistas y matéricas - muy bien representadas en la obra de miembros de los grupos Dau al Set y El Paso-. Con ellos el arte opta por la hegemonía del gesto, ligada a corrientes de raíz expresionista y a una actitud de contestación frente a los valores imperantes, postura que representan a la perfección artistas como Josep Guinovart, Antoni Clavé, Luis Feito, Antonio Saura o Antoni Tàpies. La obra de Saura destaca por la austeridad cromática y por su intensa reelaboración del pasado histórico y artístico mientras la de Tàpies, otra figura central de esta generación, se mueve en registros que evocan las posibilidades expresivas de la materia manteniendo siempre una intensa preocupación social.

Simultáneamente nacen propuestas abstractas diferentes, de carácter geometrizante que representan muy bien Pablo Palazuelo o Gerardo Rueda.

Otros interesantes matices de la abstracción son los que se pueden observar en la obra gráfica de Esteban Vicente o Leopoldo Nóvoa. El primero ligado al expresionismo abstracto norteamericano y el segundo con una abstracción matérica de raíz europea.

 

Desde los sesenta, la llegada del impulso pop al contexto español va a actuar en un mundo plástico que cuestionaba algunos aspectos del informalismo, estos estímulos provocan que se valoren más las corrientes geométricas como las de Eduardo Chillida, que siempre mantuvo los valores ligados a la geometría e la construcción. El conjunto de grabados de Chillida opta por la simplicidad, por la eliminación de toda retórica y prima la modulación espacial. 

 

Los sesenta son, por lo tanto, un período de apertura de corrientes (nuevos realismos, neofiguración, pop, realismo), en una apuesta por la diversidad de lenguajes que se mantendrá en buena parte de los setenta. Estos aspectos se pueden detectar en los grabados que se presentan, con tendencias entre la figuración y la abstracción en la obra de Rafael Canogar y Luis Gordillo y también en la neofiguración y el pop crítico de Eduardo Arroyo, Equipo Crónica o Manolo Valdés, con evidentes relaciones con la cultura de masas. 

 

Las generaciones más jóvenes están representadas con la figuración de ecos pop de Lidia Maslloréns e con la obra de Miquel Barceló, uno de los exponentes más reconocidos en el ámbito internacional de la vuelta de la pintura a presupuestos expresionistas que se produce en la década de los ochenta.    


 

 

EDUARDO ARROYO (Madrid, 1936 -)
 “Fausto”. 1975


ESTEBAN VICENTE (Turégano, Segovia, 1903-Segovia, 2001)
 “Sin título”


ANTONI CLAVÉ (1913-2005)
 “Quatre punts marró”


PABLO PALAZUELO (Madrid, 1916-2007)
 “Sigilla III”  1977

 

ANTONI TÀPIES (Barcelona, 1923-2012)
 “Cruz y mano”  1988

 

LUIS FEITO (Madrid, 1929 -)
 “Sin título” C. 1970

 

GERARDO RUEDA (Madrid, 1928-1996)
 “Tricolor”  1984

 

ANTONIO SAURA (Huesca, 1930-Cuenca, 1998)
 “El Perro de Goya”  1972


 

LÍDIA MASLLORÉNS (1967 -)
 “Sin título”  2017

 

AJOAN MIRÓ (1893-1983)
 "Quatre colors aparien el mòn: one plate" 1975

 

 

 

 

ARCOLisboa 2018

ARCOlisboa se afianza en su tercera edición y convierte la capital lusa en "nueva escena del arte contemporáneo"

 

Pintura y escultura compartieron protagonismo en la tercera edición de esta "feria boutique", abierta hasta ayer domingo 20 de mayo.

 

 Nuno Nunes Ferreira con su "Verano caliente"

 

Desde el miércoles 17 y hasta el  20 de mayo, IFEMA y la Câmara Municipal de Lisboa presentaron en la Cordoaria la tercera edición de ARCOlisboa, una cita que ha venido a ocupar el vacío de la extinta ARTE LISBOA y que busca potenciar los diálogos entre la creación portuguesa y la presentada en la feria por galerías internacionales. Este año fueron 71 las salas participantes, llegadas de catorce países, lo que supuso un incremento de algo más del 22% respecto a las cifras de 2017.

 

Un momento de la «preview» de ARCOlisboa 2018 para los coleccionistas - Ifema

 

Algunas de esas galerías presentaron en Portugal proyectos individuales, dedicados entre otros a Esther Ferrer (Àngels Barcelona), José Carlos Martinat (Revólver) o Mónica de Miranda (Carlos Carvalho), y otras se sumaron a la sección Opening, que este año se presenta por segunda vez en ARCOlisboa agrupando a salas de trayectoria breve: son una docena y han sido seleccionadas por João Laia. Varias de ellas repitieron, pero también hubo estrenos, como los de las lisboetas Balcony y Uma Lulik y los de Rolando Anselmi (Berlín/Roma), Bombon (Barcelona) o Copperfield (Londres). La ganadora del primer Premio Opening en el marco luso ha sido la sala polaca BWA Warszawa.

 

"Carne incruenta", de Rui Chafes

 

El resto de las galerías en la feria, 51, formaban parte de su Sección Oficial. En ella encontramos las propuestas de los principales espacios lusos y también las de Krinzinger (Viena), Helga de Alvear (Madrid), Carreras Mugica (Bilbao) o Greengrassi (Londres), que acudieron por primera vez a ARCOlisboa.

 

Como ocurre en febrero en Madrid, las editoriales independientes también se han sumado a la cita lisboeta en su apartado As Tables Are Shelves, bajo el comisariado de Luiza Teixeira de Freitas. La organización nos recordaba que esta sección es un buen escenario para los interesados en empezar a coleccionar a partir de creaciones en ediciones múltiples.

 

Daniel de Paula
Estrutura Espacial Indissoaciável, 2016

 

Y en el marco de ARCOlisboa también se habló, a fondo, de coleccionismo, museos y del devenir de las ferias de arte contemporáneo. En el Torreão Nascente, se desarrolló un Foro de Coleccionismo y otro de Museos donde se estimularon los contactos entre profesionales del sector portugueses e internacionales. Lo mismo ocurrió en el II Encuentro de Museos de Europa y Latinoamérica, dirigido por Pedro Gadanho, responsable del MAAT.

 

Por su parte, la comisaria Filipa Oliveira conversó, en uno de los patios de la Cordoaria, con una decena de profesionales sobre los proyectos que están desarrollando. La iniciativa se llamaba En qué estou a trabalhar?  y permitió a los asistentes conocer los temas de interés e investigación actuales de los principales comisarios y directores de instituciones.

 

 

DE EXPONER EN INSTAGRAN A PINTAR GENTE FAMOSA

Con un retuit empezó todo. Al artista mallorquín René Álvarez Mäkelä aún le cuesta asimilar que sus obras hayan viajado de su sencillo estudio de pintura, una antigua carnicería en el cosmopolita barrio de Santa Catalina de Palma, hasta las mansiones de estrellas del fútbol americano como Cam Newton o modelos como Cara Delevigne. El retuit del periodista Andreu Buenafuente a la fotografía de uno de sus cuadros, le llevó a recibir encargos del campeón del mundo de motociclismo Jorge Lorenzo. Y a partir de ahí, se produjo un efecto dominó en redes sociales, como Instagram, que ha culminado con un trabajo para el hospital que la fundación Raising Malawi, impulsada por Madonna en Malaui.

 

“Instagram me ha permitido saltar la barrera física y llegar a rincones que de otra forma habría sido imposible”, dice el pintor de cuarenta años, cuyas obras —de grandes dimensiones en colores flúor y centradas en retratos hiperrealistas de personajes célebres— decoran las paredes de la mansión londinense de Cara Delevigne. Tras estudiar publicidad, comenzó una carrera profesional como guionista en programas y documentales hasta que un paro laboral en el mundo televisivo le llevó a retomar lo que entonces era un hobbie: pintar obras enmarcadas en el “pop street art”. Trabajos que ahora vende a celebrities por un precio que prefiere no desvelar. “Jorge Lorenzo vio un retrato en tonos flúor que hice de Salvador Dalí y se puso en contacto conmigo a través de un mensaje privado de Twitter. A raíz de eso me encargó otro de Michael Jackson y uno de Michael Jordan”, relata Álvarez Mäkelä.

Su primer acercamiento con el mundo de la fama ocurrió cuando la modelo Cara Delevigne publicó en Instagram la fotografía de uno de sus trabajos, en el que ella era la protagonista. Se convirtió en viral: “Vio uno de los cuadros que pinté con su cara a través de la redes sociales y contactó conmigo para pedírmelo porque le había gustado mucho y lo quería para su casa de Londres. Puso la foto en Instagram, donde tiene 40 millones de seguidores, y fue una locura”. La publicación tuvo más de 450 mil “me gusta” y su celular comenzó a sonar de manera imparable. Fue esa publicación de la modelo y actriz la que provocó el salto de sus obras al otro lado del Atlántico, donde llegó a la estrella de la NBA Austin Rivers, jugador de Los Ángeles Clippers: a través de un mensaje privado le pidió un cuadro de Mohamed Ali de más de dos metros de altura.

 

Y el arte se hizo viral

 

Los encargos y las publicaciones en redes sociales pusieron de moda sus obras entre los deportistas americanos. En pocos meses,  Álvarez Mäkelä pintó un lienzo para Cam Newton, jugador de la NFL e imagen de la firma Under Amour; un cuadro de más de tres metros sobre Mohamed Ali para el jugador de béisbol y ex novio de Rihanna, Matt Kemp; y dos cuadros basados en retratos de Basquiat para los jugadores de béisbol Manny Machado y Yonder Alonso. Además comenzó a recibir muchos encargos de otros jugadores de baloncesto y fútbol americano. “Si no tengo la presión de una fecha concreta, tardo algo más de un mes en pintarlos. Por sus grandes dimensiones, envío las obras a Estados Unidos desmontadas. Después, me desplazo para colgarlos en las paredes elegidas”, cuenta Álvarez Mäkelä.

 

 

 

Con tanta viralidad, su obra llegó a ojos de Madonna, que pidió a su fundación Raising Malawi que se pusiera en contacto con el artista para encargarle dos enormes murales para dotar de arte las paredes del hospital que estaba terminando de construir en el país. “Fue todo muy rápido. Me lo pidieron, mandé una idea y a ella le encantó. En una semana lo tramitaron todo para que fuera a pintar a Malaui.", explica el artista. "Al llegar estaba yo solo con dos enormes paredes y tuve que trabajar 13 horas al día para poder llegar a la fecha de inauguración del centro”, añade. 
 

Madonna describió al artista como un “perfeccionista al máximo” después de que supervisara personalmente cada pequeño avance de la obra. “Ahora tengo pendiente de entregarle un cuadro para su casa de Lisboa”, cuenta. En un futuro le gustaría trasladarse a pintar dos o tres meses al año a Estados Unidos y exponer en galerías alguna de sus obras. De momento es complicado: "No tengo nada que exponer porque, por suerte, todo lo que pinto ya tiene dueño”.

 

 

 

 

 

" AFTER ZONA F"

Una exposición en Restauración reflexiona sobre la sexualidad

La Escola Superior de Conservación e Restauración de Bens Culturais de Galicia (Xeneral Martitegui s/n, 36002 Pontevedra) acogió  la inauguración de "After Zona F", una exposición comisariada por la alumna de la Facultad de Bellas Artes Iris Lucía Cepeda que reúne las obras de once artistas, buena parte de ellos estudiantes y ex-alumnos de la facultad, que abordan cuestiones como el cuerpo, la sexualidad y la ideología de género.

Las obras que se pueden ver en la sala de exposiciones de Restauración, están firmadas por Eva Arotxarena, Alba Castillo, Sonia Caruncho, Wendy Blanco, Lois Búa, Rocía Cannas, Marta Pereira, Marta Pérez, Pedro Santiago, Claudia Suárez y Elena Vitoria.

 HASTA EL 30 DE MAYO

 

UN COMISARIO GALLEGO

Se llama Gabriel Pérez-Barreiro y nos enteramos que es un reconocido Comisario de Arte a nivel mundial. Nos llamó la atención que este coruñés de 47 años fuera tan conocido en los medios artísticos y que en este momento tenga el honor de estar realizando su trabajo como curador general de la 33ª Bienal de Sâo Paulo que se llevará a cabo en septiembre de 2018,  por eso nos pusimos a buscar información sobre él con el fin de compartirla con todos vosotros y encontramos esto:

Gabriel Pérez-Barreiro (A Coruña, 1970) tiene un Ph.D en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Essex, Inglaterra, y un Máster en Arte (con honores) en Historia del Arte y Estudios Hispanos por la Universidad de Aberdeen, Escocia.

 

Entre 2002 y 2008 fue Curador de Arte Latinoamericano del Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas en Austin. También ha sido Director de Artes Visuales de Americas Society (Nueva York), Coordinador de Exhibiciones y Programas Públicos de Casa de América (Madrid), Curador de la 6a Bienal do Mercosul (Brasil) y Fundador y Curador de la Colección de Arte Latinoamericano de la Universidad de Essex.

 

Ha sido miembro de los consejos directivos de The Drawing Center (Nueva York), Artpace (San Antonio, Texas, EEUU) y la Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre, Brasil).

 

Es autor de una cuarentena de publicaciones y ha dictado charlas y seminarios en prestigiosas instituciones como el Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Guggenheim Museum (NY), Museo del Barrio (NY), New York University, Museum of Modern Art (MoMA) y la 28va Bienal de São Paulo.

 

Si estáis interesados, podéis tener acceso a una entrevista realizada en la revista ARTEINFORMANDO sobre sus ideas renovadoras con respecto a la Bienal de Saô Paulo. Pincha AQUÍ 

ADIOS A UNA ARTISTA

     Muere la pintora viguesa Berta Álvarez Cáccamo

 

La artista gallega Berta Álvarez Cáccamo falleció en la madrugada de ayer en su casa de Vigo, en la ciudad en la que nació hace 54 años. Considerada una de las principales representantes de la pintura abstracta en Galicia y en toda España, era hija del escritor José María Álvarez Blázquez; y hermana del poeta José María y del novelista Alfonso Alvarez Cáccamo.

Aunque se encontraba en tratamiento por una enfermedad, nada hacía esperar entre sus allegados el fatal desenlace. Sus restos mortales serán incinerados mañana domingo a las 11.00 horas de la mañana en el tanatorio de Pereiró, donde se le realizará un acto de cariñosa despedida.

 

La noticia se daba a conocer a mediodía de ayer por parte de la editora Chan da Pólvora, con la que la pintora, que el pasado año ganó el Premio da Cultura Galega de artes plásticas, había publicado su último libro, Tinta de luz, junto a su hermano Pepe Cáccamo.

 

Si quieres saber más de Berta Cáccamo puedes encontrar información en las páginas interesantes de este blog.

 

 

 

 

RICARDO SEGURA TORRELLA

                   “Segura Torrella” en Santiago

 

 

Hasta el 3 de junio, podemos admirar  la exposición «Segura Torrella» en el Centro Obra Social de Santiago de Compostela  (plaza de Cervantes, s/n) Colección Abanca.

 

La exposición «Segura Torrella», dedicada al artista ferrolano Ricardo Segura Torrella y conformada por 33 obras, pretende servir como muestra antológica de la obra pictórica del artista, con una selección de los temas que trató a lo largo de su trayectoria artística.

Segura Torrella pintaba intuitivamente, ya que la búsqueda de un estilo no le suponía una preocupación formal. A partir de una minuciosa observación de la realidad y con grandes dosis de ingenio y creatividad, abordó diversos géneros, entre los que destacan el retrato, el paisaje y el bodegón. El autor empleaba una miscelánea de fórmulas a nivel compositivo, formal y espacial, en las que predomina el gusto colorista y que da lugar a lienzos de gran expresividad.

 

Gran conocedor de la estética como disciplina filosófica, la producción artística del protagonista de esta muestra transita por los mismos caminos que lo hizo su pensamiento, en los que la búsqueda de la verdad y el sentido de la existencia fueron una constante vital.

 

 

 

EL ARTISTA

 

Ricardo Segura Torrella (Ferrol, 1927-2000) estudia dibujo en la Escuela de Artes y Oficios y ya allí, según relata Andrés Mosquera en su libro A nosa pintura, «despertó la admiración de sus maestros, que lo invitaron a compartir docencia con ellos». En su ciudad natal comienza a pintar y se convierte en discípulo de Felipe Bello Piñeiro, quien tendrá una fuerte influencia sobre él. Un aprendizaje que seguirá en Madrid, en el Círculo de Bellas Artes, donde completará su formación con Fernando Álvarez de Sotomayor y con Daniel Vázquez Díaz. En 1962 comienza a trabajar como dibujante en el Concello de Ferrol, una ocupación que mantuvo hasta su jubilación.

 

Segura Torrella utilizó distintas técnicas aunque destacó especialmente en el óleo y en el dibujo. Está representado en colecciones de Galicia, entre ellas la Colección de Arte Afundación, y en Cataluña, donde goza también de un gran prestigio.

 

 

 

ALREDEDOR DE LA ESCULTURA

 

 

 

 

Bajo un juego de palabra, 6A GALERIA D’ART  (Palma de Mallorca) presenta una exposición ( hasta el 30 de mayo) en la cual la escultura es la protagonista indiscutible. El juego de palabra no es casual. El año pasado el 6A cumplió los 35 años de historia. 35 años dedicados a hacer cultura. Ahora, pasado un año de celebración, toca la jornada de reflexión. Y el resultado siempre es el mismo, el compromiso con y para la Cultura.

La exposición, colectiva, plantea el argumento desde los muros del espacio. Los discursos artísticos exhibidos son muy diferentes pero se encuentran en la abstracción, tanto en la geometría como en el volumen más orgánico. La diversidad también se encuentra en los diferentes procesos artísticos y en los usos de los diferentes materiales. Diferentes metales, maderas nobles, resinas acrílicas y la porcelana, conviven en el espacio. La exposición provoca la reflexión en torno la escultura como medio expresivo en la investigación del volumen.

Una vez más 6A GALERIA D’ART reúne un grupo de artistas para dar forma a un proyecto de gran envergadura que se mostrará en al menos dos fases, estando previsto que la segunda parte se muestre hacia finales de año. És/cultura reúne obra de los artistas Joan Cortes, Pep Guerrero, Victoria Maldonado, Pablo L. Martínez, Simon Oud, Carles Valverde y Tomeu Ventayol.
 

Joan Cortës

 

Joan Cortés es habitual colaborador de la casa. El artista en esta ocasión, se muestra fiel a la elegancia del blanco y el negro, y en la contundencia del volumen. Acompaña la escultura de sensibles ediciones litográficas de formato íntimo, como son los esbozos previos al volumen.

 

 

 

 

 



Pep Guerrero

 

 

Pep Guerrero muestra una selección de pintura al óleo adaptada al objeto, en esta ocasión piezas de porcelana. La obra del artista se basa en alterar totalmente el academicismo del apoyo pictórico tradicional para encontrar en los objetos cotidianos segundas oportunidades, otorgándoles la nobleza innata en la obra de arte. Al mismo tiempo Guerrero combina la técnica al óleo con el collage engañando al ojo del observador. La veladura final potencia el engaño hasta el punto que siembra la duda entre el motivo pintado y el motivo del collage. El artista incluye dos ediciones litográficas con collage de formato íntimo y no tradicional.

 



 

 

 

Victoria Maldonado

La joven artista malagueña, Victoria Maldonado participa por segunda ocasión en una exposición colectiva de la Galería. El dominio de la porcelana esmaltada que tiene la creadora hace que firme obras de una delicadeza en contra de las leyes naturales. La fragilidad de sus obras es el punto de inflexión en una exposición en la que la contundencia de las obras del otros artistas crean un contraste muy especial. Al mismo tiempo Maldonado no queda atrás conceptualmente. Las obras, a pesar de frágiles, tienen una potencia visual imponente.

 

 

Pablo L.Martínez

 

 

Pablo L. Martínez controla como nadie la combinación de los diferentes materiales. Esculturas creadas a partir de la convivencia de diferentes planos que generan volúmenes delicados. La madera noble combinada con el acero marcan las obras con las que Martínez impone su discurso en la colectiva de la Galería. Su obra es ligera y sólida, y demuestra el equilibrio que se puede generar entre dos materiales de durezas tan dispares.

 

 

 

 

 

Simon Oud

 

 

 

 

El artista holandés Simon Oud muestra su obra por segunda vez en Mallorca (la primera ocasión también fue en el 6A). Oud muestra en todas y cada una de sus obras el dominio absoluto del oficio del metal. Figuras geométricas irregulares que se forman en cada pliegue de la plancha de metal, crean volúmenes que sobresalen de las paredes. En esta ocasión Oud muestra sutiles cambios en los diferentes planos forzando al observador a analizar todos los planos de cada obra. Sólo así se puede entender la combinación de zinc y latón.

 

 

 

 

 

 



Carles Valverde

Carles Valverde es más que un habitual de la casa. El artista sabe como nadie como traer al extremo el diálogo entre la escultura y la arquitectura. Valverde crea tensiones en las verticales y las horizontales que dan forma a la obra. Cómo siempre el hierro patinado es el protagonista. Los acabados a manos del autor hacen que los volúmenes parezcan de una sola pieza. La obra de Valverde en esta ocasión muestra el poder conceptual de adaptación al espacio. El artista muestra la escultura acompañada de una edición delicada de grabado calcográfico, más concretamente de aguafuerte, estampado en los obradores del Taller 6a.

 

 

 

Tomeu Ventayol es un creador completo. Reconocido pintor y escultor. El hierro es el elemento indispensable en la investigación del volumen,  debido a su discurso delicado, donde la línea toma el plano más importante. La mínima expresión nos transporta al paisaje urbano, donde ligeros toques de color sobre blanco nos dan una perspectiva profunda. Ventayol aligera materiales como el hierro gracias a la depuración de las formas, tanto en pintura como en escultura. El artista muestra una serie de esculturas, acompañadas de dos ediciones litográficas.

 

 

ALTEARTE OURENSE (exposición)

             Exposición: El laberinto poético del Campus

La Sala Alterarte del Campus de Ourense inauguró la cuarta edición del programa expositivo "Estado crítico" con una muestra que reflexiona sobre el espacio.

 

Jesús Otero-Yglesias, en la inauguración de la muestra.

El artista lucense Jesús Otero-Yglesias reflexiona sobre el espacio en la exposición "Ser un lugar", que abre la cuarta edición del proyecto "Estado crítico. 12 curadores 12 artistas", en la Sala Alterarte del Campus.

 

 

"La gente va a encontrar una experiencia, pero no es una exposición al uso. Está pensada para ese espacio, es una especie de casa", explica el autor de "Ser un lugar". Precisamente el nombre de la muestra habla de darle un "ser" a la Sala Alterarte, "habitada" por las palabras del poeta Carlos Oroza en cada rincón.  "Me interesó mucho que la muestra tuviese los textos de Oroza, por su sencillez. Es un poeta rara avis, que no le gustaba publicar, solamente a través de la presión de sus editores. Él prefería recitar. Me dejó totalmente asombrado", admite el autor. Además de los versos de este poeta de Viveiro, Otero-Yglesias confiesa que se enamoró del espacio expositivo del Campus de Ourense, ideal para su instalación, que supone la primera vez que expone individualmente en la ciudad, aunque su trayectoria destaca tanto en el ámbito nacional como internacional. "La Sala Alterarte tiene un programa muy alentador para los artistas", manifiesta.

 

Frases hasta en el techo

Otero-Yglesias define "Ser o lugar" como una encrucijada para el espectador. "Un laberinto", dice. "Se puede decir que he tenido mala uva, en el sentido de que el público va a tener que estar un poco de tiempo en la exposición. Es un laberinto que tiene que recorrer desde distintos puntos. Hay frases en el techo, en las columnas...Algunas se leen en semicírculo, por ejemplo. Requiere tiempo", explica el artista lucense.

 

A través de la poesía y el juego con el espacio, Otero-Yglesias invita a los asistentes a disfrutar de esta muestra, que se exhibirá hasta el 18 de mayo. "Estado crítico" continuará su programa con artistas como Paula Cabaleiro, Ángel Cerviño, María Marco o Xabier Limia. 

 

EL ARTE EN EL COMIC

             Exposición «El Arte en el Cómic». Vigo

«El Arte en el Cómic» se estructura en tres grandes ámbitos: el primero de ellos recoge la relación entre los grandes centros de arte y el cómic a través de obras de la colección del Louvre o del Museo de Orsay junto a la editorial Futuropolis, mostrando el trabajo de autores tan reconocidos como Catherine Meurisse, Manuele Fior, Enki Bilal o David Prudhomme, así como la obra de Edmond Baudoin sobre Dalí, editada por el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou. 

 

También se incluyen iniciativas de los centros de arte españoles, como los cómics de Miguel Ángel Martin, Álvaro Ortiz, David Sánchez y Santiago García, editados por el Museo Thyssen-Bornemisza y la editorial Astiberri. Fundación Telefónica también se ha sumado a esta iniciativa encargando versiones libres de algunas de las mejores piezas de su patrimonio artístico a diferentes ilustradores, que ofrecen su visión de obras de Picasso, Tàpies o René Magritte.

El segundo ámbito está centrado en el cómic desarrollado por autores gallegos como Brais Rodríguez y Miguelanxo Prado, al que se incorporan en esta exposición en Vigo dos nuevos autores, Begoña García-Alén y Andrés Magán. Además Jacobo Fernández Serrano realizó para este proyecto, por encarga de Afundación, una historieta basada en algunas de las obras y autores más sobresalientes de la Colección de Arte Afundación, Pikiblinder: Leiro, Maruja Mallo, Castelao, Laxeiro, Lugrís o Minguillón, entre otros.

 

Por último, la muestra recoge cómo las grandes obras de la pintura aparecen en el cómic, haciendo especial hincapié en la actual corriente museográfica que aboga por un acercamiento al noveno arte como una disciplina que ineludiblemente ha de estar presente en la programación de los museos y grandes centros. Se trata de una visión novedosa del mundo de la pintura, una mirada personal y un homenaje de los historietistas que, conscientes de la capacidad narrativa del cómic, utilizan sus recursos para mostrarnos el mundo de la pintura de un modo distinto al que habitualmente ofrecen críticos y teóricos del arte.

 

 

"SUBE AO PALCO"

El Palco de la Música se llenará de vida cultural durante los meses de mayo y junio

Con el objetivo de poner en valor el talento juvenil del municipio "en todas las artes" nace la iniciativa "Sube ao palco", en la que los protagonistas serán pontevedreses de entre 12 y 35 años.

 

Se trata de ocho jornadas en las que tendrán lugar una docena de actividades "con calidad para ser exhibidas", en palabras del concelleiro Alberto Oubiña.

 

Música, teatro, pintura, audiovisual... se darán cita en el quiosco de la Alameda, más conocido como "el palco".

La primera de ellas será este jueves, 20.30 horas, con un concierto en acústico de Rose Mary.

A ella le seguirán el jueves 10 de mayo, 20.30 horas, Jaime Van Bergen y Beatriz-Sánchez Madruga, con un proceso de creación creativa, improvisación sonora sobre formato audiovisual.

La proyección de la webserie "Generación wifi" el jueves 24 de mayo, 21.30 horas, dará paso a las de los cortometrajes "Van", de alumnos de la Universidade de Vigo; "Astral", de Orballo Films, y "Bágoas negras", todas ellas el día 31, a la misma hora.

Ya en junio, el día 6, a las 20.30 horas, Particle dará un concierto de música hardrock. El jueves 14, 20.30 horas, Miguel Tierra Rodríguez ofrcerá la "performance" teatral "Me hicieron la de Ubú Rey", mientras que Daniel Gómez Pallares tocará en un concierto de música indie-folk.

El 21 de junio, 20.30 horas, el Alquimia Art Estudio mostrará su exposición colectiva de pintura y posteriormente Elephant in the room dará un concierto en acústico.

El 28 de junio termina "Sube ao palco" con Fase Lola, una pieza de microteatro, a las 20.30 horas.