Dalí o Picasso contribuyeron a su historia. Las postales navideñas de Hallmark cumplieron también una misión inesperada: acercar el arte al gran público.
A pesar de ser una tradición popular, el origen de los christmas o postales navideñas no es tan antiguo como pueda parecer. Fue, de hecho, hace 179 años (en 1843) cuando un funcionario inglés con demasiados amigos llamado Henry Cole tuvo la brillante idea de crear un diseño y un mensaje genérico para agilizar su labor de felicitar las fiestas. El resto, como se suele decir, es historia. Una, por supuesto, asociada al nombre de Hallmark. La empresa, creada en 1910 en Kansas City por el joven de 18 años Joyce Hall, vivió un ascenso vertiginoso gracias a sus propuestas artísticas. Gran aficionado a los museos, “no tuvo reparos en acercarse a reconocidos artistas del s. XX y, de hecho, se hizo muy amigo de muchos de ellos”, explica Samantha Bradbeer, historiadora de los archivos de la firma. “En 1948 iniciamos la línea Gallery Artists y acercamos al público la obra de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Rembrandt, Botticelli, Renoir, El Greco, Monet, Gauguin, Cézanne o Van Gogh”, explicaba Joyce Hall.
Otro artista español que diseñó las tarjetas de Hallmark fue Pablo Picasso con su obra 'La madre y el niño'
La colaboración de Dalí no funcionó como cabía esperar
La sorpresa llegó cuando se le pidió al español Salvador Dalí que crease sus propias versiones. Por aquel entonces, el excéntrico genio ya había desarrollado un estilo propio lleno de paisajes fantásticos y elementos imposibles, y su figura se había erigido como un icono mundial. Recién convertido al catolicismo, para su primera colaboración con Hallmark, Dalí optó por imágenes devocionales de los Reyes Magos o la Virgen con el Niño y los ángeles. No obstante, su extravagancia resultó demasiado vanguardista y las ventas fueron casi testimoniales. A pesar de ello, la compañía volvió a apostar por él diez años después: siete nuevas acuarelas con un motivo recurrente, la mariposa. Pero estas tampoco tuvieron la aceptación esperada y solo llegaron a imprimirse tres de ellas. Quizás la sociedad del momento no estuviese preparada para la excentricidad de Dalí, pero también cabe la opción de que la Navidad –mágica, tierna y familiar– y el surrealismo –absurdo, imposible e incluso a veces incómodo– sean mundos demasiado diferentes como para que puedan funcionar juntos. "Quizá ahora sea el momento de reeditarlas", sentencia Samantha Bradbeer.
La artista francesa que nos traslada con su arte al París de la Belle Époque
Delacroix es un apellido artístico. Lo es como Picasso. Es un apellido con connotaciones artísticas por razones obvias que si leemos en algún lado, tenemos el pálpito de que nos va s sorprender. Así se apellida la artista de la que vamos a hablar ahora. Una pintora francesa que enaltece la ciudad más bella de Francia, París. Ahora te contamos por qué, primero te presentamos su nombre: Fabienne Delacroix. Una artista que quizás podríamos decir, que es una impresionista contemporánea. Sus obras nos recuerdan a un Toulouse Lautrec más refinado. Alguna escena de la ciudad a Pierre Bonnard. Cuando vemos una calle de París nos recuerda a esos cuadros de los bulevares de la ciudad que pintaba Pisarro… A ver qué te parece a ti.
Fabienne -miembro de la Fundación Taylor- nació, como te puedes imaginar, en el seno de una familia artística. Siempre en contacto con la literatura, la música, la pintura. Como dice su biografía: «esta educación en la belleza fue la cuna de sus primeras emociones artísticas». Y hablamos de cuna porque su primera exposición fue con apenas 10 años, en Carmel, California.
«Sus escenas de la vida parisina o campestre, su playa, sus encantadores interiores extraídos de un cuento de Maupassant, la obra de Proust o una novela de Balzac, reflejan la alegría, la sencillez, y la dulzura de la vida en otra época», explican. Una vida mucho más glamourosa, más bella, más lujosa pero también más sosegada y ordenada. Después de estar tocando diferentes palos artísticos, es en 1994 cuando decide dedicarse de pleno a la pintura y empieza a ser representada por Axelle Fine Arts, desde Nueva York.
Por su éxito en Estados Unidos o Francia ha recibido importantes encargos, como la imagen de los Juegos Olímpicos cuando los Kennedy estaban en el gobierno. En Francia ha realizado las ilustraciones para importantes recitales de ópera, sus cuadros han ayudado a recaudar dinero en importantes actos como el 11 de septiembre -lo obtenido fue para los bomberos de la ciudad de Nueva York- o por el terremoto de Argelia de 2003. En la vida que vemos en sus cuadros parece que no hay maldad, o que no pueden ocurrir cosas malas. Cómo es Fabienne: utiliza esta imagen ideal para ayudar a que, precisamente, estas cosas no ocurran… Y el mundo real sea más como sus cuadros.
La artista contemporánea francesa porque nos lleva a la Belle Époque, que tanto adora. Nos hace viajar por Francia, nos traslada a ese momento de sosiego que representa en el cuadro. En este mundo tan rápido, en la vorágine que vivimos, a veces necesitamos convivir con un cuadro de estos para conseguir un poco de paz. Nos pasa con las obras -expuestas en Nueva York, en Tokyo…- de Fabienne Delacroix
La exposición Damián Ortega: Visión expandida agrupa por primera vez las piezas en suspensión del artista mexicano. Nueve esculturas que abandonan el pedestal, como móviles a gran escala que flotan en el espacio expositivo. Cada una de ellas alberga distintas visiones del mundo perfiladas desde la tecnología, la geología, la arquitectura y la literatura.
La práctica de Damián Ortega (México, 1967) está influenciada por sus comienzos como caricaturista político, su formación autodidacta y sus estrechos intercambios con otros artistas mexicanos de su generación.
Ortega entiende el espacio público como un espacio político y la escultura como un espacio mental, una acción o un evento que puede tener una profunda influencia en nuestra vida diaria. Su aproximación crítica y humorística le lleva a cuestionar las maneras de ver, habitar y relacionarnos con los objetos, espacios y organismos que nos rodean.
RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN
Cosmic Thing (2002) es su primer big bang; un Volkswagen Beetle desmontado y con sus piezas suspendidas, como el esqueleto de un gran mamífero mecánico de la era industrial. Fue el coche más común de Ciudad de México y se erigió como símbolo de la democratización del consumo, pero también del saber popular, ya que en los mercados negros de desguaces se intercambiaban sus componentes.
Controller of the Universe (2007) está compuesto por cientos de herramientas de segunda mano suspendidas. Su título hace referencia al mural de Diego Rivera, Man at the Crossroads (1933), que representa a un trabajador en una fábrica controlando una gran máquina como centro del desarrollo tecnológico, artístico y científico.
H.L.D. (high, long, deep) (2009) presenta tres sillas de madera desmanteladas. Alude a la noción de una percepción diversa y una manera alternativa de experimentar los objetos cotidianos.
Hollow/Stuffed: Market Law(2012) construido a partir de sacos reutilizados, metal y sal, se trata de un submarino que contiene una gran bolsa de plástico con una «herida que sangra», un agujero por el que se derrama la sal que lo rellena y que se acumula en el suelo formando una montaña. Ortega lo relaciona con los bienes de consumo que se extraen y comercializan sin importar el impacto que cause en su lugar de origen, como ocurre con la cocaína.
En Harvest (2013) varias barras de acero flotan en la sala creando una suerte de figuras retorcidas que generan sombras en el suelo que simulan cada letra del abecedario. La obra se basa en la caligrafía de la madre del artista y establece una relación conceptual con la expresión «lengua materna».
Volcán(2013) representa, a través de vidrios de colores y pequeñas piedras de tezontle (una roca volcánica), una erupción expandida en tres dimensiones.
Viaje al centro de la Tierra: penetrable (2014) disecciona la imagen del globo terráqueo a través de varias capas de materiales, formas y colores. La obra desafía la idea de la escultura como pieza, fragmentándola y quitándole su solidez y pedestal para, a través del humor, evadir la posición heroica de lo monumental.
Polvo estelar (2016) está construida con materiales naturales y sintéticos que se combinan a diferentes alturas y distancias formando un ecosistema que se extiende desde un epicentro. Ortega definió las características de lo que quería crear y salió a buscarlo a la calle. «Se trataba de encontrar un polvo de cosas que ya no eran nada. Como un agujero negro que se ha tragado todos los objetos, que deja de tener una función útil y sigue sobreviviendo».
Warp Cloud (2018) representa la estructura química de una gota de agua a través de esferas que simbolizan moléculas de hidrógeno u oxígeno. También hace referencia a la tradición textil oaxaqueña, donde la intersección de hilos verticales y horizontales significa el encuentro del cielo y de la tierra.
En la exposición también se presenta ALIAS, la editorial de Damián Ortega que publica textos fundamentales del arte contemporáneo que han sido descatalogados o no se han traducido al español, así como aquellos escritos por artistas.
El catálogo de la muestra, coeditado con La Fábrica, contiene un ensayo de teoría crítica de Peio Aguirre, textos poéticos de Rafael Toriz y una entrevista de Roberta Tenconi a Damián Ortega.
SOBRE DAMIÁN ORTEGA
Damián Ortega (1967, Ciudad de México) comenzó su carrera como caricaturista político. Se unió al «Taller de los viernes» con Gabriel Orozco de 1987 a 1992. En 2005 fue nominado para el Hugo Boss Prize y en 2007 fue nominado al Preis der Nationalgalerie für junge Kunst. En 2014 recibió la Smithsonian Artist Research Fellowship por parte de Smithsonian Institution y en 2006 realizó una residencia artística en Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD) en Berlín. Vive y trabaja en Ciudad de México.
El Museo recoge en la muestra 'Silverio Rivas. Eloxio do silencio' el espíritu del taller del artista
El escultor Silverio Rivas tuvo el jueves 24 de noviembre dos motivos de celebración: en el día en el que cumple 80 años, el Museo de Pontevedra inauguró la primera exposición antológica de su obra.
'Silverio Rivas. Eloxio do silencio' es una muestra que recorre cinco décadas de creación de un artista de referencia, pionero en la abstracción en la escultura gallega y que alcanzó gran popularidad por el carácter monumental de su obra presente en espacios públicos.
La exposición, comisariada por la conservadora del Museo, Beatriz de San Ildefonso, se inaugura este jueves a las 19.00 horas en el Edificio Castelao, donde se podrá visitar hasta el 5 de febrero.
La muestra se organiza en cinco espacios dentro de la sala de exposiciones temporales, además de varias obras que toman otros rincones del edificio, como la espectacular 'Ayous ou Barca solar' situada en el acceso a la zona acristalada. En total son unas 60 obras que abarcan todos sus períodos y estilos creativos.
El director del Museo, José Manuel Rey, explica que la muestra "parte do noso labor de contribuír á difusión e a investigación da arte galega. A creación dos e das artistas do país ocupa unha posición central no discurso do Museo".
Beatriz de San Ildefonso explica que "esta é a primeira exposición antolóxica que se lle dedica a Silverio Rivas, pero as obras non están cronoloxicamente situadas, senón que quixemos seguir un pouco o espírito do seu taller, no que cada espazo ten a súa función".
Silverio Rivas añade que se hizo "unha cronoloxía á inversa: primeiro aparecen as pezas recentes e remátase coas primeiras. No medio hai pezas que non se corresponden cronoloxicamente entre elas pero dialogan".
JORNADA SOBRE ESCULTURA GALLEGA
Además de visitas guiadas todos los sábados por la mañana, la muestra se acompañará de una jornada de reflexión y debate sobre la escultura gallega contemporánea. Será el 19 de enero, organizada por el Museo de Pontevedra con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra.
En la jornada, Miguel Anxo Rodríguez González trazará una breve historia de la escultura gallega contemporánea. Una mesa redonda moderada por Xosé Manuel Buxán Bran, decano de la Facultad de Bellas Artes, juntará a las artistas Amaya González Reyes y Basilisa Fiestras y al escultor y profesor universitario Javier Tudela para debatir sobre la escultura en la actualidad.
La comisaria de la exposición, Beatriz de San Ildefonso, disertará sobre la obra de Silverio Rivas. Cerrará la jornada una visita guiada a la muestra a cargo de la comisaria y del propio artista.
El Mar de Vigo se abre a una exposición inmersiva en el arte de las vanguardias
Los espectadores acceden a las obras a través de tecnología audiovisual
El auditorio Mar de Vigo acoge por primera vez en su trayectoria una exposición de arte enfocada desde un punto de vista inmersivo que se apoya en tecnología audiovisual. Hasta el 26 de febrero estará abierta al público, previo pago de una entrada, el proyecto Vanguardias. El arte que soñó con cambiar el mundo. Se trata de una exposición inmersiva que emplea la tecnología de última generación para que el espectador conozca la obra de grandes de la pintura del siglo XX de una forma diferente a la simple contemplación. Los artistas presentes en esta novedosa muestra son Juan Gris, Robert Delaunay, Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, August Macke, Kazimir Malevich, Franz Marc, Amedeo Modigliani, Edvard Munch, Egon Schiele y Alexej von Jawlensky.
La inmersión en las obras se realiza a través de imágenes en movimiento, música y doce pantallas gigantes de cuatro metros de alto y veinticuatro de ancho. A través de estos medios, el visitante podrá sumergirse en la luz, el color y la técnica de los maestros de estas corrientes que se opusieron a los rígidos estándares estéticos de la época, sobre todo, en la primera mitad del siglo XX.
La muestra se distribuye en dos espacios diferenciados. El primero aporta información relevante sobre cómo surgieron aquellos movimientos artísticos, cuáles son sus principales técnicas, así como la influencia que han tenido en el mundo del arte y en la sociedad actual.
La segunda parte de la visita se sitúa en una sala inmersiva de 400 metros cuadrados donde se puede recorrer la estancia o tomar asiento mientras la proyección, junto a la música envolvente y el relato que acompaña las imágenes, hacen disfrutar de un viaje multisensorial entre las obras de estos genios de la pintura. La visita finaliza en una zona lúdica interactiva donde el espectador podrá inmortalizar su visita interactuando en cada uno de los espacios.
Además, este espectáculo tiene también actividades infantiles. En ellas, el público tendrá la oportunidad de aprender algunas de las técnicas que utilizaron los maestros de las vanguardias mientras desarrollan sus capacidades creativas y se divierten. Las actividades están disponibles todos los días y durante el tiempo que dure la visita.
Esta muestra es una creación de la productora Art Apart, que cuenta con el apoyo tecnológico de la empresa Front Pictures. «Nuestra capacidad de imaginar nos hace diferentes creando experiencias que acercan el ocio, la cultura y el entretenimiento a las personas, generando vínculos únicos que crean una alternativa al disfrute convencional», explican desde Art Apart. «La estética, la cultura y una mezcla de rigor y creatividad determinan lo que hacemos y las experiencias que ideamos, buscando abrir el espectro del entretenimiento sirviéndose de la tecnología para ampliar la percepción y conseguir que el espectador pueda disfrutarlo con todos los sentidos», añaden.
Cuándo y dónde
Este novedoso y espectacular recorrido por el arte de las vanguardias estará abierto en el auditorio Mar de Vigo (Beiramar, 59) hasta el próximo 26 de febrero. El horario de las visitas es, de martes a domingo, de 11.00 a 15.00, aunque el último pase comienza a las 14.00 horas, y de 16.30 a 21.00, con un último pase a las 20.00 horas. Los lunes estará cerrada la exposición, al igual que el 24 y 31 de diciembre. Habrá también un horario especial el 25 de diciembre, y el 1 y 6 de enero, con apertura a las 17.00 y cierre a las 21.00 (ultimo pase a las 20.00 horas).
El audio de la sala inmersiva y de los textos de la exposición están disponibles en castellano, gallego, portugués e inglés. En cuanto a los precios de acceso, la entrada general para mayores de 12 años es de 10 euros durante la semana y 13 euros los sábados, domingos y festivos. Para la población comprendida entre los 5 y los 12 años los precios son de 7 euros durante la semana y 9 sábados, domingos y festivos.
La clave para entender el arte contemporáneo según Juana de Aizpuru, una galerista 'imprescindible'
La fundadora de ARCO protagoniza el último episodio del programa de TVE dedicado a las personalidades más relevantes de la cultura española
Le hacen falta muy pocas presentaciones. Juana de Aizpuru (Valladolid, 1933) es una de las galeristas con una de las trayectorias más brillantes de nuestro país. Su visión, su valentía y su audacia han dado a conocer a grandes artistas tanto nacionales como internacionales. Ella ha sido la protagonista del último capítulo de Imprescindibles, programa documental de TVE sobre las figuras más destacadas de la cultura contemporánea española.
En él, Juana de Aizpuru recuerda el traslado de su familia a Madrid, su pasión por el ajedrez y su regreso a Sevilla a finales de los años 60, una ciudad hermética en la que conoció a un grupo de artistas que estaba rompiendo con la tradición andaluza y donde, en 1970, abrió la primera sede de su galería homónima. Con ella cubrió el vacío que había en el ámbito del arte de vanguardia en la ciudad y, quizá, sin ser consciente de ello, empezó a construirse a sí misma y a la futura institución en la que se iba a convertir.
En Juana de Aizpuru. El instinto del arte, la galerista narra cómo desde el principio quiso inaugurar aquel primer espacio con artistas de Juana Mordó. “Entrar en su despacho fue entrar en el sanctasanctórum. Siempre la he respetado y admirado mucho”, afirma.
Esta afirmación adquiere toda su dimensión cuando en 1979 comienza a pensar en ARCO, la primera feria de arte contemporáneo en España en un momento en el que el país salía del franquismo y no había instituciones culturales ni conexiones con la modernidad.
A pesar de que prácticamente todo el círculo artístico creía que aquella idea no llegaría a dar fruto, Juana de Aizpuru consiguió que en 1982 se abriera en Ifema la primera edición de la feria. En aquel momento fue bautizada como Juana de Arco, un apodo que aún hoy le sigue acompañando y que le sigue sentando bien. Juana de Aizpuru había dado contemporaneidad al sector en un momento en el que Madrid buscaba abrirse a la modernidad.
Un año después, abrió en la ciudad que regía Tierno Galván la galería que aún hoy sigue dirigiendo y en la que se pueden ver exposiciones de artistas como Cristina García Rodero, Alberto García-Alix, Jordi Colomer o Rogelio López Cuenca.
Juana de Aizpuru se convierte en este documental en la voz que guía una trayectoria que roza los 90 años. Pero este viaje no lo hace sola sino acompañada de artistas como Luis Gordillo, Dora García o Rogelio López Cuenca; otras galeristas como Elba Benítez, Elvira González o Helga de Alvear, y comisarios e historiadores que definen a una gran dama del arte que conserva su intuición, su interés, su audacia y su valentía.
Para el coleccionista Miquel Molins, “acercarse a Juana de Aizpuru es muy peligroso porque es muy difícil decirle que no, es muy convincente”. El documental viaja de Madrid a Sevilla en tren en compañía de la galerista en un trayecto que durante 25 años hizo semanalmente.
Con una trayectoria internacional intachable, De Aizpuru da una lección muy valiosa en torno al arte: “El arte contemporáneo es asequible. Parece hermético y que no se entiende porque lo vemos a través de la visión del arte clásico, que es un arte que conocemos más. Queremos enfocar el arte contemporáneo desde el arte clásico pero hay que ir directamente al contemporáneo, así se entiende mejor”.
En este capítulo de Imprescindibles Juana de Aizpuru derrocha una vitalidad inagotable mientras sigue haciendo planes a largo plazo: “Soy mayor pero no me siento vieja, siempre pienso en el futuro y luego pienso que igual ya no estaré. Pero ¿por qué no voy a estar? Los que piensan así mueren más tarde”, reflexiona. Quizá la historiadora del arte Gloria Moure tenga razón cuando dice que Juana de Aizpuru es eterna.
Coslada presenta la nueva escultura de Antonio López que costará 450.000 euros
El Hombre de Coslada alcanzará los seis metros de altura
Antonio López, junto con el alcalde de Coslada, Ángel Viveros, han presentado esta mañana el proyecto de la obra artística El Hombre de Coslada, la segunda escultura que el artista realizará para la ciudad tras La Mujer de Coslada. El proyecto salió adelante en 2021 en el pleno del Ayuntamiento con los votos a favor del Gobierno municipal de PSOE, Podemos y Más Madrid.
El Hombre de Coslada será una escultura de seis metros de altura, realizada en bronce que, siguiendo la línea de la de La Mujer de Coslada, mostrará a un hombre desnudo emergiendo de la tierra. Esta escultura supera la altura de La Mujer.
Se instalará en La Rambla junto al centro cultural que lleva el nombre del pintor y escultor de Tomelloso. Antonio López ha explicado que El Hombre de Coslada debe tener «belleza, nobleza, una edad similar a La Mujer y debe combinarse con ella, tiene que ser su compañero».
«Yo hasta ahora he hecho parejas que ya existían y ahora creo un hombre y una mujer nuevos. El Hombre de Coslada debe ser de belleza interior y exterior, que guste por el contenido y por el continente, que sea hermoso según el canon griego», ha añadido.
El artista manchego ha recordado que «doce años después de hacer La Mujer de Coslada me llega este encargo de hacer El Hombre, que parecía que estaba esperando para crear la pareja porque una mujer significa mucho, un hombre también, pero una pareja significa todo. Para mí el tema de la pareja es un asunto recurrente en mi obra y me alegra mucho esta nueva oportunidad».
El alcalde de Coslada, Ángel Viveros, ha querido agradecer a Antonio López «que siga creando obra en Coslada porque ha situado a la localidad en el panorama cultural internacional. Nuestra ciudad no tiene patrimonio histórico al ser joven pero tiene a su gente, que aprecia la cultura, como son las dos con las que contaremos de, a mi entender, el artista vivo más importante».
El regidor cosladeño ha recalcado que «no hay muchas ciudades que cuenten con dos obras de estas características. Coslada sí lo va a ser y por eso estaremos eternamente agradecidos a Don Antonio, a quien le digo que Coslada es su ciudad. Aquí será siempre bien recibido».
Con la instalación de esta escultura, Coslada se convierte en una de las ciudades del mundo con mayor obra escultórica de gran formato del artista internacionalmente reconocido, Antonio López, destaca el Consistorio. Otras urbes que cuentan con obras suyas de estas características, aunque de menores dimensiones, son Boston y Madrid.
La Mujer de Coslada, por su parte, es una escultura de bronce, instalada en 2010, junto al Teatro Municipal, que representa a una mujer desnuda emergiendo de la tierra desde el medio vientre, con una altura de cinco metros y sesenta centímetros y un peso de 3.000 kilos. La escultura mira hacia el nordeste dando la bienvenida a los primeros rayos del día, y creando en esos momentos del día el efecto emergente buscado por el artista.
Debido a sus colosales dimensiones y a su peso descomunal, se trajo a Coslada desde la fundición de Arganda del Rey en la que fue creada. Pudo llevarse a cabo gracias a un transporte especial que obligó a cortar el tráfico de varias calles, puentes y túneles
Chanel, Picasso y el hombre que cautivó a Cartier-Bresson
Detalle de 'Mujer frente al mar', Pablo Picasso, 1922
Pablo Picasso y Gabrielle Chanel colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antígona (1922) y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev Le Train Bleu (1924). Se conocieron en torno a la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los ballets rusos. La creadora llegó a estar muy relacionada con el mundo artístico e intelectual del París de la época, hasta el punto de afirmar: “son los artistas los que me han enseñado el rigor.” *
El museo propone una exposición que explora la relación de estos dos grandes genios creadores del siglo XX, volviendo a reunir arte y moda en un nuevo proyecto expositivo. La muestra se organiza en cuatro grandes secciones que se suceden en orden cronológico y abarcan, aproximadamente, de 1910 a 1930.
El estilo Chanel y el cubismo presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de Chanel ya desde sus primeros e innovadores diseños: el lenguaje formal geometrizado, la reducción cromática o la poética cubista del collage se traducen en trajes de líneas rectas y angulosas, en su predilección por los colores blanco, negro y
beige, y en la utilización de tejidos humildes y con texturas austeras. Olga Picasso, el segundo capítulo, está dedicado a los numerosos y bellos retratos que Picasso realizó de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Khokhlova, devota clienta de Chanel; junto a ellos, algunos vestidos de este periodo inicial de la diseñadora francesa, de los que se conservan escasos ejemplos. Antígona, adaptación moderna de la obra de Sófocles realizada por Cocteau, se estrenó en París en 1922, con decorados y máscaras de Picasso y vestuario de Chanel, que vuelven a reunirse en este capítulo para mostrar su común inspiración en la Grecia clásica. Le Train Bleu es el título del cuarto apartado y del ballet producido por Diághilev en 1924, con libreto de Cocteau, inspirado en el deporte y la moda de baño; Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diághilev descubrió en el taller de Picasso, se convirtió en imagen para el telón de la obra, y el pintor aceptó también el encargo de ilustrar el programa de mano, mientras que Chanel entusiasta deportista, creó trajes para los bailarines inspirados en modelos deportivos diseñados para ella misma y para sus clientes.
El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona acoge 'Una conjunción de factores', la nueva exposición de la artista, que juega con la noción espacial y temporal
Cinthia Marcelle, delante de una de sus obras, en el MACBA. Foto: Miquel Coll
A la exposición de Cinthia Marcelle en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona se accede por una apertura realizada en el muro del atrio del museo. Sobre la pared a la que da acceso este vano, una pieza: una balda de madera pintada de blanco, un vaso de vidrio transparente y una columna de monedas apiladas: ¿estaban colocadas a la izquierda? ¿o a la derecha? Al mirarla surge esta duda, produce esta sensación de extraña familiaridad, de algo que ya ha sucedido.
Cinthia Marcelle. Una conjunción de factores
MACBA. Barcelona. Comisaria: Isobel Whitelegg. Hasta el 8 de enero de 2023
Estos tres objetos cotidianos, parte de una de las obras más recientes de Marcelle, ya requieren por nuestra parte una mirada alerta e inquisitiva sobre lo que se ve y lo que no, lo que está sistematizado y pasa desapercibido, y las posibles irrupciones en este orden.
Si retrocedemos y miramos abarcando todo el frontal, se puede distinguir que a cada lado de la entrada se repite la instalación: estante, vaso, monedas. Son tan sutiles que puede que nuestro cerebro las registre sin que tengamos noción de haberlas percibido. En una de las ocasiones, la pila está a la izquierda, en la otra a la derecha del conjunto.
Marcelle ha apuntalado una de las trayectorias más sólidas e internacionales de las artistas brasileñas de su generación
Cuando se nos propone mirarla sin escapatoria, frontalmente, consigue trastocar nuestra noción espacial y temporal, provocar esa sensación de déjà vu, colocar el espacio y el tiempo en una línea no consecutiva y disruptiva. Esta obra, Sin título (Alí Babá, ciempiés, invertido), de la serie Ya visto, 2019 (2022), nos lleva al estado de atención necesario para explorar esta muestra.
También nos da varias claves sobre la práctica de la artista: la elaboración de gestos poéticos con elementos de la vida diaria que muestran cómo se impone un orden normalizado por su repetición, pero con pequeñas modificaciones que revelan que, bajo esta apariencia equilibrada, se infiltran posibilidades de cambio.
'La familia en desorden', 2018 (2022), en el MACBA. Foto: Miquel Coll
Situándonos de nuevo ante la pieza central, el diseño que han trabajado Marcelle y la comisaria Isobel Whitelegg, propone dos caminos: por la vía de la derecha llegamos a una sala en la que se acumulan en disposición cartesiana rollos de cordón, tela, plástico, cartón, cajas de cerillas, ladrillos, cintas adhesivas, plateadas, velcro, tizas, piedras, barriles, moquetas, blocs, listones y bolsas con plumas de gallina.
Como anuncia el lema de la bandera de Brasil “orden y progreso”, todo milimétricamente organizado. Pero aquí este sistema funciona como una barricada hecha por alguien que sufre un TOC, cerrando el paso.
Tenemos que volver sobre nuestros pasos para seguir el otro pasillo alternativo: por la vía de la izquierda desembocamos en una gran sala donde reina el caos. Exactamente los mismos materiales y en la misma cantidad se despliegan de forma aparentemente anárquica. Seis personas tomaron este lugar durante las semanas previas a la llegada de Marcelle y lo vivieron sin tiempo, sin reglas, pactando entre ellas para ocuparlo y hacerlo propio.
El resultado invita a descubrirlo, perderse en él y abandonarlo: tenemos tres opciones para ello… Así, con las decisiones que tomamos, se completa La familia en desorden, 2018 (2022), un trabajo que supuso un cambio en la práctica artística de Marcelle hacia procesos abiertos de negociación y colaboración, en los que ella propone y al mismo tiempo se sitúa en un margen donde ya no tiene el control sobre el resultado.
'O Sabio', 2009
La misma lógica aplicada en estos dos sites specific se traslada al resto de la exposición: en un recorrido fluctuante, con distintas opciones para continuar, vamos descubriendo, sin orden cronológico, las series fotográficas, vídeos e instalaciones con los que ha apuntalado una de las trayectorias más sólidas e internacionales de las artistas brasileñas de su generación (The Future Generation Art Prize, Kiev 2010, Bienal de Venecia de 2017, Bienal de Sharjah 2015, exposiciones en Nueva York, Porto Alegre o Viena).
La materia de trabajo se sitúa en lo cotidiano, y en especial en los materiales constructivos; usa el camuflaje y la distorsión casi onírica de sentidos establecidos, en un imaginario sociopolítico que viaja desde la tierra roja de Minas Gerais hasta urbes como São Paulo o Ciudad del Cabo, y nos hipnotiza con movimientos y ritmos repetitivos.
La materia de trabajo de Marcelle se sitúa en lo cotidiano, y en los materiales constructivos; usa el camuflaje y la distorsión
Marcelle realiza asociaciones entre lo material y la imagen, y por ello, entre lo material y la situación social del contexto: ya sea ocultándose en el paisaje de una ciudad, invitando a la acción sutil a un trabajador, confundiendo escenarios casuales con aspecto de orquestado, como los malabaristas callejeros con fuego, o, a la inversa, como el baile infinito de máquinas excavadoras, o dejando que entre todas reescribamos dramas teatrales en una radio online.
Todas estas colaboraciones que Cinthia establece en cada trabajo le sirven para invitarnos a aventurarnos juntos en una quiebra del pensamiento hegemónico, fijo y binario. Su desorden no significa caos, sino mutabilidad, fluctuación, multiplicidad y transformación permanente.
Citando a Édouard Glissant, como hizo la directora del MACBA, Elvira Dyangani Ose, en la presentación de la muestra, “obras que son situaciones para un llamado al desorden como lugar de experimentación para la emancipación”.
Impacto en Venecia
Cinthia Marcelle (Belo Horizonte, Brasil, 1974) ha creado un lenguaje propio a partir de objetos y materiales cotidianos como tierra, tizas, polvo y ladrillos. Con sus grandes instalaciones y su obra fílmica, de fuerte impacto visual, ha alcanzado fama internacional. En 2017 fue premiada en la Bienal de Venecia.
