Inauguraciones de septiembre en dos galerías de Madrid

 

Septiembre marca el inicio de la temporada del arte. Es un mes importante, ya que las galerías inauguran su agenda anual y lo celebran con el gallery weekend, que este año tendrá lugar del 13 al 16 de Septiembre. El programa que presentan es muy variado, un abanico extenso de ideas y tendencias, al alcance de muchos bolsillos. He seleccionado dos exposiciones que, en mi opinión, son de las mejores propuestas artísticas.

 

José Dávila en la galería Travesía 4

 

 

 

La obra de este artista Mexicano nace a partir del lenguaje simbólico de la historia del arte y la cultura visual occidental. Influenciado por su formación como arquitecto, Dávila dispone de los objetos como si fueran elementos básicos en el dibujo (el punto, la línea y el plano), creando construcciones que ponen a prueba el equilibrio, la estabilidad y la permanencia. La exposición titulada ¨Not All Those Who Wander Are Lost¨ estará en la galería hasta finales de noviembre, reuniendo el trabajo más reciente del artista sobre papel, pintura y escultura. Su serie de pinturas presenta descripciones escritas, interrumpidas y contrapuestas, formando figuras geométricas deudoras del modernismo. En sus esculturas Dávila busca hacer evidentes y visibles los procesos físicos y dinámicos que son necesarios para que las cosas mantengan su forma y ocupen el espacio de una manera específica y determinada.

 

Complementando la obra de la galería, el artista presentara una instalación en el Jardín botánico de Madrid, que solo podrá visitarse del 12 al 16 de septiembre. Esta instalación resume, a nivel material y formal, los elementos recurrentes utilizados a lo largo de la historia de la escultura. En toda la exposición podemos apreciar cómo Dávila produce composiciones verticales, que fusionan materiales orgánicos e industriales, elementos minimalistas y clásicos, utilizando también algunos objetos de construcción que remiten a su formación de arquitecto.

Thomas Kiesewetter en la Galería Casado Santapau

 

 

Thomas Kiesewetter es un artista contemporáneo, con sede en Berlín.  Crea esculturas de metal monocromática, tanto para interior como para exterior. Su punto de inicio es siempre maquetas, hechas de cartón y papel, que se transforman en elegantes esculturas abstractas de chapa metálica dobladas de una forma juguetona y orgánica, casi humana.

 

Atornilladas y pintadas en colores vivos, sus esculturas recuerdan a figuras animadas con formas humanas o de animal producto de su imaginación. Estas figuras parecen haber sido congeladas en mitad de una acción, atrapadas a mitad de un camino en su articulación levemente neurótica. El artista se interroga sobra la imagen del cuerpo humano y su representación en la escultura, basándose en actos o posiciones figurativos-escultóricos de origen más tradicional como el beso, el abrazo, la figura del pie, o de una mujer agachada.

 

 

 

Al caminar alrededor de la escultura, las cavidades y los volúmenes se abren, se reducen y se cierran. El tiempo y el movimiento se convierte en los motivos centrales de la forma.

 

Las esculturas de Kiesewetter se han asociado repetidamente con el lenguaje formal del modernismo y sus descendientes, desde Vladimir Tatlin hasta Alexander Calder llegando hasta Anthony Caro.

 

Del 13 de septiembre al 13 de noviembre

 

 

Sin duda estas dos exposiciones pueden entusiasmar a un público muy variado.

ARTISTA EN INSTAGRAM

                            PILAR GARCÍA FERRER

Así se define Pilar Garcìa Ferrer:

 

"Desde mi infancia he estado siempre interesada en el mundo de las artes plásticas y visuales. En el año 2009 comencé la carrera de Arquitectura en la Universidad de Alcalá de Henares, tras una estancia en la Universidad de Yale (EEUU). Durante esta etapa universitaria, descubrí nuevas técnicas que me llevaron a realizar un curso de fotografía y diseño digital en la Universidad de St. Martíns en Londres.

 

Este acercamiento a las técnicas digitales fue clave en la técnica del collage que utilizo. En 2015, estudié un cuatrimestre en la Pontificia Universidad Católica del Perú en Lima. Allí diseñé proyectos de cooperación y me dediqué a viajar.

 

Inspirada en la naturaleza del Perú, empecé a hacer composiciones artísticas con la técnica del collage. Esta experiencia supuso la ampliación definitiva de mis horizontes.

 

Paralelamente a este proceso fui introduciéndome en el mundo laboral de la arquitectura, trabajando en los estudios Arquid, Chesa&Mena y StudioGronda, donde trabajo actualmente".

 

CORTA Y PEGA

 

 

La arquitecta y fotógrafa madrileña Pilar García Ferrer  se define como artista del collage. Y a esta técnica dedica su exitosa cuenta de Instagram: a sus imaginativas creaciones, cruce entre figuras y mapas, mujeres y naturaleza, y a curiosas combinaciones de fauna y alimentos, los gastroanimales, como los pinguacates o los lechufantes. Una realidad inventada que divierte y provoca, con la ayuda de la técnica digital.

 

Esta es su dirección de Instagram: https://www.instagram.com/pilsferrer/

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"THIS IS NOT AN EXIT"

       El dúo artístico Muntean-Rosenblum presenta:

     “This is Not An Exit” en el “MAC” de La Coruña

 

 

 

El pasado 1 de marzo, se inauguró una gran exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de La Coruña (MAC). El duo Muntean/Rosenblum presenta “This Is Not An Exit” (Esto no es una salida). Muntean/Rosenblum es el nombre con el que se conoce a la pareja artística Markus Muntean (Austria) y Adi Rosenblum (Israel).

 

La pintura, la instalación y la performance son las disciplinas a través de las cuales expresan su fascinación por la comunicación y las redes sociales, y en especial por aquellos fenómenos, aparentemente irrelevantes, que atraen la atención de miles de usuarios. En “This Is Not An Exit” muestran sus trabajos más recientes, como la serie Viral Videos, y una versión revisada de la gran instalación “The Twilight of Our Hearts”. La inauguración dió comienzo con una charla introductoria de los artistas y una performance en la que intervinieron practicantes locales de “parkour”, un deporte urbano que Muntean/Rosenblum presentan como metáfora de la creación artística. “This Is Not an Exit” es la obra central, junto a pinturas recientes, films y “The Twilight of Our Heart”, nueva instalación que incluye elementos escultóricos, performance y proyección multipantalla.

 

 

El título, última frase del libro de Bret Easton Ellis “American Psycho”, alude al propósito del “traceur” (practicante de “parkour”) de hallar un camino donde aparentemente no lo hay. El fin primero y principal de esta nueva instalación y performance es trasladar al museo el “parkour”, una actividad cuyos practicantes se marcan como objetivo desplazarse, sin equipo ni ayuda de ningún tipo, por un entorno complejo, de un punto a otro, de la forma más rápida y eficaz posible. La parte escultórica de la instalación se centra en la llamativa similitud formal que existe entre las cajas de entrenamiento del “parkour” y los pedestales tradicionales de los museos y galerías.

No se la pueden perder, aún está disponible hasta el 16 de septiembre. La entrada es libre y gratuita.

 

 

 

ARTE URBANO EN PORTUGAL

 

   Arte urbano en Bragança con Bordallo II

Seguro que para muchos el nombre de Bordallo II no os suena de nada, tranquilos , que a mí me pasaba lo mismo,  pero ahora vamos a conocerlo mejor. Su trabajo consiste en transformar materiales que encuentra en la basura en arte, de una manera espectacular, consiguiendo un resultado increíble como podeis ver en las fotos. Sus obras están repartidas por muchas ciudades de Portugal y del extranjero desde aproximadamente 2012.

 

 

 

Su nombre real es Artur Bordallo, lo de Bordallo II viene porque su abuelo, que también era artista, se llamaba Real Bordallo . Era un pintor paisajista que utilizó el óleo para plasmar muchos lugares de Lisboa. 

 

En  Bragança (Portugal) podemos disfrutar de parte de su arte urbano en el que destaca Borballo II con varias de sus instalaciones artísticas, como Wild Boar, Gineta y Urban Camouflage. Es impresionante ver como con parachoques de coches, tambores de lavadoras o contenedores viejos hace increíbles obras de arte en las paredes; desde lejos puede parecerte un grafiti pero cuando te acercas puedes admirar todo su trabajo, algo impresionante. 

 

Una vez que decide qué animal va a representar empieza la búsqueda de todos los materiales: chapas, contenedores, partes de coches, latas y todo lo que encuentra en la basura para conformar la instalación que luego pintará para darle más realismo. Representa animales en vez de personas y siempre con un toque de crítica social con cierto humor negro.

 

En Bragança cuando los promotores culturales propusieron a Bordallo II para hacer una de sus intervenciones artísticas, desde el ayuntamiento se echaron las manos a la cabeza , pero hoy en día aplauden aquella decisión y sin duda actualmente es un artista reclamado por muchas ciudades y en encuentros de artistas y ya es toda una estrella en el arte urbano mundial . Este artista tiene obras de todos los tamaños, desde pequeños animales a actuaciones en paredes enteras de edificios ; creo que una de las mayores es una golondrina que hizo en Polonia. A lo largo de muchas ciudades de Portugal puedes ver sus obras. Desde sus inicios en Lisboa, ha ido creando obras en  Açores, Bragança, Noruega , Las Vegas , Polonia, Italia, México, Tahití, Miami, Aruba . Como ves una estupenda colección de lugares donde puedes admirar su obra.

 

 

 

En Portugal puedes ver sus obras en ciudades como Bragança, Vila Nova de Gaia, Viseu, Leiría, Porto, y sobre todo en Lisboa donde actualmente tiene una de sus mayores colecciones de arte urbano. 

 

 

Otros artistas urbanos de Bragança

Además de las obras de Bordallo II en Bragança, donde se celebra desde hace un par de años un festival de street art llamado Sm art Art, un evento que reúne a  artistas de arte urbano de muchas nacionalidades, se encuentran grafitis y murales espectaculares, como los que puedes ver en las fotos, que ocupan paredes enteras de edificios del Bairro social da Mãe d’Água . Artistas como Bruno Santinho, Draw, Contra, Duarte Saraiva, Leon Keer, Loveglam o Zabou entre otros participan en estos encuentros con el fin de darle un toque personal al arte de Bragança convirtiéndola ya en una parada del circuito mundial de arte urbano

 

KAPOOR EN OPORTO

                                 Anish Kapoor:

      desafía a la naturaleza en un entorno    señorial

El Museo Serralves de Oporto inaugura la anticipada retrospectiva del escultor británico, con el patrocinio de Fundación La Caixa.

El artista Anish Kapoor posa dentro de una escultura suya el 6 de julio de 2018 en Oporto

El conocido escultor Anish Kapoor construyó un diálogo poético entre sus obras y la naturaleza jugando con la escala y la perspectiva en un lugar "idílico", el parque de la Fundación Serralves de la ciudad portuguesa de Oporto.

 

"Las mejores esculturas están alrededor", afirma el artista británico de origen indio extendiendo los brazos hacia los árboles que rodean la obra titulada "Sky mirror", durante la presentación de la exposición abierta al público este sábado.

 

"¿Me basta con colocar un objeto en medio...?", se pregunta el escultor de 64 años.

 

Allí, en una zona conocida como el Jardín del Reloj solar, puso un espejo cóncavo que voltea el paisaje dejando el cielo bajo los árboles. "Me interesa la extraña relación entre un objeto y su imagen. Aquí el objeto también es una imagen", explica.

 

La exposición "Anish Kapoor: obras, pensamientos y experiencias" se prolongará hasta enero de 2019 y se compone de cuatro obras en el exterior y de varias maquetas en el interior del museo para dar una visión de conjunto sobre el escultor.

 

Anish Kapoor es reputado por obras como el "Cloud Gate" de Chicago (2004), el "Leviathan" creado en 2011 para el Grand Palais de París o la torre metálica "Orbit" concebida para los Juegos Olímpicos de 2012 en Londres.

 

 

"Jardín inglés"

 

El artista, ganador en 1991 del prestigioso premio Turner, suscitó polémica en 2015 con la escultura de connotación sexual "Dirty Corner" instalada en el parque del palacio de Versalles, cerca de París. Algunos la apodaron "la vagina de la reina" y fue objeto de actos vandálicos, a veces con inscripciones de carácter antisemita.

 

"Serralves es completamente lo opuesto a Versalles. Este parque me recuerda a un jardín inglés, con sus distintos rincones, mientras que en Versalles todo está muy ordenado", describe. "En Versalles quise ser disruptivo, pero aquí trabajé en armonía con el paisaje".

 

El parque de Serralves, concebido en los años 1930 por el arquitecto francés Jacques Gréber, se extiende a lo largo de 18 hectáreas como una isla verde en plena ciudad de Oporto.

 

Una de las obras de Kapoor comparte el espacio del museo de Serralves, diseñado por el arquitecto portugués Alvaro Siza Vieira, admirado por el escultor.

 

 

 "Poder de la imaginación"

 

"Serralves tiene un espíritu extremadamente único y hay que ser un artista especial como Anish Kapoor para construir un diálogo con el lugar que no sea pasivo ni decorativo", afirma Suzanne Cotter, curadora de la exposición y exdirectora del museo.

 

Para el actual responsable de Serralves, Joao Ribas, el escultor logra restablecer al artista en su papel de "defensor del poder de la imaginación".

 

Algo patente en la obra "Descent into limbo", formada por un bloque de hormigón al que el visitante entra por una pequeña puerta para descubrir un círculo negro pintado en el suelo, que da la sensación de pozo profundo. NOTICIA CURIOSA

Descent into limbo

 

"Es un objeto que no es un objeto", bromea el artista, sugiriendo varias interpretaciones posibles: "Puede conducirnos hasta el centro de la Tierra y también representa la oscuridad que hay en el interior de nosotros mismos".

 

El escultor trabaja actualmente en una quinta escultura que revelará dentro de unos meses. Según la maqueta será una inmensa ola formada por "tierra que se repliega sobre sí misma" y que, confía el artista, creará una "sensación de asombro".

 

Montaje de la exposición



Obra de Kapoor 'La Vagina de la Reina'



 

HASTA ENERO DE 2019 

ARTE DE SUPERVIVENCIA

                         Hessie.

      Survival Art (Arte de supervivencia)

                                         Exposición en León

 

 

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, presentó el 9 de junio Survival Art (Arte de supervivencia), la primera retrospectiva dedicada a Hessie en un museo español, con la que se pretende revelar la rica y compleja diversidad del universo de una artista tan fascinante como desconocida en nuestro país.

Nacida en 1936 con el nombre de Carmen Lydia Djuric y residente en Francia desde 1962, Hessie fue una de los escasos artistas afroamericanos activos en la escena europea de los años 70. Desde finales de los años 60 desarrolló una obra singular, en la que el bordado y el collage sirven de vehículo a un mensaje de supervivencia y feminismo. Como otras artistas de su generación, se reapropió de esta técnica tradicionalmente practicada por mujeres, subvirtiéndola y sirviéndose de ella para crear expresiones contemporáneas a través de la aguja y el hilo.

 

Hessie. Survival Art (Arte de supervivencia )

Su retrospectiva en el MUSAC, co-producida junto a les Abattoirs Musée – FRAC Occitanie (Toulouse), permite descubrir a través de más de un centenar de obras a una artista marginada e invisibilizada durante mucho tiempo en el marco de la historia del arte.

La exposición reúne, en 11 apartados temáticos, sus series en tela y papel, bordados y collages, así como trabajos que la artista produjo durante su último año de vida expresamente para esta muestra. Se muestran asimismo documentales y películas de aquel periodo y vídeos más recientes, en un intento de esclarecer el “misterio Hessie”.

 

 

Burbuja creativa

Procedente de una familia multirracial, Hessie abandonó la isla de Cuba a finales de los años 50, emprendiendo un viaje que la llevaría primero a Estados Unidos y después a Francia. En 1962, junto al pintor Dado, se mudó a un molino en Hérouval (Normandía), donde siguió residiendo hasta su muerte en 2017. En esta casa Hessie instaló su estudio, lo que le permitió encerrarse en una burbuja creativa, en la que teje la estructura de una temporalidad doméstica. En esta “habitación propia”, como diría Virginia Woolf, desarrolla una obra inclasificable y atemporal sirviéndose de materiales humildes, domésticos (papel, ropa, residuos, pelo, polvo), femeninos (tela, hilo, botones) o infantiles (juguetes), con los que desarrolla un lenguaje plástico de gran precisión, minimalista y casi siempre abstracto. Ella misma se encargó de denominarlo Survival Art: un arte de supervivencia para resistir a las rupturas y las pérdidas.

Como otras artistas coetáneas, recuperó la técnica femenina del bordado para producir una escritura contemporánea con hilo y aguja. Según la crítica de arte Aline Dallier, pertenece a las “Nouvelles Pénélopes” (Nuevas Penélopes), que utilizan el lenguaje femenino para subvertirlo. En sus series de bordados y collages –Grillages, Végétation, Bâtons pédagogiques, Ecritures, Trous, Déchets or Boîtes– se aprecian también afinidades con movimientos contemporáneos como el Minimalismo, Process Art, Antiform, Soft Art, además del Arte Povera y Support/Surface.

 

Hessie. Survival Art (Arte de supervivencia)

 

El “Arte de supervivencia” tiene la intención de resistirse a la pérdida y la disolución, favoreciendo claramente materiales como detritus, objetos obsoletos y cotidianos, vestigios de una vida, gracias a la costura, una acción que pone parches, cuida y une. Survival Art enlaza con sus aliados, los movimientos de liberación feministas, o los talleres y reuniones de las mujeres solidarias y comprometidas políticamente que participan en ellos.

 

El término adquiere una nueva dimensión dado que la supervivencia reside en el corazón del destino del trabajo de Hessie, que consiguió escapar de la destrucción. A raíz de un incendio en Hérouval, una parte de las obras de Hessie resultó dañada por el agua utilizada para sofocarlo, y, a pesar de las restauraciones, las huellas aún hoy son visibles en algunas de ellas.

 

HASTA EL 14 DE OCTUBRE 

 

BALTASAR LOBO (exposición en Valladolid)

      Baltasar Lobo. Un moderno entre los antiguos

 

El Museo Nacional de Escultura de Valladolid, acoge la exposición 'Un moderno entre los antiguos', de Baltasar Lobo. Entrada gratuita.  Hasta el 28 de octubre.

 

 

 

Hijo de un carpintero con inquietudes ilustradas y talante liberal, el escultor Baltasar Lobo (1910-1994) retó las estrecheces familiares y apostó por un itinerario vital que le llevó al exilio de Francia, donde se refugió en el clasicismo griego, como recuerda la exposición en Valladolid.

 

 

 

"Un moderno entre los antiguos", lema de este muestrario, resume una personalidad, un afán y un modo de entender la vida que delatan las treinta y cinco esculturas expuestas en la Casa del Sol, una de las sedes del Museo Nacional de Escultura, que dirige María Bolaños, especialista en la trayectoria de Lobo.

 

Procedentes de la colección que el artista regaló al Ayuntamiento de Zamora, "muchas de ellas tienen el encanto de estar inacabadas, inconclusas", tanto en los bronces como en las piedras y mármoles con restos de las marcas de lápiz por donde debía continuar el cincelado, ha explicado Bolaños, historiadora del arte.

 

 

 

Su filiación con el clasicismo griego no responde a los cánones de proporciones y apariencias sino a la esencia, un espíritu que le imbuyó su primer maestro, el imaginero Ramón Núñez en el taller donde se inició como aprendiz, en la ciudad de Valladolid, que ahora le recuerda hasta el 28 de octubre en su museo de referencia.

 

Los mitos griegos y mediterráneos, la escultura ibérica, sedujo muy pronto a Baltasar Lobo, exento de la popularidad de que gozan otros creadores coetáneos, debido principalmente al exilio político que le obligó a cruzar la frontera en 1939, al término de la Guerra Civil, camino de París donde se forjó, trabajó y cobró notoriedad.

 

 

 

A su muerte, María Bolaños fue autorizada por los herederos para desplazarse a París para catalogar la obra que dejó a su muerte, la mayor parte de la cual se conserva en el Museo de Zamora, unas 650 piezas de pequeño tamaño. Faunos, centauros y principalmente desnudos femeninos configuran esta exposición.

 

Baltasar Lobo, como se aprecia en los fondos dispuestos, fue uno de los escultores de la etapa moderna que "rehabilitó una forma de trabajo ancestral como fue el trabajo directamente sobre la piedra" para poner de manifiesto "la parte más artesanal del oficio y física de la creación", ha apuntado Bolaños.

 

 

 

La mayor parte de las esculturas son figuras femeninas, a excepción de una pieza que cinceló como diseño para su tumba en el cementerio de Montparnasse, en París, donde reposan sus restos.
 

En ese barrio parisino estableció su estudio, "de luz diáfana y lechosa", como se aprecia en una fotografía de gran tamaño, en blanco y negro, donde posa rodeado de algunas piezas en fase de creación.

 

Tímidamente anarquista, Baltasar Lobo fue tutelado por Picasso, de quien recibió alguna influencia en el tratamiento de los mitos griegos, especialmente desde la contemplación del "Guernica", y no enderezó su animo vital hasta los cincuenta años, fruto de una existencia convulsa que tuvo su eje en el exilio, a los 29 años de edad.

 

Su obra, a juicio de María Bolaños, no es del todo conocida en España como sí lo es en Francia, Suiza, Suecia y Venezuela, ha mencionado entre otros países.

 

En 1985 recibió el Premio Castilla y León de las Artes, como reconocimiento por una parte y un año antes el Nacional de las Artes Plásticas.

 

 

CHEMA MADOZ EN ZARAGOZA

       Exposición Chema Madoz 'Ars combinatoria'

El fotógrafo madrileño Chema Madoz y la comisaria de la muestra, Olivia Rubio,
 

De la misma manera que la palabra es el vehículo a través del cual los poetas transmiten sus inquietudes, el fotógrafo madrileño CHEMA MADOZ  emplea las imágenes de objetos cotidianos para reflejar su visión particular de la época actual e invitar al espectador a la reflexión. La exposición ‘Ars combinatoria’ realiza un recorrido por los distintos estadios creativos del autor, distinguido con el Premio Nacional de Fotografía por el Ministerio de Cultura. Podrá visitarse en la Lonja de Zaragoza hasta el próximo día 9 de septiembre.

La exposición consta de una selección de 74 fotografías de entre 1987 y 2014 en blanco y negro, impresas sobre papel baritado y virado al sulfuro. Asimismo, reúne 24 portadas de sus trabajos gráficos y una muestra del libro ‘Fotopoemario’, creado por Fernando Bellver, en el que combina la lírica de Joan Brossa con las instantáneas del propio Madoz. La muestra la completa la proyección del documental ‘Regar lo escondido’, un audiovisual de casi una hora de duración producido por Televisión Española que ofrece una panorámica de la obra del madrileño.

 

 

"Madoz combina extrañeza con familiaridad. Nos enseña aspectos de nuestro tiempo, nos lleva a replantearnos cosas, pero tampoco podríamos decir que realiza una crítica social", ha explicado la comisaria de la muestra, Olivia Rubio, en la inauguración de este jueves. Esa invitación a la reflexión se plasma en fotografías "preciosistas", que abordan desde el poder devastador de las drogas, con una imagen en la que se ve una jeringuilla, a lo efímero de la fama, a través de los cubitos de hielo que desaparecen en un vaso de agua, o la esclavitud que provoca la avaricia, insinuada en la instantánea de un collar de perlas convertido en soga. "No poseen título para evitar orientar la mirada del espectador", ha aclarado Rubio.

 

 

 

 

"Un universo inacabable"

 

El proceso creativo comienza a partir del encuentro del fotógrafo con un objeto que le sugiere un concepto, una idea. O al revés. La imagen es la que nace de un pensamiento que cristaliza en un elemento físico. Es entonces cuando Madoz lo manipula, lo inventa o, simplemente, lo retrata al natural en una de sus instantáneas. "Yo puedo agotarme, pero los objetos son un universo inacabable", ha indicado.

 

Ha explicado también que sus imágenes son "un crisol de influencias" que bebe de disciplinas como la literatura o el cine. Y ha insistido en que cada una de las fotografías le permiten "tocar infinidad de temas". Es por ello que abandonó la idea de representar figuras humanas, porque los objetos son un terreno en el que tiene "todo por descubrir, que coge cada vez más intensidad".

 

 ‘Ars combinatoria’ se enmarca dentro de las muestras que el Festival Photoespaña reparte por el país. En Zaragoza, además de la de Chema Madoz en la Lonja, se puede contemplar la obra gráfica del argentino Marcelo Brodsky, en torno a los movimientos de mayo de 68, y la de Judith Prat, acerca de los conflictos del Congo y Nigeria. Ambas se exponen en el Centro de Historias.

 

VASARELY Y EL OP ART

Victor Vasarely. El nacimiento del Op Art

Desde junio de 2018, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición monográfica sobre Victor Vasarely (Pécs, 1906 - París, 1997), uno de los principales representantes del Op Art.

Organizada con fondos del Museo Vasarely de Budapest, el Museo Victor Vasarely de Pécs y la Fundación Vasarely de Aix-en-Provence, además de destacados préstamos de colecciones privadas, la muestra pretende ofrecer una visión global de la vida y obra del pintor húngaro, quien realizó lo mejor de su producción en Francia.

En la exposición estarán representadas las principales fases creativas de su carrera para mostrar un recorrido cronológico de su evolución artística. El visitante podrá así apreciar el papel fundamental de Vasarely en el desarrollo de la abstracción geométrica de posguerra y conocer, al hilo de sus principios y reflexiones teóricas, los experimentos que realizó para integrar el arte en la sociedad.
 

Comisario: Márton Orosz.

 

Del 7 de junio al 9 septiembre de 2018