ARCOlisboa 2023

 

Visitamos ARCOlisboa 2023: cinco galerías que no te puedes perder

• ANA FARIÑA

En el mismo espacio donde la Marina portuguesa fabricaba cuerdas para sus barcos hace más de 200 años, hoy se fabrican los sueños de muchos artistas contemporáneos. Ubicada en un imponente edificio industrial del siglo XVIII, –la Cordoaria Nacional de Lisboa-, se celebra la feria ARCOlisboa 2023. Una feria de arte que va ya por su sexta edición. Desde el 25 de mayo y hasta el domingo 28, la capital portuguesa es el punto de encuentro artístico y cultural de mayor atractivo e interés de Europa. En COOL recorremos detenidamente la feria y visitamos y entrevistamos a algunos los galeristas y a su directora, Maribel López. «Es muy diferente a ARCO Madrid. Aquí Lisboa está presente en todos los rincones», cuenta.

Embleme de Miguel Barceló en Galería Elvira González en ARCOlisboa 2023

«Hay mucha presencia de arte portugués y una mirada al arte africano. ¡Hay que venir para verla!, estamos de enhorabuena. Vemos que éste es un momento bueno para el arte y hemos decidido dar este paso», concluye la directora de ARCO muy satisfecha. Es un muestra internacional, sin duda inmportante para coleccionistas y galeristas.

LEER MÁS

UN NUEVO MUSEO

 

El nuevo museo de arte contemporáneo de Madrid abre sus puertas en Gran Vía

• PALOMA HERCE

Madrid es un hervidero de cosas nuevas. Restaurantes, galerías… y también museos. El panorama cultural de la capital española está en continuo movimiento. Siempre se ha dicho:en Madrid siempre están pasando cosas. ¿La última? Un nuevo centro dedicado al arte contemporáneo en una de las arterias principales de la capital: la Gran Vía. La calle más icónica del centro da paso al mundo del arte, con un nuevo lugar que no dejará indiferente a nadie. En sus paredes encontraremos lo mejor del arte contemporáneo. Pasen y vean.

Las puertas de Gran Vía 15 se abrirán en unos días, por lo que queda poco para descubrir qué vamos a encontrar aquí. En primer lugar, una exposición de Okuda San Miguel. Se presenta bajo el nombre de ‘Walking Life’. ¿Y qué es esta muestra exactamente?  » Propone un recorrido artístico en el que se invita al visitante a reflexionar sobre los caminos que la vida nos ofrece y los que elegimos tomar en el cambiante contexto en el que vivimos. El origen común, la herencia cultural, la gente que nos rodea, las conexiones que establecemos entre nosotros o la cantidad de información que recibimos son algunos de los conceptos que dan forma a las diferentes etapas de esta experiencia», nos explican. «Es una instalación que explora un mundo surrealista donde el color, las estructuras geométricas, el sonido y las instalaciones audiovisuales conectan la imaginación con lo físico».

NOTICIA COMPLETA

MNAC

 

Mey Rahola (1897-1959). La nueva fotógrafa

Mey Rahola (León, 1897-Vaucresson, 1959) fue una de las primeras mujeres en hacerse un nombre en el ámbito de la fotografía artística en España. En poco tiempo, entre 1934 y 1936, su afición adquirió una dimensión pública a través de exposiciones, premios y publicaciones.

 

Afirmándose como fotógrafa más allá del ámbito familiar, Mey Rahola participó en la construcción de un nuevo papel de la mujer en la esfera pública durante la II República: una mujer independiente, viajera, empática e irónica. La guerra y el exilio truncaron esa carrera prometedora, pero ella siguió haciendo fotografías ambiciosas, profesionalmente durante la Segunda Guerra Mundial y después como aficionada.

 

Mey Rahola fue fotógrafa de todas las maneras posibles para una mujer de su tiempo: aficionada moderna con proyección pública en salones y concursos profesionales con una breve vocación de fotorreportera y, finalmente, fotógrafa humanista alejada de la luz pública. Nos legó una obra de autora, firmada y ordenada, pero que ha permanecido olvidada durante más de medio siglo. Su archivo personal sufrió las sacudidas de la historia y ha permanecido durante muchos años disperso en la familia. Por primera vez, el Museu Nacional pone en valor la trayectoria de esta fotógrafa pionera. Además, durante el 2020 y el 2021 se han adquirido un total de 14 de sus obras, a través del Pla Nacional de Fotografia, que se podrán ver en la exposición.

Ésta, de carácter antológico, sigue un itinerario cronológico en tres etapas que reflejan las transformaciones de su práctica fotográfica, que a su vez se suceden al ritmo de las grandes crisis políticas del siglo: 1931-1936, 1937-1945 y 1946-1959. Está planteada como un tríptico que pone en valor la coherencia de una trayectoria constantemente atenta a las inquietudes de su tiempo a pesar de las rupturas históricas.

 

Simultáneamente, el Museu de l’Empordà presentará una exposición que pondrá el acento en el género fotográfico en el que más destacó Mey Rahola en los años 1930, el de las marinas. Igual que la fotografía, la navegación deportiva fue para ella un espacio de emancipación y de afirmación al que la Guerra Civil, con su rastro de destrucción y exilio, puso punto final. Han quedado, sin embargo, huellas de aquel idilio moderno que permiten hoy reconstruirlo y revelar la mirada y la trayectoria de una mujer única.

 

Este proyecto se enmarca en el programa de actividades del Centenario de la Agrupación Fotográfica de Cataluña 2023. 

 

Hasta el 29 de mayo de 2023

CENTRO BOTIN

 

RONI HORN: ME PARALIZA LA ESPERANZA

1 DE ABRIL AL 10 DE SEPTIEMBRE, 2023

Me paraliza la esperanza es una exhaustiva presentación de la artista estadounidense Roni Horn (Nueva York, 1955) adaptada específicamente para el Centro Botín. La exposición ha sido diseñada por la artista en respuesta a la arquitectura del edificio y a su ubicación frente a la bahía de Santander.

Las obras expuestas y su singular disposición refuerzan la idea de Horn de estar presente en el momento, atenta a su entorno y a las variaciones atmosféricas. Con ese espíritu, la muestra nos invita a relajarnos, a prestar atención a los emparejamientos y contraposiciones que se nos presentan en cada una de las salas, a dedicar tiempo al profundo diálogo que se crea entre el espacio, la luz, el agua y la serena radicalidad de la obra de Horn.

La exposición comprende tres décadas de la carrera de Roni Horn a través de fotografías, dibujos, esculturas y una performance, todas de naturaleza conceptual, y pone de relieve su incesante exploración del proceso de cambio en relación con la identidad y el lugar.

Además, se muestra por primera vez LOG (March 22, 2019 - May 17, 2020), una serie de 406 dibujos que funcionan como un registro de las observaciones diarias y acontecimientos que atestiguan la sensibilidad y voz de la artista.

Desde 1975, la artista ha viajado por los remotos paisajes de Islandia: esas experiencias de soledad en un paisaje geológicamente joven —y, por tanto, cambiante— han ejercido una importante influencia en su vida y en su obra. El agua y el clima también son fundamentales en la práctica de Horn, ya que su mutabilidad y su naturaleza ambigua reflejan nuestra identidad, entendida como algo que no es fijo ni estable.

Me paraliza la esperanza está acompañada de una publicación, coeditada con La Fábrica, que incluye textos encargados específicamente para este proyecto de la autora estadounidense Carmen María Machado y de la investigadora y escritora española Isabel de Naverán, así como una conversación entre Roni Horn y la comisaria Bárbara Rodríguez Muñoz.

Comisariada por Bárbara Rodríguez Muñoz, directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín.

ARTE DIGITAL

 

Descubre el Festival Urbano de Arte Digital de Madrid: vídeos y arte contemporáneo inundan la capital

• ANA FARIÑA

«El arte digital no es una disciplina menor», sentencia Diego Iglesias, cofundador del MMMAD Festival Urbano de Arte Digital de Madrid que estrena su IV edición en la capital de España, en una entrevista con COOL. Más de 50 artistas; exposiciones, talleres y 9 conferenciantes de 22 nacionalidades distintas, así es el MMMAD este año que acaba de abrir sus puertas. Artistas muy consagrados, y otros no tanto, que inundan la capital de España en 11 sedes diferentes y con 428 pantallas urbanas que proyectan las obras en vídeo.

Serrería Belga, en la calle Alameda 15 de Madrid, es la base de operaciones de este Festival Urbano que se celebra durante todo el mes de mayo. La cita cuenta con invitadas internacionales expertas: Julia Kaganskiy (Ucrania), Martina Menegon (Austria), Hsiang-Yun Huang (Taiwan), Linda Dounia (Senegal) y Elodie Anglade (Suiza). El encuentro culminará con una performance de Bora (Francia).

NOTICIA COMPLETA

NUEVAS GALERÍAS

 

Estas son algunas de las nuevas galerías más COOL del panorama artístico

• PALOMA HERCE

Nuestro país tiene cada vez más galerías. Si es cierto que Madrid y Barcelona podrían considerarse las capitales del arte, con sus museos y sus exposiciones, pero poco a poco el resto de la geografía española se salpimenta de direcciones que cada vez cobran más importancia gracias a sus odas y homenajes al arte. En su mayoría, en ellas encontramos arte contemporánea. No han abierto tantas últimamente pero sí las suficientes para darle el protagonismo que se merecen. Hablamos de cuatro galerías repartidas por la geografía: Madrid, Valencia, Sevilla y Alicante. Todas con una historia y un algo especial que les hace únicas. Aquí cuatro galerías muy COOL que brillan en el panorama artístico.

Opera Gallery (Madrid)

Hablamos con BELÉN HERRERA, la directora:

El próximo 10 de mayo abre, en el número 56 de la icónica calle Serrano, Opera Gallery. Una de esas galerías que aunque no haya abierto sus puertas, ya ha empezado a revolucionar el Barrio de Salamanca, ya que se trata de una de las más afamadas del mundo. Cuando abra sus puertas, en sus paredes encontraremos un homenaje a algunos de loa artistas más importantes del siglo XX, como Picasso o Fernand Léger y contemporáneos como Fernando Botero o Manolo Valdés. «Mostramos artistas emergentes combinados con grandes maestros del arte contemporáneo y moderno», explica a COOL Belén Herrera, su directora. Esa es la filosofía de Opera Gallery alrededor del mundo: Nueva York, Miami, Londres, Móncaco, Seul , Ginebra, Dubái… y ahora Madrid.

Calle Serrano, 56. Madrid.

SEGUIR LEYENDO

JUAN MUÑOZ

 

"Juan Muñoz. Todo lo que veo me sobrevivirá"

La Sala Alcalá 31 presenta “Todo lo que veo me sobrevivirá”, una exposición dedicada a la producción de la década de los noventa del artista Juan Muñoz, uno de los artistas europeos más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Un doble homenaje que se celebra en la Sala Alcalá 31 y el Museo Centro de Arte Dos de Mayo a través de una doble exposición que recorrerá dos décadas de la intensa trayectoria de Juan Muñoz, precisamente en el año en el que se cumplen 70 años del nacimiento de este artista.

La exposición de la Sala Alcalá 31 reúne algunas de sus piezas más icónicas, fechadas entre los años 90 y 2001, año de su prematura muerte. Esta última década de producción de Juan Muñoz estuvo marcada por el dominio del espacio, en una concepción neobarroca, y por la recuperación de la figura humana como elemento central de trabajo. Su vocación existencialista, su cualidad emocional y su reivindicación del truco, de la suspensión de la incredulidad, determinaron la ficción como una característica fundamental del arte contemporáneo, avanzando un cambio que será esencial dentro del arte en el siglo XXI.

Entre todas las obras que podrán verse destaca Plaza, pieza procedente del Kunstsammlung K21 Dusseldorf, que no se ha visto en España desde que el Museo Reina Sofía le dedicó en el Palacio de Velázquez la muestra Monólogos y diálogos en 1996. Asimismo, la muestra contará con préstamos procedentes de varias colecciones, tanto nacionales como internacionales, de museos como el Stedelijk van Abbe Museum de Eindhoven, el S.M.A.K. de Gante o la Fundación Botín.

La trayectoria de Muñoz se truncó en el momento de su máximo apogeo, después de inaugurar su gran instalación en la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. De ahí que la muestra de la Sala Alcalá 31 toma su nombre de una cita de la poeta rusa Anna Ajmátova (1889 – 1966) que Muñoz recogió en una de las últimas notas de sus cuadernos de preparación para la muestra en el museo londinense.

Esta exposición tendrá su continuidad en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo entre junio y noviembre de 2023 con una muestra que incluirá diversas instalaciones, esculturas, dibujos y pinturas de su primera década de trayectoria.

Juan Muñoz (Madrid, 1953 – Ibiza, 2001) pasó un año estudiando arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid antes de decidir huir de la España franquista hacia Londres en 1970. Muñoz pasó a estudiar en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres (1976– 1977);  en el Croydon College of Design and Technology, Londres, donde se centró en el grabado (1979–1980); y en el Pratt Graphics Center, Nueva York (1981). Los períodos que Muñoz pasó viviendo en Londres y Nueva York fueron particularmente formativos. Mientras estuvo en Londres, su trabajo se basó principalmente en la interpretación y se interesó progresivamente en un grupo de artistas que estaban trabajando para ir más allá del canon de la escultura tradicional, como Richard Deacon y Bill Woodrow, entre otros.

Al mudarse a Nueva York en 1981, recibió una beca Fulbright. También comenzó su trabajo en escultura y fue fuertemente influenciado por creadores como Philip Guston, Robert Morris, Barnett Newman y Robert Smithson. Muñoz desarrolló una amistad con la curadora española Carmen Giménez, quien le presentó al influyente escultor Richard Serra.

El trabajo de Muñoz ha sido objeto de numerosas presentaciones individuales en los Estados Unidos y Europa. En el año 2000, la Tate Modern de Londres también le encargó que fuera el segundo artista, tras Louise Bourgeois, en hacerse cargo de su Sala de Turbinas. Muñoz pasó meses desarrollando una gran instalación, que se abrió al público en 2001, año de su fallecimiento.

GALERÍA DE FOTOS

VISITA EXPOSICIÓN

FOLLETO EXPOSICIÓN

HASTA EL 9 DE JULIO

LUCIEN FREUD EN EL THYSSEN (MADRID)

 

Lucian Freud. Nuevas perspectivas

Del 14 de febrero al 18 de junio de 2023

Con motivo del centenario del nacimiento del pintor británico Lucian Freud (1922-2011), el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la National Gallery de Londres presentan una exposición retrospectiva que reúne más de medio centenar de obras.

Freud, uno de los pintores figurativos más excepcionales de la modernidad, nació en Berlín, y en 1933, al llegar el nazismo al poder, emigró junto a su familia a Londres. En su juventud, el ambiente familiar le proporcionó una considerable y variada cultura: su padre era un arquitecto de renombre, su madre estudió historia del arte y su abuelo fue Sigmund Freud, el célebre creador del psicoanálisis. En su edad madura, el artista llegó a convertirse en una leyenda, debido a su trepidante vida personal, que se desarrolló tanto en ambientes aristocráticos como en los bajos fondos.

Desde un principio, Freud tomó partido por el arte figurativo centrándose en la representación de los seres humanos. El autorretrato, el retrato y el desnudo constituyeron el eje principal de su producción artística. Tradicionalmente su obra se ha vinculado a la denominada Escuela de Londres, que más que una escuela era un grupo de pintores figurativos afincados en la capital británica, como Francis Bacon, Frank Auerbach, Leon Kossoff o Michael Andrews.

Se intuye en Freud una cierta aspiración a medirse con la gran tradición de la pintura. En su obra se pueden rastrear toda una serie de alusiones a los grandes maestros, desde Holbein, Cranach, Durero, Hals, Rembrandt o Tiziano, hasta Watteau, Courbet, Rodin o Cézanne. Su pintura fue una búsqueda permanente de la verdad, lo que le llevó a trabajar siempre del natural, delante del motivo, con un lenguaje plástico que compagina insolencia e independencia, traspasando en ocasiones los límites del decoro.

La muestra se divide en varias secciones que, de forma más o menos cronológica, repasan la evolución y la temática de siete décadas de la producción del pintor: Llegar a ser Freud, dedicada a sus primeras obras, con una decidida voluntad figurativa; Primeros retratos, en los que se manifiesta ya su deseo de capturar la esencia de sus modelos; Intimidad, que muestra su predilección por retratar a personas de su entorno; Poder, donde se incluyen retratos de personajes destacados que el artista acepta realizar siempre que acaten sus condiciones de trabajo; El estudio, su espacio de creación convertido en escenario de sus composiciones, y La carne, con los últimos retratos desnudos de una fisicidad tan poco complaciente que pueden resultar impúdicos.

Exposición organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y The National Gallery, Londres

VISITA VIRTUAL

BOUCHRA KHALILI ( MACBA DE BARCELONA)

 

Bouchra Khalili. 

Entre círculos y constelaciones

Bouchra Khalili hilvana un repertorio de microrelatos de vida que nos hablan de la pertenencia, las luchas anticoloniales y las estrategias de resistencia de las comunidades sometidas.

Todos somos testigos de nuestra propia historia, pero ¿cuál es la historia que se consolida como memoria colectiva? ¿A quién corresponde, quién la transmite? Basándose en varias formas de historiografía, y conversaciones y material de archivo, Bouchra Khalili (nacida en Casablanca en 1975, vive y trabaja en Berlín) explora con su práctica artística las luchas anticoloniales y las historias de liberación y solidaridad poscolonial. Khalili entreteje relatos históricos con historias de vida para afianzar la agencia política de los sujetos invisibilizados por el modelo de ciudadanía y del estado-nación contemporáneo.

El lenguaje y el habla constituyen una parte esencial de las investigaciones de Khalili, quien los utiliza como una poderosa forma de resistencia frente a los poderes hegemónicos. El título de la exposición alude a Al-Halqa, literalmente «el círculo» o «la asamblea», una tradición centenaria de Marruecos que consiste en presentar relatos orales en espacios públicos, en los que la intervención de los oyentes tiene un papel esencial y la narración se despliega en múltiples capas. A través de un diálogo constante entre la historia y nuestro presente, la exposición reflexiona sobre la pertenencia, la acción cívica y la necesidad de lo que la artista llama «ciudadanía radical».

Entre círculos y constelaciones reúne proyectos que Khalili ha realizado durante los últimos diez años, entre los que se cuentan películas, vídeo instalaciones, fotografías y material documental. La exposición acogerá el estreno europeo de The Circle (2023), una videoinstalación que examina y reactiva el legado del Movimiento de Trabajadores Árabes y los grupos de teatro vinculados al mismo, Al Assifa y Al Halaka, en la Francia de la década de 1970.

La exposición de Bouchra Khalili en el MACBA tendrá como colofón una publicación que incluirá una selección de obras y la nueva producción The Circle, instalada en las salas del museo. Además, contará con ensayos de la propia Khalili, KJ Abudu, Övül Ö. Durmusoglu, Olivia C. Harrison, Rocé y una conversación de la artista con Omar Berrada.

HASTA EL 28 DE MAYO

SOBRE LA AUTORA