AÍNDA ESTAMOS A TEMPO

II Congreso de Arte de Acción. Fugas e interferencias

Presentación do programa

 

Unha conferenciante chegada desde Polonia e a participación nas súas diferentes mesas de investigadores e investigadoras procedentes de México, República Dominicana, Romanía e Estados Unidos constatan a aposta de Fugas e Interferencias, o congreso dedicado á arte de acción que promoven os investigadores da Facultade de Belas Artes Carlos Tejo, Marta Pol e Alba Blanco, por converterse en internacional na súa terceira edición. A Casa das Campás e o Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) serán, entre o 29 de novembro e o 1 de decembro, as sedes deste foro dirixido a promover unha reflexión teórica sobre unha disciplina pouco abordada desde o ámbito académico, que, un ano máis, completará as súas conferencias plenarias e mesas de comunicación cunha serie de performances, tanto nas rúas de Pontevedra, no mediodía dos xoves 29, como no CGAC, onde o venres 30 e sábado 1 terán lugar as accións de Amaya González Reyes e Berio Molina.

 

Performance de Ana Gesto no 2013

 

 

“Ese anos fixemos un esforzo e decidimos abrinos ao internacional”, sinalou Carlos Tejo, cando presentou na Casa das Campás o programa deste congreso  que viviu nesta edición un aumento do número de comunicacións presentadas polos investigadores e investigadoras. A reflexión teórica sobre a arte de acción; a natureza híbrida desta disciplina e a incorporación de estratexias procedentes do teatro contemporáneo, a videoarte e a danza; e as posibles interseccións entre a arte de acción e o contexto político, a perspectiva de xénero e o feminismo constitúen os tres eixos en torno aos que se articularon as seis mesas de presentación de comunicacións, nas que preto de 20 investigadores e investigadoras abordarán esta arte desde múltiples disciplinas, incluíndo campos como “as relacións da performance coa tecnoloxía ou mesmo cos videoxogos” ou o seu uso “como ferramenta política”, explicou Tejo.

 

Performance

 

 

Da reflexión teórica ás accións do alumnado

 

Por primeira vez, unha destas mesas, moderada pola investigadora en artes escénicas contemporáneas Alicia Corral, desenvolveuse na Casa das Campás, o xoves 29 ás 11.00 horas, despois do acto inaugural e da presentación do libro de actas da segunda edición do congreso.  Rematada esa primeira mesa, ás 12.30, o programa deste congreso internacional inclúe tamén unha sesión de performances a cargo do alumnado da materia Proxectos de arte de acción, que se desenvolverá nas rúas de Pontevedra e na propia Facultade de Belas Artes. 

 

Comunicacións, performances e tres conferencias plenarias no CGAC

 

Para o venres 30 están programadas as conferencias La performance ante la historia: espacios y tiempos para el arte de acción, a cargo do profesor da Universidad Autónoma de Madrid e crítico especializado Juan Albarrán, e Verde eléctrico bajando la escalera (la performance fuera de escena), das artistas e profesoras da Universidad de Castilla-La Mancha Elena Cabello e Ana Carceller, “que teñen unhas achegas á performance que nos interesaban moito polo seu seu achegamento á perspectiva de xénero”.

 

Esta reflexión teórica combinaranse así mesmo no CGAC coas accións que desenvolverán Amaya González Reyes e Berio Molina e con outra das novidades desta terceira edición, a articulación dun “espazo de reflexión crítica sobre teses de doutoramento” e que, na tarde do xoves 29, protagonizaron dúas investigadoras da Universidade de Vigo, Cynthia Bondenhorst e Paloma Recio. “Dentro da produción teórica da academia, parecíanos interesante reflexionar sobre aquelas teses de doutoramento xa lidas ou que estean en construción que se centran na performance”, engadiu Tejo desta nova mesa que, explica, nace con vontade de que teña continuidade en sucesivas edicións.   

 

 

PROGRAMA

  

UNA BUENA EXPOSICIÓN EN BARCELONA

                             REALISMO JAPONÉS

Por primera vez en Europa se presenta la obra de los más prestigiosos artistas japoneses contemporáneos

El Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) acoge  ‘Realismo Japonés Contemporáneo’, con las obras más destacadas del Hoki Museum de Tokio, dedicada exclusivamente a la pintura realista actual.

 

 

'La mujer que amaba las barbas' (2012) de Fumihiko Gomi.

 

 

Además del alto nivel artístico de esta exposición, la propuesta del MEAM significa la primera vez en Europa de los más prestigiosos artistas japoneses contemporáneos, en el campo de la figuración y el realismo.

 

 La muestra   reúne las 60 obras más destacadas del primer museo en Japón dedicado exclusivamente a la pintura realista actual.

 

'Estilo de vida con máscara de gas-versión adulta' (2017) de Kenichiro Ishiguro.

 

 

‘Realismo Japonés Contemporáneo’ cuenta con la participación de 14 pintores japoneses de gran prestigio, desde los pioneros, consolidados a los ya maestros dentro de este escena pictórica.

 

Figuras femeninas dotadas de la sensibilidad y la exquisitez propias del arte nipón o paisajes cuidadosamente trabajados son algunos de las motivos principales que forman la exposición.

 

'Paso de Orofure' (2010) de Hiroshi Noda

 

ALGO SOBRE LOS ARTISTAS:

 

Hiroshi Noda es el sensei (maestro), el decano del realismo japonés. Ni siquiera parece que tenga 82 años, ni que haya vivido la durísima posguerra de la II Guerra Mundial, que dejó un Tokyo devastado y dos bombas atómicas en su isla. En una época en que predominaba el arte abstracto, Noda encontró en el realismo su tao, su particular camino hacia el alma. «Se dice que lo figurativo es una técnica clásica, del pasado. Pero el realismo es una manera para alcanzar la verdad, la existencia del ser», asegura Nodaen una de las salas del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), donde expone tres obras: un desnudo, un paisaje y el retrato de una niña.

 

Noda habla de eternidad, alma y espíritu. Le fascina el Palau Gomis, un palacete dieciochesco del Born. Señala la pared de color crema, rugosa, con cicatrices:«Esto es como un cuadro. Aquí hay tiempo. Pero pocos pintores usan el volumen y las texturas, como hacía Antoni Tàpies, por ejemplo». Ahora sí, señala su desnudo femenino, con un fondo matérico:«Los humanos somos frágiles. Hay que contrastar la fragilidad del cuerpo con el peso de la materia para buscar esa eternidad», explica el artista, que hace más de 20 años fundó el Instituto de Estudios de Pintura Realista Contemporánea en Hiroshima.

 

Noda encabeza la delegación japonesa que ha aterrizado en Barcelona para la inauguración de Realismo japonés contemporáneo, una colectiva de 14 artistas que se podrá ver hasta el 2 de diciembre. Es la primera vez que las colecciones del Hoki Museum salen de Japón. Será un camino de ida y vuelta: en primavera, el MEAM viajará a Chiba (ciudad de 900.000 habitantes en la bahía de Tokyo) para mostrar a los artistas nacionales.

 

La exposición descubre las tendencias del nuevo realismo japonés, que se enmarca entre el clasicismo europeo y cierta espiritualidad zen. De hecho, sorprende la marcada influencia de la tradición occidental, sobre todo en los bodegones y paisajes de Toshiro Aoki, que desprenden cierto aire del siglo XVIII, aunque con una luz distinta. Aoki vivió un par de años en Berlín y el sur de Francia. Viajar a Europa es casi una obligación entre los artistas japoneses.

 

Tras graduarse en la Universidad de Arte de Musashino, Ryo Shiotani estudió durante un año en Florencia, sumergiéndose en el Renacimiento, replicando las obras de Leonardo Da Vinci. «Aprendí sobre todo óleo y témpera. No hago pintura europea, soy japonés. En mi obra hay un fuerte espíritu japonés pero con técnicas europeas», explica. Su colega Osamu Obi también estudió en la facultad de Musashino y después se marchó a París, donde se hizo un asiduo del Louvre y copiaba a Rembrandt.

 

¿Dónde reside ese espíritu japonés?«En la cultura japonesa existe un gran respeto hacia la naturaleza. Creemos que hay algo de divino y sagrado en el mundo natural. Por eso trato de incorporarlo en mi obra», apunta Toshihiro Ohata, que en sus paisajes de playa pinta literalmente con arena. «No se trata de una mera representación de la realidad. Necesita profundidad y espiritualidad. Pintar es algo espiritual», dice frente a su Barca varada (2010).

 

"Escena del mar interior:vista lejana del Monte Noro".Toshihiro Ohata

 

 

«Desde Antonio López ha habido un boom de la pintura realista española, hay mucho interés fuera», explica José Manuel Infiesta, director del MEAM. De hecho, en 2013, el Museo de Arte de Nagasaki dedicó una magna retrospectiva a Antonio López titulada Maestro del realismo. Y uno de los jóvenes artistas nipones, Kenichiro Ishiguro, realizó varios talleres con el maestro español. Aunque Ishiguro no ha podido venir a Barcelona se muestran varias de sus obras. En sus paisajes industriales su realismo recuerda al de Richard Estes. Luego están los retratos de Estilo de vida con máscara de gas, que remiten a los desastres nucleares de la IIGuerra Mundial y a la fuga radioactiva de Fukushima.

 

El Hoki Museum abrió sus puertas en 2010. Y sólo 10 meses después lo hizo el MEAM. «Estando en la otra punta del mundo y sin conocernos, ambos museos apostamos por la figuración como forma expresiva del nuevo arte contemporáneo», destaca Infiesta. De ese azar nace un camino de ida y vuelta, de intercambios que acaban de empezar.

 

FUNDACIÓN MAPFRE MADRID

 

 

                    Redescubriendo el Mediterráneo

Claude Monet. La Méditerranée, (Cap d’Antibes), 1888

 

Comisariada por Marie-Paule Vial, ex directora de los museos de Marsella y del Musée National de l’Orangerie, y Pablo Jiménez Burillo, director del Área de Cultura de Fundación MAPFRE, la Sala Recoletos en Madrid acoge, desde el 10 de octubre de este año y hasta el 13 de enero de 2019, Redescubriendo el Mediterráneo. Como señala el propio Burillo: “La historia del arte, tanto en Francia como en España, sería casi inexplicable sin ésta, a veces obsesiva, presencia del Mediterráneo. Su luz, sus colores puros y lo profundo de sus resonancias culturales”.

 

La exposición propone un recorrido a través de 143 pinturas y esculturas de diversos artistas que, entre finales del siglo XIX y principios del XX, encontraron un momento feliz en el modo de hacer arte y de representarlo, una felicidad que desearon proyectar en el arte posterior. El Mediterráneo como reconciliación con el pasado pero también un lugar de libertad artística que se convierte en una de las grandes referencias en sus distintas declinaciones para la creación y evolución de un arte moderno.

 

Esta exposición, de cuya complejidad da cuenta el hecho de que hayan colaborado 77 prestadores, se celebra en el marco de Picasso-Méditerranée, manifestación cultural internacional que se desarrolla de 2017 a 2019. Más de sesenta instituciones han preparado juntas una programación en torno a la obra “obstinadamente mediterránea” de Pablo Picasso. A iniciativa del Musée National Picasso-Paris, este recorrido por la creación del artista y los lugares que le inspiraron brinda una experiencia cultural inédita con el propósito de estrechar lazos entre todas sus orillas.

 

Théo van Rysselberghe
La punta Saint-Pierre en Saint-Tropez, 1896

 

MUJERES ARTISTAS

PONTEVEDRA

Catro fotoxornalistas protagonizarán a mostra 'Enfocadas, 4 olladas da actualidade'

As fotoxornalistas Mónica Patxot, Cristina Saiz, Beatriz Ciscar e Alba Sotelo, con ampla experiencia en medios de comunicación, escolleron seis imaxes cada unha para mostrar a súa perspectiva da realidade nunha exposición que, baixo o título de 'Enfocadas', poderase visitar  ata o 9 de decembro no Centro de Interpretación das Torres Arcebispais (CITA). 

 

Beatriz Ciscar. Retrato

 

 

Esta actividade inclúese dentro do evento ENFOCA-Encontro fotográfico, que foi presentado pola concelleira de Dinamización Sociocultural, Carme da Silva e tres das fotoxornalistas que participan na mostra. Beatriz Ciscar alertaba da enorme desigualdade que existe no sector audiovisual onde segue rexistrándose un baixo número de fotógrafas nos cadros de persoal. Con 'Enfocadas' quérese visibilizar a presenza da muller no mundo da imaxe. 

 

Mónica Patxot. Pontevedra

 

 

O encontro fotográfico que propón Enfoca tamén ofrecerá un diálogo o xoves 29 de novembro no Museo CITA entre a xornalista de PontevedraViva, Marisa Ciordia e a directora de fotografía da película ' Doghs', Lucía Catoira, que recibía o premio Mestre Mateo 2018.

 

Alba Sotelo e Adrián Mandado

 

 

O venres 30 desenvolverase a ruta 'Cunca e nécora Expertxs', un divertido percorrido pola cidade no que a través de Whatsapp hai que descubrir os lugares das pistas. As persoas que realicen a visita recibirán unha foto Polaroid e o 'Certificado Turiño'. Para esta actividade é necesario inscribirse previamente en enfocaencontrofotografico@gmail.com

 

Tamén haberá un obradoiro intensivo de fotografía inspirado nas ideas do psicopedagogo e ilustrador Francesco Tonucci sobre a creación de cidades para os nenos. Será o sábado 1 de decembro no Espazo do Concello de Pontevedra Culturgal en Docente. A actividade é gratuíta, previa inscrición e só hai dispoñibles 7 prazas para menores con idades comprendidas entre os 8 e os 12 anos.

 

Por último, o sábado 1 de decembro terá lugar a actividade 'Visión nocturna', unha quedada de afeccionados e profesionais da fotografía que percorren a cidade co obxectivo de reflectir puntos diferentes da contorna urbana.

 

Cada participante poderá entregar dúas fotografías que formarán parte dunha exposición colectiva que se desenvolverá no mes de xaneiro de 2019 na Casa da Luz.

 

Un xurado seleccionará a imaxe gañadora e os asistentes á mostra tamén votarán para escoller a imaxe premiada polo público. As persoas gañadoras recibirán como premio material fotográfico e unha experiencia na cidade. Para participar en 'Visión nocturna' tamén é preciso inscribirse previamente.

 

MADRID

NH Collection Eurobuilding acoge una exposición del club de las Mujeres (In)Visibles

 

En el marco de la iniciativa, el hotel exhibe una nueva muestra de once obras de mujeres artistas que estará disponible hasta el próximo 10 de enero.

El hotel NH Collection Eurobuilding acoge la primera exposición en Madrid del Club de las Mujeres (In)visibles) tras la presentación oficial de la plataforma en la capital. Una iniciativa enfocada a dar visibilidad a las mujeres involucradas en el mundo del arte. La muestra, compuesta por un total de once obras de mujeres artistas pertenecientes a la plataforma, estará presente en el lobby del hotel hasta el próximo 10 de enero.

 

En concreto, Esther Lobo, Silvia Nolivencia, Verónica Palma, Raquel Azqueta, Olaya Caldera, Eva del Olmo, Ana Pérez, MC Urain, Cris Valencia, Andrea Núñez (Dreily) y Efímera son las artistas que componen la muestra. Un recorrido pictórico y fotográfico con el que se pretende dar una mayor visibilidad a la mujer en el mundo artístico. «La idea es situar a la mujer en el lugar que merece en el ámbito artístico y cultural mediante la puesta en marcha de esta plataforma, que sirve de lanzadera para hacer tangibles a las miles de mujeres que se dedican a la actividad creativa», explica Eva Tamargo, creadora del proyecto.

 

Raquel Azqueta.

 

 

Esther Lobo

Silvia Nolivencia

 

 Visibilidad a través del arte

 

El Club de las Mujeres (In)visibles es un punto de encuentro donde mujeres creadoras de todo el mundo pueden intercambiar experiencias, compartir sus conocimientos, dar a conocer su obra y poner en marcha sinergias que favorezcan el trabajo creativo, contribuyendo a la mejora de sus condiciones sociales y laborales. Actualmente, el club cuenta con la obra de más de 60 mujeres artistas, en disciplinas como la fotografía, ilustración, música, audiovisuales, escénicas, escritura, fanzines y collage.

 

 

Apuesta por el mecenazgo

 

Desde siempre, NH Hotel Group ha apostado decididamente por la cultura y por fomentar sus hoteles como escenario perfecto para disfrutar de ella. Además de convertirse en mecenas de exposiciones temporales, posee un importante stock art de medio centenar de piezas (de artistas nacionales e internacionales), que se ubican en algunos de los principales hoteles de la compañía.

 

Convencido del valor y la importancia de su vinculación con el mundo artístico, NH Hotel Group, también colabora de manera activa con diferentes instituciones relacionadas con el mundo de la cultura. Ejemplo de ello es el Premio NH Collection Arte Contemporáneo ARCO, en colaboración con la prestigiosa feria internacional de arte contemporáneo ARCO, o su apuesta por impulsar a jóvenes artistas a través de sus hoteles, haciendo posible que diferentes artistas conocidos, célebres diseñadores y promesas locales encuentren en hoteles como nhow Rotterdam una plataforma donde compartir el arte urbano de vanguardia.

MUSEO DE BELLAS ARTES DE ASTURIAS

      Los grandes de las vanguardias, en Oviedo        

 

El pasado   julio se abrió al público la exposición Picasso, Braque, Gris, Blanchard, Miró y Dalí. Grandes Figuras de la Vanguardia. Colección Masaveu y Colección Pedro Masaveu en el Museo de Bellas Artes de Asturias.



Mousquetaire à l´èpèe et amour (Pablo Picasso 1969)

Esta exposición, instalada en la primera planta del Edificio Ampliación hasta principios del año próximo, reune un total de ocho obras realizadas por algunos de los más importantes representantes de las vanguardias históricas del siglo XX, así como del arte contemporáneo en general, pertenecientes cuatro de ellas a la Colección Masaveu, que es propiedad de la Corporación Masaveu y está gestionada desde el año 2013 por la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, y las restantes a la Colección Pedro Masaveu, la cual, a la muerte de este último en 1993, pasó por dación al Principado de Asturias, quedando desde 2011 definitivamente adscrita a su Museo de Bellas Artes. Por lo tanto, todas las obras que componen esta exposición parten de un mismo origen: la afición por el arte y el coleccionismo de la familia Masaveu, una saga de empresarios y filántropos de origen catalán afincada en Asturias desde 1840.

Con esta concentrada muestra, de extraordinaria calidad en relación a los artistas y obras seleccionados, el Museo de Bellas Artes de Asturias logra dibujar de forma segura los orígenes mismos de la modernidad artística a través de la obra de seis de los artistas más importantes del arte universal: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, María Blanchard, Joan Miró y Salvador Dalí.

 

 



Picasso y Braque alumbraron de manera conjunta el Cubismo, auténtico punto de inflexión en la historia del arte y en la manera en que la creación se había venido entendiendo desde el mismo Renacimiento. Del primero de ellos se han conseguido reunir tres importantes cuadros y del segundo una de sus indiscutibles obras maestras. A ellos, y a su investigación cubista, se sumaron luego otros dos importantes artistas españoles como fueron Juan Gris, representado aquí con la obra de uno de sus mejores períodos, y María Blanchard, con un lienzo de gran solidez y rotundidad. De igual modo, la fuerza, fantasía y dimensión disruptiva de otro de los grandes ismos de comienzos de siglo, el Surrealismo, se encuentra condensada en los trabajos de otros dos grandes creadores internacionales, también de origen español, presentes igualmente aquí, cada uno de ellos con una pieza: Joan Miró y Salvador Dalí.

 

Picasso, Braque, Gris, Blanchard, Miró y Dalí. Grandes Figuras de la Vanguardia. Colección Masaveu y Colección Pedro Masaveu está instalada en una de las zonas más nobles del Edificio Ampliación, cuya sala 23 fue remontada parcialmente con una museografía especial y bien diferenciada para acomodar esta importante exposición temporal.

 

La muestra, organizada por el Museo de Bellas Artes de Asturias, la Fundación María Cristina Masaveu Peterson y la Corporación Masaveu, ha sido comisariada por el director del Museo de Bellas Artes de Asturias, Alfonso Palacio. Con motivo de la misma se edita un folleto de 32 páginas con textos del propio Alfonso Palacio y de Juan Carlos Aparicio Vega y diseño a cargo de Juan Jareño.

 Asimismo, durante el último cuatrimestre de 2018 se articulará en torno a esta exposición una programación específica a base de conferencias, visitas guiadas, talleres, etc.

 

 HASTA EL 6 DE ENERO

 

SUBASTA MILLONARIA

Una obra de Hopper se vende por 81,5 millones de euros, la cifra más alta de una colección privada



Dos hombres contemplan la obra maestra de Edward Hopper, 'Chop Suey'.

La obra maestra "Chop Suey", de Edward Hopper, fue vendida hoy en Nueva York por 91,8 millones de dólares, un nuevo récord para el pintor estadounidense, en una subasta de Christie's de la primera parte de una colección adjudicada por 317,8 millones, la cifra más alta de una recopilación privada de arte americano.

 

Según informó la casa de subastas, la venta de la primera parte de la colección de Barney A. Ebsworth, denominada "An American Place", ascendió exactamente a 317,801 millones, en una venta de dos días dedicada a la excepcional colección de arte estadounidense del siglo XX. La venta fue en 88% en lote y el 99% vendida por valor.

 

Los aspectos más destacados de la colección incluyen "Chop Suey", de Edward Hopper, la obra más importante del artista que aún se encuentra en manos privadas, que logró 91.875.000 dólares, un récord para el artista y el arte americano.

 

Edward Hopper, 'Chop Suey'

 

"La Mujer como Paisaje", de Willem de Kooning, también estableció un récord de artista en 68,9 millones de dólares, y la "Composición", de Jackson Pollock, se vendió por 55,4 millones.

 

Después de las ventas, la familia Ebsworth comentó, según una nota de Christie's: "Estamos encantados con los resultados de esta noche, que rindieron homenaje a los ojos de nuestro padre y se enfocaron en la calidad. Las obras que le dieron tanto placer ahora harán lo mismo con sus nuevos dueños".

 

El fallecido Ebsworth fue un reconocido coleccionista y empresario multimillonario que llegó a ser nombrado uno de los 200 coleccionistas más grandes del mundo.

FRESCOS CONTEMPORÁNEOS EN UNA IGLESIA

El pintor Santi Moix convierte una iglesia románica del siglo IX en un festival de color

 

Santi Moix (Barcelona 1960), un pintor barcelonés, solía ir de niño a pasar los fines de semana con su padre a un pueblecito de los Pirineos llamado Saurí, de sólo 16 habitantes. Ahora, en sus 57 años de vida, aquel niño, todo un ídolo para los habitantes de Saurí, ha vuelto al pueblo y ha decorado con su arte el interior de San Víctor, la iglesia románica local con más de 1.100 años de historia.

 

 

 

Santiago Moix ha hecho una exitosa carrera de pintor. Ha expuesto su obra en el Museo de Brooklyn, la Galería M77 de Milán, la tienda SoHo de Prada… con su flora abstracta hipersaturada y sus famosos murales de fauna.

 

Hace cinco años, el gobierno local de Saurí y el obispo preguntaron al artista si aceptaría acudir al pueblecito y pintar el interior de su iglesia románica, que después de más de 1.000 años de historia había visto como sus lisas paredes de piedra se habían vuelto opacas y decrépitas con el paso del tiempo.

 

 

A Moix, que no es religioso, no le hizo mucha gracia la propuesta y desde el principio se mostró muy reacio a aceptar el encargo. Pero al final, después de muchos meses de insistirle, y por aquello de los maravillosos recuerdos que le unían al pueblecito de los altos Pirineos, acabó aceptando.

 

 

Pero el pintor puso la condición de que sólo lo haría si le daban absoluta libertad para pintar lo que él quisiese. Sin ninguna obligación por parte de la iglesia, y sabiendo de antemano que no pintaría santos ni mártires, ni imágenes religiosas al uso.

 

 

La respuesta del obispado fue la de concederle absoluta libertad creativa, y el resultado es que Santi Moix ha pintado en la iglesia de Saurí la pieza más grande de su vida, con 400 metros cuadrados de frescos que cubren la mayor parte de las paredes y que él mismo describe como un “enorme jardín lleno de fantasía”.

 

En este nuevo Edén, cuidadosamente planeado y trazado en su estudio de Brooklyn. abundan las margaritas psicodélicas, las salamandras moteadas, las bestias con tentáculos… todas representadas en hileras de hierba verde, amarillo y rosa fresa. Sus característicos tonos vibrantes violetas y las formas biomórficas de animales inventados.

 

Fue una obra que le llevó tres años de su vida con jornadas de hasta quince horas diarias pintando directamente sobre las paredes de la iglesia. Utilizaba cepillos de cerdas de jabalí hechos a mano y pigmentos orgánicos diluidos con agua. Y ahora, una vez acabado, asegura que la mezcla de arte y pintura seguirá haciendo su trabajo en el interior de San Víctor porque “al igual que los tatuajes en la piel, los colores continuarán absorbiéndose en los próximos meses”.

 

 

Moix dice que lo que le pareció más inspirador para aceptar esta obra fue la oportunidad de despojar a un lugar de culto de su iconografía religiosa porque, dice él, “las iglesias solían asustar con imágenes de demonios y de fuego, y me encantó la idea de llenarlo todo de colores”. Y así transformó una iglesia que ha acogido a los parroquianos y oficios religiosos continuamente desde su fundación en el siglo IX. Sólo cerró durante los trabajos de Moix, pero volverá a abrir en cuestión de semanas.

 

Moix ve esta obra como una forma de revivir su región. “Quiero dar algo a los lugareños de lo que puedan estar orgullosos”, dice. De vez en cuando, mientras pintaba, los residentes de Saurí iban apareciendo por la iglesia a ver lo que hacía e incluso a rezar. Y ahora el gobierno catalán y la diócesis intentarán reproducir la idea buscando a nuevos artistas para otras iglesias que estén ‘decorativamente’ descuidadas.

 

 

 

 

BECKMANN EN MADRID

 

Beckmann. Figuras del exilio. (Museo Thyssen)

Del 25 de octubre de 2018 al 27 de enero de 2019

En otoño de 2018 el museo dedica una exposición monográfica a Max Beckmann (Leipzig, 1884 - Nueva York, 1950), uno de los artistas alemanes más destacados del siglo XX. Aunque próximo en sus inicios al expresionismo y a la nueva objetividad, Beckmann desarrolló una pintura personal e independiente, de signo realista pero llena de resonancias simbólicas, que se alzaba como un testimonio vigoroso de la sociedad de su tiempo.

La muestra, comisariada por Tomàs Llorens, reúne más de medio centenar de obras, entre pinturas, litografías y esculturas, siguiendo un recorrido temático con el que presentar su obra en dos secciones. La primera parte, de menor tamaño, cubre la etapa vivida en Alemania desde los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, cuando comienza a ser reconocido públicamente, hasta el ascenso del fascismo en la década de 1930, cuando es expulsado de la escuela de arte de Frankfurt en la que daba clases y se le impide exponer sus obras en público. La segunda parte, más extensa, se dedica a los años de Ámsterdam y Estados Unidos, donde vivió tras verse obligado a abandonar Alemania, y está estructurada en torno a cuatro metáforas relacionadas con el exilio, entendido no sólo literalmente, sino como condición existencial del hombre moderno: Máscaras, centrada en la pérdida de identidad que se asocia con la circunstancia del exiliado; Babilonia eléctrica, sobre el vértigo de la ciudad moderna como capital del exilio; El largo adiós, que plantea la equivalencia entre exilio y muerte, y El mar, metáfora del infinito, su seducción y su extrañamiento.

 

La exposición se presentará posteriormente en la sede de CaixaForum en Barcelona, del 21 de febrero al 26 de mayo de 2019.

 

 

 

                                   

DOROTHEA TANNING

           Detrás de la puerta, invisible, otra puerta  

3 octubre, 2018 – 7 enero, 2019                         
       

Edificio Sabatini, Planta 3 MUSEO REINA SOFÍA

 

Dorothea Tanning (1910–2012) es considerada una de las mujeres artistas más importantes y polifacéticas del siglo XX, aunque ella misma rechazaba esa asociación: “Mujeres artistas: no existe tal cosa –o persona. Es una contradicción en sus términos, al igual que ‘hombre artista’ o ‘elefante artista’. Puedes ser una mujer y puedes ser una artista; pero lo primero te viene dado y lo otro lo eres tú”. Entre Estados Unidos y Francia, desarrolló una extensa producción, meticulosa y expresiva, de pinturas, dibujos, diseños de vestuario y decorados para ballets, esculturas “blandas”, novelas y poemas. Su obra cuenta historias inscritas en un universo personal, con el que da sentido a la vida moderna, y en un entorno surreal –lleno de fantasía y fantasmas– perfilado a través de un espacio que se presenta al mismo tiempo como seductor y pernicioso.

 

 

 

La exposición se articula en habitaciones temáticas que discurren por las diferentes etapas artísticas y vitales de la trayectoria de Tanning, desde escenas de infancia y familiares, niñas vestidas al estilo victoriano, bucólicos desnudos barrocos y desiertos de rocas rojas, hasta llegar a las representaciones de flores, tan relevantes en su última etapa. Entre sus instalaciones, destaca Chambre 202, Hôtel du Pavot [Habitación 202, Hotel de la Amapola] (1970–1973), con esculturas antropomorfas que invitan al visitante a mirar, a sentir, y a formar parte del mundo surreal que en ella habita.

 

Tanning rompe la distancia entre la obra de arte y el espectador, sin pretender que sus creaciones sean un reflejo del mundo, sino una invitación para ir más allá. Los seres femeninos dominan este universo de puertas abiertas y revelaciones, provocando el caos en un espacio tradicional doméstico, que al mismo tiempo vibra y despierta una curiosidad extraña. ¿Nos atrevemos a entrar en su cuento de hadas, en una casa con puertas abiertas, una estancia habitada por extrañas criaturas, a adentrarnos en un paisaje quemado por el sol? En palabras de la propia artista: “Quería guiar el ojo hacia espacios que se ocultaran, revelaran, transformaran todos a la vez y donde hubiera imágenes nunca antes vistas, como si hubiesen aparecido sin mi ayuda”.




Dotothea Tanning, Birthday [Cumpleaños], 1942, Óleo sobre lienzo

 

 

 

ARTE Y VINO

Arte y Vino se funden en la exposición "Tierra Adentro" de Marcos Tamargo

El pasado 14 de julio, se inauguró la exposición Tierra Adentro de MARCOS TAMARGO en el Espacio Pago de los Capellanes situado en la localidad burgalesa de Pedrosa de Duero.

 

 

 

La muestra se compone de una cuidada selección de obras, de pequeño y gran formato, que permiten al espectador conocer de cerca el universo creativo de uno de los artistas contemporáneos españoles con mayor proyección internacional. Tierra Adentro contará con obra nueva, no expuesta anteriormente, perteneciente a su última serie Anábasis blanca y cuya fuente de inspiración, en parte, es el mundo que rodea la elaboración del vino.

 

También se podrá ver su libro de autor Cántico Espiritual y algunas de las piezas creadas durante un encierro que realizó en el monasterio de los Carmelitas Descalzos de Toledo, siguiendo los pasos de San Juan de la Cruz.

 

Hace seis años se inauguró el Espacio Pago de los Capellanes, un espacio multidisciplinar destinado a la difusión de los lenguajes artísticos. Una arquitectura integrada y abierta al paisaje de la Ribera del Duero que sirve de contexto para las obras que componen Tierra Adentro donde los visitantes pueden admirar las obras de Marco Tamargo en un entorno único.

 

 

Una de las constantes en los últimos trabajos de Marcos Tamargo es la utilización para sus composiciones de pequeños objetos o piezas de hierro, así como pequeñas cantidades de tierra o arena que recoge en sus viajes y que integra en sus obras no como simples elementos decorativos, sino como parte sustancial del tema de la propia creación. Son, por tanto, objetos relacionados con su trayectoria vital o sus orígenes, como las maderas y hierros que han formado parte de la casa de sus antepasados en Asturias, o unos girasoles que él mismo plantó y que, al secarse, intervino e incluyó en sus cuadros, en una metáfora que habla de la germinación de la vida y del ciclo infinito de muerte y renacimiento, como lo es también el propio objeto inánime condenado al olvido, que el artista rescata del abandono y al que insufla nueva vida.

 En la exposición se pueden ver piezas realizadas mientras vivía en Kenia que son también un reflejo de su yo más profundo y de su incesante búsqueda de nuevos lenguajes y elementos expresivos, algo esencial para el artista asturiano porque eso es en definitiva lo que da sentido a su evolución tanto en la vida como en el trabajo creativo.

 

 En esta búsqueda las tierras que rodean Pago de Capellanes, y la forma en la que se integra la bodega en el entorno natural, han servido de inspiración para tres obras de su última serie Anábasis blanca. En ellas, Tamargo emplea materias muertas recogidas en los viñedos, tales como arena y ramas, que sirven para la composición de sus obras y las vincula con el mundo del vino y en concreto con la vid.

 

 

Marcos Tamargo, Recuerdos