MUSEO GAIÁS

 

Rafael Úbeda. Visión retrospectiva

Rafael Úbeda lleva pintando siete décadas. La exposición Rafael Úbeda. Visión retrospectiva ofrece una mirada completa a su trayectoria creativa, profundizando en los hitos más relevantes de su obra y en las piezas representativas que marcaron cada etapa del camino.

El artista, tras siete décadas en activo, representa una parte de la historia del arte que enriquece el patrimonio de Galicia, además de ser una de las figuras más destacadas de las artes plásticas en España, con conexiones en distintos lugares y escuelas de Europa.

Esta muestra supone un relato pictórico que tiene en cuenta sus etapas vitales, muy vinculadas a los lugares en los que ha vivido (Pontevedra, Madrid, Holanda e Italia). La exposición propone un viaje por el universo y la biografía de un creador que es uno de los nombres principales de la pintura gallega. Así, el Museo Centro Gaiás reúne en esta muestra 45 pinturas, cinco dibujos y una pieza audiovisual inédita que ayuda a comprender su evolución.

Úbeda despliega su vida en clave puramente artística y su obra puede entenderse como la construcción de un paisaje interior-exterior que refleja lugares, tiempos y gentes. Con un expresionismo casi violento, busca, a través de la pintura, conocer el verdadero camino. Su obra no se entrega a lo que sucede de repente, sino que reflexiona sobre todo lo que le ocurre y se deja impregnar por lo que le emociona en un proceso lento, proyectando ese poso en su pintura. En la exposición también se refleja la gran importancia que la música tuvo en la vida del artista, convirtiéndose en un elemento recurrente a lo largo de su obra.

Además, la muestra abarca el carácter mural de su pintura, que se manifiesta en los grandes formatos que cultiva. La tendencia a estos grandes lienzos está avalada por numerosos proyectos que desarrolló para edificios públicos.

EL ARTISTA

Rafael Úbeda nace en Pontevedra en 1932. En 1956 viaja a Madrid con el propósito de iniciar sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, licenciándose en las especialidades de Pintura, Grabado y Mural. En 1961 se traslada a Holanda para completar sus estudios de pintura y grabado en la Hoger Akademy St. Joos de Breda. En 1965 obtiene el Gran Premio de Roma en la modalidad de Paisaje, única plaza disponible, y traslada su taller a la capital italiana durante un período de cuatro años. Allí trabaja en proyectos escenográficos en los estudios de Cinecittà junto al profesor Montori; conoce al director de cine Federico Fellini y al actor de comedias Totó.

A lo largo de su trayectoria, ha realizado numerosas exposiciones en museos, fundaciones, galerías e instituciones vinculadas al arte contemporáneo en Europa, Asia y América. Es doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, académico de número de la Academia de Bellas Artes de Galicia y también ha ejercido la docencia como profesor de pintura en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona), de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de dibujo y grabado en la Facultad de Bellas Artes de La Laguna (Tenerife) y ha sido titular de dibujo en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. En la actualidad, continúa con su actividad creativa en sus estudios de Madrid y Samieira (Pontevedra).

La comisaria: Pilar Corredoira

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Central de Barcelona, comisaria de exposiciones e investigadora en el ámbito del arte gallego de los siglos XX y XXI. Inicia su trayectoria profesional a principios de los años ochenta, formando parte como comisaria de un ciclo de nueve exposiciones sobre artistas de vanguardia de Galicia en la Galería Sargadelos de Barcelona (1983) y realizando una estancia en la Fundación Miró de la misma ciudad entre 1983 y 1984. Tras una extensa trayectoria en el ámbito de las artes plásticas, su labor se ha reflejado en la gestión y asesoramiento a instituciones, empresas y espacios públicos, así como en numerosos comisariados en Galicia, Europa y América.

Además, actualmente forma parte de los patronatos de la Fundación Xaime Quesada Blanco y la Fundación Vacan, y colabora en el Diario de Madrid como crítica de arte, labor que comenzó en 1982 en diversos periódicos y revistas nacionales e internacionales. Algunas de sus actividades dedicadas al trabajo curatorial son las siguientes exposiciones: Reimundo Patiño, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Madrid (1986); VIII Bienal Internacional de Pontevedra (1988); Galicia Tradición y Diseño en el Design Center Stuttgart (Alemania, 1991); las antológicas de Maruja Mallo en el CGAC, en Santiago, y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, en los años 1993 y 1994; Itinere en el CGAC (1994); Arquitecto Antonio Palacios en el Museo de Bellas Artes de La Coruña y en la Casa das Artes de Vigo (1998); Eugenio Granell en el paraíso centroamericano, en el Auditorio de Galicia (2012); El universo de Xaime Quesada, en el Museo de Pontevedra (2020); o Castillo, escultor, en el Museo Centro Gaiás (2021).

VIGO

 

Exposición LUIS ALCÁNTARA.

 El mundo interior, en Vigo

La Sede Afundación Vigo acoge en su Sala de Exposiciones I «LUÍS ALCÁNTARA. El mundo interior», una cuidada selección de obras del artista vigués. Se trata de una exposición que nos ofrece un recorrido amplio por las diferentes facetas de Alcántara, desde su faceta pictórica de la que se muestran 42 obras comprendidas entre 1982 y 2022, hasta su faceta como diseñador gráfico, publicista y creativo en múltiples soportes. La selección de obra recoge piezas de coleccionistas particulares junto con algunas obras destacadas de la Colección de Arte Afundación. Visítala hasta el 16 de mayo de 2025.

 

Esta muestra forma parte de nuestro proyecto solidario CULTURA POR ALIMENTOS. Accede al edificio con una donación de productos no perecederos. ¡Gracias! Infórmate.

 

Comisario | XÁCOME ALCÁNTARA

 

«¿Cómo te vas a aburrir si el mundo está dentro de ti?»

Esta frase es una máxima que Luís Alcántara (Vigo, 4 de enero de 1957 - 13 de mayo de 2022) recordaba habitualmente a sus hijos, y que aprendió de su muy amada abuela Sara. Esto mismo quizás sea el fundamento de lo que Alcántara nos propone en todas sus creaciones: que usemos nuestro mundo interior para completar la visión de su obra. Nuestras experiencias vitales, nuestra memoria y nuestro registro emocional son apelados constantemente por Alcántara. La imaginación visual de este artista se plasma en sus creaciones de forma profunda, decidida e inevitable, y cada persona añade sus particularidades cuando se tiene la fortuna y la oportunidad de experimentarlas en directo.

Cada pintura remite a las demás en la trayectoria de este pintor. Más de 500 obras, una profusión de material diverso, pero claro en intenciones. Todo su trabajo se muestra bien delimitado, elegante, pulido, diferente, pero en la misma frecuencia.

 

LUÍS ALCÁNTARA

Pintor autodidacta, admirador y estudioso de la obra de grandes artistas del Renacimiento durante distintas estancias en París o viajes por Italia, durante años concurrió a diversos certámenes pictóricos, ganando en su día el de Arte Xoven Galega o el de Nuevos valores convocado por Caixavigo.

En la colección de Afundación se conservan doce obras de este autor, fechadas entre los años 1985 y 2000, datándose la mayoría en la década de los 90, época que se corresponde con la consolidación de su estilo y la participación en diversas muestras. En los ejemplos objeto de este análisis, el autor emplea diferentes soportes y técnicas, desde el lienzo al cartón, combinando el óleo con diversas técnicas mixtas.

Se repiten los motivos característicos de su lenguaje creativo, basado en una gran capacidad técnica con el dibujo. Las representaciones de cabezas, frutas, siluetas humanas o arquitecturas vacías toman el protagonismo de buena parte de su producción, reiterándose en las distintas composiciones. En muchas ocasiones, como en Encasillado, Alacea vertical, Jarro y pañuelo o Gran inventario italiano, se observa el interés de Alcántara por compartimentar la superficie pictórica, reservando cada pequeño espacio para destacar los motivos representados más frecuentes. En la última obra mencionada se observa la presencia de arquitecturas que recuerdan los urbanismos metafísicos de Chirico, mientras que el protagonismo que otorga al ser humano se podría relacionar con el interés que sintió por el Renacimiento y su antropocentrismo.

Alcántara desarrolló un estilo figurativo en el que el dibujo adquiere gran protagonismo, convirtiéndose en la base de sus composiciones, en las que predominan las gamas cromáticas donde  los ocres, verdes y grises se adueñan de la superficie.

 

Esta exposición ha sido promovida por la familia del artista, con la colaboración de Afundación, Obra Social ABANCA.

 

Visita la agenda web y entérate de todas las propuestas culturales que te ofrecemos a lo largo del mes. También puedes entrar en Ataquilla.com para informarte sobre otras actividades escénicas.

• 09-04-2025 16-05-2025 Exposición LUIS ALCÁNTARA. El mundo interior, en Vigo Esta exposición se construye como homenaje al artista vigués, haciendo un repaso por su trayectoria multidisciplinar Sede Afundación Vigo Policarpo Sanz, 24 - 26. Vigo (Pontevedra) Afundación socioculturales@afundacion.org Europe/Madrid public true Añadir al calendario
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• DÓNDE:

  Sede Afundación Vigo

  Policarpo Sanz, 24 - 26. Vigo (Pontevedra)

• Fechas:

  9 ABR a 16 MAY 2025

• Horario:

  LUNES a SÁBADOS | 17.30 a 20.30 h

  DOMINGOS y FESTIVOS | cerrado

• Entrada:

  Gratuita

BILBAO

 

Helen Frankenthaler, la maestra de la pintura abstracta, protagoniza una de las exposiciones del año en el Museo Guggenheim de Bilbao

El centro de arte contemporáneo acoge una retrospectiva de la pintora expresionista estadounidense del 11 de abril al 28 de septiembre

Frankenthaler en su estudio de la Tercera Avenida con Alassio (1960, obra en progreso), Nueva York, 1960.Foto: Walter Silver © The New York Public Library

Ver por primera vez una obra de Helen Frankenthaler (1928-2011) impresiona. No solamente por el gran formato de sus lienzos y la vivacidad de los colores, sino por la fluidez de los elementos que lo componen, como si las formas y los significados estuvieran cambiando perpetuamente. Quizá por esa razón el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con la Helen Frankenthaler Foundation y el Palazzo Strozzi, vuelve a rendir homenaje por segunda vez en su historia, a la maestra del expresionismo abstracto con una muestra que celebra las dos cualidades esenciales de su obra: la constante evolución y esa Pintura sin reglas tan suya que da nombre a la exposición. “En el proceso artístico, en su estudio, Frankenthaler encontraba una libertad sin límites”, nos explica Douglas Dreishpoon, comisario de la exposición y autor del catálogo razonado de la artista.

La exposición, que podrá visitarse del 11 de abril al 28 de septiembre, llega poco después de que el museo adquiriera dos obras de Frankenthaler: Réquiem (1992) y Santorini (1966). Sin embargo, la muestra se había organizado previamente a estas adquisiciones. “Siempre tuve la visión de una exposición que mostrara su trabajo década a década”, revela Dreishpoon. “La estructura cronológica permite apreciar su extraordinaria capacidad de transformación, con obras destacadas de cada periodo creativo”.

Santorini, Helen Frankenthaler (1965) Acrílico sobre lienzo 269,2 × 175,3 cmMuseo Guggenheim Bilbao. Donación de la Helen Frankenthaler Foundation

Nacida en 1928 en el seno de una influyente familia neoyorquina –su padre era juez del Tribunal Supremo–, Frankenthaler disfrutó de una educación artística privilegiada bajo la tutela de maestros como Rufino Tamayo o Paul Feeley. “Lo fascinante de Frankenthaler", explica Douglas Dreishpoon, “es que pudo haber sido música o escritora. Esa capacidad que tenía desde joven para absorber, asimilar y transformar todo lo que veía era extraordinaria”.

Quizá fue ese ímpetu el que la llevó a convertirse en una de las artistas más jóvenes del panorama abstracto. Un mundo hasta entonces dominado por hombres mayores que ella como Rothko o Pollock, pero en el que no se amilanó. “Ella quería que se la considerara pintora, no una mujer que pintaba. Tenía numerosas amistades con hombres artistas y frente a ellos siempre se veía y se posicionaba como una igual”, comenta Dreishpoon.

Gracias a esa actitud y a su relación sentimental con el crítico de arte, y pope de los artistas abstractos, Clement Greenberg, Frankenthaler pudo acceder al mundo de manera rápida y segura. Greenberg la introdujo en la escena y la presentó a muchísimos artistas, entre los que se encontraba el escultor David Smith, que se convertiría en uno de sus mejores amigos, y con el compartía la filosofía de que en el arte no hay reglas, tan solo la búsqueda de encontrarse a uno mismo.

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MADRID

 

6 exposiciones imperdibles esta primavera en Madrid

Distintas disciplinas, museos y galerías por toda la capital protagonizan una agenda ‘arty’ que nos tendrá de lo más ocupados esta primavera en la capital.

Con la primavera, Madrid florece también en sus salas de exposiciones. Desde los experimentos ópticos y cromáticos de Julio Le Parc hasta los universos sonoros de Laia Estruch, la ciudad se llena de propuestas que celebran el arte en todas sus formas. Figuras literarias como Marcel Proust, iconos como Alicia en el País de las Maravillas o el surrealismo más allá de sus nombres más conocidos protagonizan algunas de las citas más interesantes de la temporada artística de la capital.

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PALACIO DE BELLAS ARTES

 

Pequeño homenaje a Matisse, el hombre que pintó el mar más azul del mundo

En estos días se presenta La revolución impresionista: de Monet a Matisse, una exposición para conocer y apreciar las vanguardias del siglo XX. En esta asombrosa muestra admiraremos de cerca piezas que cambiaron el arte, y aunque cada artista que participa en ella merece un homenaje, en esta oportunidad nos centraremos en la vida y obra del gran Henri Matisse.

Más que un pintor, este francés fue un revolucionario, un maestro de la composición, un conocedor profundo de las formas, de la luz, de los paisajes y en particular de la belleza. Sabía como abstraer esos recovecos de la existencia que no se describen con palabras, sino con emociones.

Su carrera prolífica se caracteriza esencialmente por el uso del color. Sus obras están impregnadas de tonos fuertes, dramáticos que, de acuerdo a los expertos, eran aplicados directamente del tubo, lo que generaba una experiencia intensa y desafiaba las atmósferas tradicionales.

La poética de Matisse, también digna de homenaje, se caracterizaba por la búsqueda de la esencia, del origen. A la hora de crear omitía los detalles y se concentraba, por ejemplo, en el movimiento, en la caída de los cuerpos, en su voluptuosidad y en su arraigo a las raíces.

Henri Matisse desarrolló su propio estilo impresionante./Imagen Wikipedia

La vida (de colores) de Matisse

Nació en el norte de Francia en 1869, en una familia de clase trabajadora que no veía con buenos ojos el arte o la posibilidad de que se convirtiera en artista. Respecto a su infancia, el pintor dijo que fue poco inspiradora, al punto que nació en un pueblo en el que sólo había un árbol.

El hogar de Henri Matisse./Imagen Wikipedia

Cuando pudo, se mudó a París para estudiar derecho y terminó la carrera. Durante unos años ejerció como abogado, hasta que en 1889 abandonó todo para estudiar arte. Sus primeros trabajos fueron tradicionales, imágenes cotidianas pintadas con un realismo extremo y muchos detalles.

No fue hasta que conoció la obra de los que desafiaban las técnicas tradicionales como la de André Derain, que encontró su verdadera voz. Descubrió la magia del color y empezó a pintar paisajes asombrosos, lejos de la realidad y cerca de la imaginación. Por eso le rendimos a Matisse este pequeño homenaje.

El estilo del pintor sigue vigente en la actualidad./Imagen Wikipedia

Así consiguió un lugar en el famosísimo Salon d´Automne donde expuso, junto a otros “locos” en 1905, un grupo de piezas que desafiaban la pintura tradicional.

Esta muestra marcó el inicio del Fauvismo (salvaje) un movimiento caracterizado por las pinceladas gruesas, la expresividad y los colores exagerados.

Autorretrato./Imagen Wikipedia

A lo largo del tiempo, su arte se hizo más complejo. Se llenó de influencias de las tribus africanas y a la par de Picasso (su amigo y rival) buscó la manera de descomponer y plasmar las imágenes. A pesar de sufrir de artritis, nunca dejó de crear.

Murió a los 84 años, en su casa frente al océano, frente a ese mar que pintó tantas veces, porque además de cambiar el arte, Matisse entendía el azul como nadie.

Las obras que hay que conocer de Matisse

La alegría de vivir

Este cuadro, de grandes dimensiones, nos muestra un paisaje utópico y hedónico, que deambula entre el amarillo y el ocre. Para hacerlo, Matisse se inspiró en el mito de Arcadia; una lugar donde reina la felicidad.

“La alegría de vivir”./Imagen Wikipedia

Estudio rojo

Se trata de un cuadro revolucionario, en el que el pintor capturó la esencia de su taller de trabajo en un rojo intenso. Esta pieza, que forma parte de la colección del MoMa, nos muestra la forma fauvista de abstraer la realidad, con tonalidades fuertes y pedazos de imaginación desperdigados en todos los rincones.

La habitación roja”./Imagen Wikipedia

El Caracol

Esta obra se compone de un conjunto de figuras organizadas en espiral. Expuesta en el Tate Moderm, el cuadro nos revela cómo fue la poética del francés tras sufrir artritis. A pesar de no poder pintar, Matisse encontró en los collages una manera asombrosa de crear.

“El Caracol” de Matisse./Imagen tate.org

La Musique

Inspirado en las raíces culturales de África, esta obra de gran tamaño nos sumerge en el movimiento y en el poder curativo de la danza y la creación. Actualmente el óleo forma parte del Museo del Hermitage en San Petersburgo.

                                                         La Musique”./Imagen thehermitagemuseum.org

La habitación roja

Mujer sentada de espaldas a una ventana abierta

No se pueden entender a Matisse sin sus paisajes serenos frente al océano. En este cuadro una mujer está absorta en sus ideas, detrás de ella se asoma un mar azul profundo serpenteado con decenas de veleros y un malecón decorado con palmeras.

Mujer sentada de espaldas a una ventana abierta”./Imagen museothyssen.org

¿Te gustó? Recuerda que la exposición La revolución impresionista: de Monet a Matisse estará en la Palacio de Bellas Artes hasta el 27 de julio.

PONTEVEDRA

 

«Outras historias posibles», la exposición que surgió del cabreo por la invisibilización histórica de las artistas

El Café Moderno acoge la muestra en la que se exhiben piezas de Ana García Pan, Emilia Guimeráns, Anne Heyvaert, Tusi Sandoval, Blanca Silva y Laura Terré

Ana García Pan, Emilia Guimeráns, Anne Heyvaert, Tusi Sandoval, Blanca Silva y Laura Terré son las seis artistas protagonistas de Outras historias posibles, la muestra que hasta el 30 de mayo se puede visitar en el Café Moderno de Pontevedra después de haber sido exhibida en el Museo Centro Gaiás. Su comisaria, la crítica y profesora de arte Susana Cendán, remarcó que la muestra «xurde dun cabreo, dun enfado, non só pola situación de desventaxa das artistas na historia da arte, senón comigo mesma por non ter sido capaz, por non ter sido consciente moito antes, de que arte, como en tantas outras profesións, sucede nunha situación social e, como tal, está mediada por múltiples circunstancias políticas, sociais, culturais, económicas...», por lo que uno de los objetivos es proporcionar «referentes artísticos de mulleres que complementen e completen os relatos históricos herdados».

Tras aludir a que cuando estudió historia del arte «os meus referentes foron nun 99 % masculinos», Susana Cendán señaló que «superar este tipo de sesgos (...) é un compromiso firme e honesto. Non hai volta atrás». Es por ello que abogó por cuestionar «os relatos históricos desde perspectivas inclusivas que complementen a visión parcial que eu mesma, como historiadora da arte, recibín».

En cuanto a la muestra, esta está contextualizada en la década de los 80: «A imaxe que nos chegou daqueles anos e, en certa maneira, continua moi presente nos discursos museísticos e historiográficos en Galicia é o dunha xeración de pintores fundamentalmente masculinos cuxos recorridos, a pesar de cruzarse en momentos puntuais cos das nosas artistas, apenas xeraron sinerxías ou correlacións».

«Son artistas que naceron na década dos 50 e que comezaron a despuntar na década dos 80, sobre todo nos 90, e algunhas delas, incluso, a finais dos 70, é o caso de Anne Heyvaert e de Ana García Pan, sobre todo», apuntó Susana Cendán, quien se mostró convencida de que «cada unha destas artistas merece unha exposición monográfica que revise e contextualice a súa traxectoria de maneira completa, mostrando todo o seu potencial. Como así xe fixo e se continúan facendo con moitos artistas da década dos anos 80».

Entre las artistas presentes en la inauguración de esta muestra, Anne Heyvaert reconoció estar «encantadísima» con esta exposición itinerante. «Creo que para nosotras significa un reconocimiento de nuestro trabajo, pero también un aliciente, a lo mejor, para trabajar más y volver a tomar el trabajo con ilusión (...). Estoy encantada de estar considerada como artista gallega, a pesar de mi acento. Llevo más de 40 años, casi 45, viviendo en Galicia y realmente me considero de aquí».

Laura Terré rememoró cómo con 17 años emigró a Cataluña para estudiar «y allí me quedé. Y ahora, curiosamente, la reivindicación de mi trabajo se hace en mi lugar de origen. Esto es una maravilla y por eso estoy aquí».

En su intervención, tuvo un especial agradecimiento a Susana Cendán por su esfuerzo a la hora de sacar adelante esta muestra: «Yo pensaba, está probablemente rellenando el esfuerzo que yo no hice porque también es verdad que llegó un momento en que tiramos la toalla. Tiramos la toalla porque eran tantas las dificultades y tan difícil el camino que, en mi caso personal, decidí no seguir picando la mina y, de repente, llega una mujer que vuelve a abrir cajones, vuelve a desenrollar rollos y a darle una nueva vida a esas obras que ya parecían olvidadas».

La muestra del Café Moderno se abre con un cuadro que Blanca Silva realizó en Vilagarcía, donde esta artista nacida en A Coruña empezó a pintar. «Sigo pintando, sigo traballando», añadió trasladando también su agradecimiento a Cendán «por vir tamén pola aldea a sacar cosas cheas de po».

Pedro Otero, director gerente de Afundación, subrayó que la muestra «nos ofrece unhas miradas complementarias e, por iso mesmo, tamén imprescindibles para comprendermos a totalidade e a complexidade dun panorama cultural tan plural como é o noso». «Necesitamos seguir integrando voces e visións que nos permitan comprender as moi diversas achegas que o articulan», insistió remarcando que se trata de «artistas fundamentais no devir da nosa arte».

Por su parte, José López Campos, conselleiro de Cultura, puso el acento en la importancia de seguir «poñendo os ollos na cultura (...). Nos tempos tan convulsos, tan complexos, tan difíciles que nos toca vivir, onde temas que se daban por suposto están máis en cuestión que nunca, creo que é fundamental que botemos unha ollada reflexiva, tranquila, ponderada nos distintas proxectos culturais que temos en Galicia. Eu, que son un optimista compulsivo, creo que hai esperanza».

Destacó lo necesario de «construír discursos integradores que dirixan a ollada cara ao talento de mulleres como as protagonistas deste proxecto», que «quere celebrar a diversidade conceptual e estética como exemplo da riqueza da produción artística galega nas últimas décadas do século XX».

(LA VOZ DE GALICIA)