Recorridos guiados por la arquitectura del Gaiás durante mayo
Una anterior visitas por espacios ocultos al público en el Gaiás Sandra Alonso
La Cidade da Cultura mostrará algunos lugares inaccesibles para el público
La Cidade da Cultura organiza visitas singulares por su arquitectura este mes. La primera cita es el día 10, a las 12 horas, y se centrará en el Edificio Fontán. El día 24 se podrán recorrer los espacios expositivos del Museo Gaiás, pero también sus áreas ocultas. El cierre será el día 31 con una ruta por lugares inaccesibles al público atravesando el subsuelo de la montaña y la galería de servicios que conecta el edificio. Las visitas son gratuitas previa inscripción.
José Antonio Pedrosa es uno de esos artistas “propios” de un pueblo que le vio empezar en su artística carrera artística desde muy joven. El apellido “Pedrosa” sonó muy pronto en aquellas exposiciones que la “Asociación de Cultura y Arte Santa Cecilia”, hoy Ateneo, organizaba con frecuencia y de ahí “voló” por medio mundo siempre con éxito y gran aceptación.
Y los marinenses, y quien quiera disfrutar de la obra de Pedrosa, tendremos la oportunidad especial de visitar en el Museo Torres su exposición de cuarenta cuadros de su colección propia que se iniciará el próximo lunes 18 “Día Internacional de los Museos” a las ocho de la tarde y con ello el Concello muestra su intención de mantener la ya tradicional exaltación de nuestros mejores artistas en esta fecha cada año mostrando sus obras como es el caso de Josè Antonio Pedrosa, merecedor de este reconocimiento como pocos por su trayectoria artística e incluso personal.
La exposición está comisionada por el otro valor artístico marinense como es Antón Sobral, quien ha destado a la muestra de Pedrosa como “excepcional e que encantará á xente de Marín”.
Una obra presente en todo el mundo
Pedrosa que se inició en el arte en su pueblo natal, ingreso en el año 1958 en la “Academia de Bellas Artes de San Fernando”, en la capitla de España y allí se formó como el gran pintor que es y que llevó su arte por numerosos paises del mundo con exposiciones sonadas en Sevilla, A Coruña, Brasil, Holanda, Francia, Canadá, Estados Unidos, Marín, Vigo, Barcelona, Alicante, Pontevedra, Córdoba, Valencia, Ourense, A Coruña, Toledo, Talavera de la Reina, Vitoria, Bilbao, San Sebastián y París, lugares donde dejó constancia de su estilo personal de la pintura hasta el punto de que con frecuencia se escucha decir que no hace falta ver la firma en sus cuadros porque basta con mirarlos para saber de su autoría y que se trata de “Unha pintura ancestralmente galega, na que predomina o figurativismo elemental, cun marcado carácter costumbrista e luminoso, sen caer no artificio e cun gran dominio das texturas e da expresividade. Sempre coa técnica do óleo traballado a espátula que tanto caracteriza a súa obra"
Sacerdote de vocación tardía
José Antonio Pedrosa es actualmente sacerdote aunque ya se encuentra en situción de jubilación. Tras haber sido ordenado en Santiago de Compostela, cantó su primera misa en Marín el 10 de julio de 2011 y desde entonces desempeñó su labor sacerdotal en distintas parroquias siendo responsable durante los últimos años de su actividad religiosa en la feligresía de San Xulián hasta su jubilación aconsejada por la edad y por la salud que limitó sus posibilidades ante la exigencia propia del cargo sacerdotal
María Ramallo, alcaldesa de Maríndeclaró ayer ante el anuncio de la próxima exposición del artista marinense “É unha honra facerlle esta homenaxe a un home moi querido na nosa vila e que leva demostrando que tras os seus pinceles existe unha Galicia inmortal, un apego á nosa terra e unha técnica envexable”.
El Centro de Arte Hortensia Herrero acoge hasta octubre la obra de uno de los grandes referentes del arte.
La llegada de Anselm Kiefer al Centro de Arte Hortensia Herrero marca uno de los hitos culturales del año en España. Considerado una de las figuras clave del arte contemporáneo, Kiefer ha construido, a lo largo de más de cinco décadas, una obra atravesada por la historia y la memoria. Sus piezas, monumentales, insisten en una reflexión persistente sobre el pasado europeo.
Nacido en 1945, en los últimos meses de la II Guerra Mundial, su trabajo está profundamente ligado a la identidad alemana de posguerra y a la necesidad de confrontarla. A través de materiales como el plomo, la ceniza o los libros quemados, ha desarrollado un lenguaje visual de gran densidad física y poética que lo sitúa entre los artistas más influyentes de su generación.
La exposición que ahora presenta en Valencia –concebida específicamente para el espacio y realizada en estrecha colaboración con el artista– ocupa seis salas y reúne una selección de obras –muchas recientes– procedentes de su estudio. Entre ellas, destaca Danaë, que en sus más de 13 metros combina referencias mitológicas con la historia reciente alemana, y que se presenta por primera vez en Europa.
"Queríamos profundizar en la presencia de Kiefer dentro de la colección, reuniendo un conjunto de obras que permiten entender su lenguaje. Es un artista que aborda la historia desde la complejidad, como una superposición de capas que siguen condicionando nuestra mirada", explica Javier Molins, comisario de la muestra y director artístico del centro. La muestra supone, además, el regreso de Kiefer a España casi dos décadas después de su última gran presentación institucional, en el Guggenheim de Bilbao en 2007, a la que siguió una muestra en Es Baluard de Palma, en 2009. Inaugurado en 2023, el Centro de Arte Hortensia Herrero abre al público la colección privada de Hortensia Herrero –única española en los Top 200 de ARTnews– y se inscribe en una estrategia de mecenazgo que combina patrimonio y creación contemporánea. Más info en www.cahh.es.
Exposición "Noches y Días" de José María Sicilia - Palacio de Liria
La muestra reúne una veintena de obras, entre las que se encuentran creaciones recientes del artista junto a piezas procedentes de etapas anteriores, trazando una visión amplia de su práctica en las últimas décadas. En su conjunto, estas obras activan un campo de resonancias entre la biografía del artista, la memoria del palacio y la experiencia del visitante.
Con una trayectoria de más de cuatro décadas, José María Sicilia (Madrid, 1954), una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo español, ha intervenido las estancias más emblemáticas del Palacio de Liria como la biblioteca, el Salón de baile, el Salón Amores de los dioses, el Salón Estuardo o el Salón Gran Duque, entre otros espacios, reuniendo obras recientes creadas ex profeso, así como una instalación site-specific. Todas ellas, concebidas desde la escucha atenta a las historias latentes que el lugar conserva, estas piezas se entrelazan con la arquitectura y la memoria del edificio y fomentan el diálogo entre la colección de la Casa de Alba y el presente.
Las obras que conforman "Noches y días" ofrecen una visión general de la práctica artística actual de José María Sicilia en la que se solapan técnicas, huellas, impresiones, pintura, fotografía y formas escultóricas de extrema delicadeza y crean piezas únicas que dialogan de forma silenciosa con la colección existente en el palacio. Así, el conjunto despliega una gramática visual sostenida en el reconocimiento de la historia del arte, de los víncuos familiares y de un imaginario cultural compartido.
Estas piezas abren espacios liminales que invitan a la reflexión y, siguiendo narrativas tan antiguas como Las mil y una noches, configuran un relato inacabado de historias dentro de historias, de temporalidades no lineales y de mitologías íntimas que solo son completadas con la presencia del espectador.
Aurèlia Muñoz, la gran artista que sobrevivió a la categoría de la artesana dedicada a “labores de mujeres”
El Museo Reina Sofía, en colaboración con el MACBA, presenta ‘Entes’, una exposición en el centenario de la creadora que trabajó el textil, el macramé, el papel, el dibujo y la fotografía
Las monumentales esculturas de Macramé de Amèlia Muñoz en la exposición 'Entes', en el Museo Reina Sofía de Madrid.FÁTIMA SANZ (Europa Pres
Aurelia Muñoz tuvo una revelación ante el Tapiz románico de la Creación de la catedral de Girona. “Ahí nació mi interés definitivo”, contaba la artista para tratar de explicar por qué en los sesenta, cuando ya había pasado los 30 años, comenzó su carrera con una apuesta por el arte textil. Desde aquel momento, tuvo un gran éxito internacional que le permitió trabajar en Europa, América y Japón, participar en importantes ferias y protagonizar exposiciones individuales. Ni siquiera la misoginia más letal del franquismo pudo torpedear un universo que transitó los tejidos, el macramé, el papel, el dibujo y la fotografía. Fue ya en democracia cuando cayó en el olvido. Una travesía por el desierto temporal, porque a partir de 2018, y sobre todo con el final del confinamiento, su legado dinamitó las etiquetas de arte decorativo, artesanía, labores domésticas, a fin de cuentas, de trabajo de mujeres. Cuando se cumplen 100 años de su nacimiento, el MACBA y el Museo Reina Sofía se han conjurado en la muestra Aurèlia Muñoz. Entes para, dicen sus responsables, no recuperar su figura, sino, “reivindicarla en su contemporaneidad radical”.
Esa capacidad de Muñoz de superar las estrecheces de los encasillamientos se manifiesta en la primera sala en la que se reúne una muestra de fotografías de varias de sus piezas, no de sus obras. Esta carta de presentación pretende definir a una artista que, en palabras de Sílvia Ventosa, comisaria, responsable del archivo y su hija, “era rigurosa, autoexigente y trabajó siempre de manera colectiva consultando a otros expertos, solía decir que lo importante era lo que venía de fuera, en mi casa siempre había todo tipo de artistas”. Por eso se rodeó de importantes fotógrafos de la época como Lluís Casals y Catalá-Roca para que dieran cuenta testimonial de sus obras y por su afán de profesionalizar su trabajo, siempre abierto a la reflexión y el descubrimiento. “Era muy estructurada. Recuerdo frases como ’50% relaciones públicas y 50% trabajo’. Dedicaba todas las mañanas a tareas administrativas y por las tardes, cuando trabajaba, ni una mosca se podía mover”, relata Ventosa.
Entrada a la exposición 'Aurèlia Muñoz. Entes', donde se exponen varias fotografías de sus obras.MUSEO REINA SOFÍA
La exposición se despliega, casi de manera cronológica por cada una de sus etapas creativas. Ya en la primera, la que devino del descubrimiento del tapiz de Girona, Muñoz demostró que era capaz de pintar a partir del bordado como demuestra en el monumental e impresionante Homenaje a Jerónimo Bosco (1971), un tapiz de más de tres metros que se puede ver por primera vez en un museo. Desde mediados de los años sesenta participó en las Bienales Internacionales del Tapiz de Lausana donde conoció a colegas de la misma disciplina como la colombiana Olga de Amaral, la norteamericana Sheila Hicks y la polaca Magdalena Abakanowicz. Allí se reunían directores de museos, galeristas y críticos de arte quienes la fueron convocando a exposiciones individuales, y a quienes legaba, recuerda su hija, el género o disciplina de sus piezas. “Ella solía decir: ‘yo hago y ya vosotros le ponéis las etiquetas”, matiza Velasco, que reconoce que la crítica siempre fue muy favorable al trabajo de la artista.
'Homenaje a Jerónimo Bosco', 1971. Bordado de lana y algodón sobre arpillera de yute (300 x 475 cm). Collection Provinciehuis Noord-Brabant, 's-Hertogenbosch. Fatima Sanz Museo Reina Sofia
La colosal obra de Kiefer se apodera del Centro de Arte Hortensia Herrero
Valencia exhibe por primera vez en Europa 'Danaë', una monumental pieza de 13 metros que sólo se ha mostrado al público en Nueva York en 2022 | La muestra del «más grande de los artistas vivos» sitúa a la capital del Turia como referente cultural
Apabullante. La exposición de Anselm Kiefer resulta impactante. El Centro de Arte Hortensia Herrero ha retirado 60 piezas de la colección permanente para exhibir once colosales lienzos del artista alemán. 'Danaë', una obra de más de trece metros de ancho, se ubica en la última planta. Nunca se ha expuesto en Europa. Solo se mostró al público en Nueva York en 2022. Y ahora está al alcande de los valencianos y de los visitantes que se acerquen al espacio cultural de la calle del Mar.
En esta pieza, Kiefer reproduce el interior del aeropuerto de Tempelhof en Berlín, utilizado por la aviación alemana para aterrizajes de emergencia durante el periodo nazi, y que Norman Foster describió como «la madre de todos los aeropuertos» por su estructura monumental. 'Danaë' transmite la sensación del espacio abandonado, devastado por el nazismo, y logra empequeñecer al espectador.
En la presentación de la exposición, Javier Molins, comisario de la muestra, ha destacado que 'Danaë' «es el 'Guernika' de Kiefer». Aborda la barbarie de la guerra pero en el doble de tamaño.
La muestra del «más grande de los artistas vivos», según lo definió The New York Times, sitúa a la capital del Turia como referente cultural, dado que, en palabras de Molins, Kiefer se ha exhibido en el MoMA y en el Pompidou. El creador alemán es el «único artista vivo con obra en el Louvre», detalla el curator durante la presentación de la exposición, que estará abierta al público hasta octubre.
Se trata, además, de la primera muestra del autor en España en más de dos décadas -la última oportunidad fue la antológica del Guggenheim de Bilbao- y, para la ocasión, se han reunido piezas de factura posterior no exhibidas anteriormente al público. «Cuando mi equipo me propuso la idea de la exposición, la idea al principio no me sedujo», ha confesado Hortensia Herrero. «Luego pensé en brindar la oportunidad de contemplar más piezas de Kiefer sin salir de la capital del Turia», ha añadido este martes durante la inauguración de la exposición, que se abre al público este miércoles.
En el Centro de Arte Hortensia Herrero, que cerró apenas tres para adecuar las salas a la obra de Kiefer se pueden observar, además de 'Danaë', ''La Muerte y la Doncella' y 'Walhalla', 'Las flores del mal' (que se exhiben desde la inauguración del CAHH), y 'Quien no tiene casa ahora, ya no la construirá', que también pertenece a la colección de la vicepresidenta de Mercadona, entre otras. Como curiosidad, Kiefer no recurre a cartelas.
La producción pictórica de Kiefer destila belleza, historia, literatura y naturaleza. En ella se cobijan referencias a Octavio Paz, Rilke, Wagner, Schubert, la mitología griega, etcétera.
Un contratiempo de salud ha impedido a Kiefer, que tenía previsto acudir a la inauguración del CAHH, estar presente en Valencia, pero en el exquisito catálogo de la exposición se recoge una entrevista en el que el artista afirma: «Aunque soy consciente de mi falta de talento y de que nunca crearé una obra maestra, sigo trabajando sin desfallecer».
¿Quién es Anselm Kiefert? Anselm Kiefer nació en Donaueschingen (Alemania) en 1945) y en 1992 se trasladó a Francia, donde vive y trabaja entre París y Barjac, cerca de Aviñón. Discípulo de Joseph Beuys, sus trabajos se han mostrado en museos tan prestigiosos como el Art Institute of Chicago (1987); la Nationalgalerie de Berlín (1991); el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (1998); la Fondation Beyeler de Basilea (2001); el Museo Guggenheim de Bilbao (2007); la Royal Academy of Arts de Londres (2014); el Centre Pompidou de París (2015); la Bibliothèque Nationale de France (2015); la Albertina de Viena (2016); el Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo (2017); el Museo Rodin de París (2017); o el Met Breuer de Nueva York (2018); entre muchos otros.
Kiefer recibió el Premio Praemium Imperiale otorgado por Japón en 1999, y en 2008 fue galardonado con el Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán. En 2007 se convirtió en el primer artista desde Georges Braque en recibir un encargo para una instalación permanente en el Museo del Louvre de París, y en 2018 su escultura site-specific Uraeus se exhibió frente al Rockefeller Center de Nueva York. En 2020, el presidente francés Emmanuel Macron le encargó la realización de una instalación permanente para el Panteón de París.
Madrid es una ciudad ideal para los amantes del arte. Repleta de museos y galerías con mucha historia, constantemente se presentan oportunidades para disfrutar de nuevas muestras, no sin dejar atrás opciones como ver algunas de las obras de arte más famosas de todos los tiempos, como pueden ser 'Las Meninas' de Velázquez o 'El jardín de las delicias', de El Bosco, ambas ubicadas en el Museo del Prado, que precisamente acoge una nueva exposición, que explora cómo la llegada de la fotografía en el siglo XIX transformó la manera de representar, documentar y proyectar la identidad del artista y sus espacios de creación
La llegada de la fotografía protagoniza esta nueva exposición en Madrid
Bajo el nombre 'El universo del artista ante la cámara', la nueva muestra reúne retratos individuales y de grupo, vistas de los estudios de artistas, así como imágenes que documentan distintas fases del proceso creativo, ofreciendo un mapa visual del artista en su taller, o en escenarios alternativos de creación.
La muestra reúne una variedad de obras de profesionales reconocidos, al igual que imágenes de autoría desconocida y posible carácter amateur, en su mayoría procedentes de archivos de artistas como Luis y Federico de Madrazo, Dióscoro Puebla, Rafael Rocafull, Cecilio Pla, Agustín Querol, Miguel Blay, Fernanda Francés o Manuel González Santos.
El recorrido destaca, entre otras, la vista del estudio de Federico de Madrazo en Madrid; la documentación del modelado del frontón de la Biblioteca Nacional por Agustín Querol o la escena de Mariano Benlliure junto al escritor Federico García Sanchiz en el taller del escultor. Igualmente, también presta especial atención a la presencia femenina en estos ámbitos, con el retrato de María Luisa de la Riva en su estudio parisino, la pintora Fernanda Francés y las alumnas de Cecilio Pla, entre ellas Carolina del Castillo, y fotografías que registran las etapas de creación de una misma obra, como la escultura dedicada a Mariano Moreno, encargada a Miguel Blay en 1909 y documentada a lo largo de 1910.
La exposición configura una cronología material que permite seguir la evolución de técnicas y soportes, desde los papeles albuminados y los retratos en formato 'carte de visite' o tarjeta París, a procesos como el platinotipo, el ferrotipo, el autocromo o las copias a la gelatina, mostrando así las distintas transformaciones tecnológicas y estéticas que, desde mediados del siglo XIX hasta las primeras décadas del XX, redefinieron la manera en que los artistas construyeron y proyectaron su imagen y su universo creativo.
Las mejores exposiciones de fotografía que puedes ver en Madrid
Entre las mejores exposiciones de fotografía que puedes visitar actualmente en Madrid, se encuentran muestras como 'The Animals' (Matadero Madrid); 'The Fold. Hoda Afshar' (La Casa Encendida); 'Helen Levitt' (Fundación Mapfre); 'Hotel del artefacto expoliado' (Museo Nacional de Antropología) o 'El universo del artista ante la cámara' (Museo del Prado).
