ABC SEVILLA

 

El CAAC inaugura la primera exposición de la artista africana Virginia Chihota en un museo europeo

Titulada 'Kupinduka', reúne nueve grandes lienzos, veinticuatro obras sobre papel y una instalación textil de catorce metros concebida para esta muestra

La artista de Zimbawe Virginia Chihota ante sus grandes cuadros situados en la antigua iglesia del Monasterio de la Cartuja, sede del CAAC. 

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla presenta del 19 de marzo al 6 de septiembre de 2026 la exposición 'Kupinduka' de la artista Virginia Chihota (Chitungwiza, Zimbabue, 1983). La muestra, comisariada por Jimena Blázquez, anterior directora del museo, constituye la primera gran individual de la artista en una institución europea. El proyecto reúne un conjunto de obras producidas específicamente para el CAAC, que incluye pinturas, dibujos sobre papel y una instalación textil.

La exposición, que se presenta en la zona monumental que son los espacios de la antigua Cartuja de Sevilla, reúne nueve grandes lienzos realizados mediante una combinación de técnicas como serigrafía, tinta china, óleo y acrílico, junto a veinticuatro obras, en menor formato sobre papel de algodón que revelan el carácter introspectivo de la práctica de Chihota. La muestra se completa con una instalación textil de tres cuerpos que se despliega en la Capilla de Colón.

Yolanda Torrrubia, jefa de actividades del museo destacó en la presentación que, «esta exposición se enmarca dentro una línea de trabajo que desarrollamos de manera constante, que trata de apoyar a los artistas en la producción, ofrecerles la oportunidad de trabajar en un espacio tan singular como este para poder desplegar sus obras y pensarlas en especifico. Y también por otra parte, en la línea de traer al CAAC y a Andalucía las últimas tendencias del arte contemporáneo internacional».

Según Torrubia, «la muestra que hoy presentamos en el espacio monumental de la Iglesia, la Capilla de Colon, Profundis y Sacristía del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo se titula 'Kupinduka', porque el proyecto toma como punto de partida este concepto de 'Kupinduka', un término de la lengua shona que alude a un giro o tránsito hacia otro estado. Es un lugar de transformación, un sitio a donde viajar en nuestros pensamientos. Habla de ese espacio entre lo inconsciente y lo consciente, a través de un viaje espiritual de transformación. Es un concepto entorno al cual gira toda esta obra, que de alguna manera conecta y plantea un diálogo con este espacio del museo, históricamente vinculado a la dimensión espiritual».

Las obras de Virginia Chihota situadas en la antigua sacristía de la Cartuja. (María Guerra)

Destacó Torrubia además, las muchas referencias de la obra de Chihota a su familia, «a su forma de vida, al hogar donde ha crecido y también al cuestionamiento de su propia identidad. Todo ello lo despliega a través de una simbología muy personal, como 'Ventanas' que muestran la esperanza y el futuro; 'casas' que relacionan el hogar con las mujeres que lo sostienen; 'líneas rojas' que marcan un espacio libre para crear, o 'zig zags' que simbolizan los altibajos de la vida, etc. Con esta muestra mantenemos el compromiso del museo de apoyar a una artista en un momento relevante de su carrera, y situamos también al CAAC en el circuito artístico internacional del arte contemporáneo», señaló.

La carrera de Virginia Chihota se ha ido consolidando en los últimos años. Nacida en Zimbabue, vive y trabaja en Nueva York. En su carrera artística destacan hitos como haber sido elegida con 30 años para representar a Zimbabue en la Bienal de Venecia de 2013. Asimismo, fue galardonada también en 2013 con el Prix Canson, un importante premio dedicado al dibujo y en 2021 recibió el encargo de la Ópera Nacional de París de realizar varias obras para la escenografía de la ópera 'Aida' de Giuseppe Verdi. Sus obras forman parte de colecciones tan importantes como la del Centre Pompidou de París o la Tate Modern de Londres.

'Kupinduka' de Virginia Chihota

Dónde: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Avda. Américo Vespucio. Isla de la Cartuja.

Cuándo: Del 19 de marzo al 6 de septiembre de 2026

Horario: Martes a sábado de 10:00 a 20:00 h. Domingos y festivos, de 10:00 a 15:30. Lunes, cerrado.

Entradas: visita al monumento, 1,80 euros. Exposiciones temporales: 1,80 euros. Visita completa: 3,01 euros.

EXPOSICIÓN

 

Obras de Picasso, Warhol y Murakami llegarán por tiempo limitado al Museo del Mar de Santa Pola

El espacio contará con un gran número de piezas, algunas inéditas, en la exposición [Iter spirituale]. Dos colecciones, que se inaugura el viernes 27 de marzo a las 19 horas

Una mirada a grandes artistas que desembarca en Santa Pola por tiempo limitado. Picasso, Warhol, Mariscal, Tàpies, Chillida o Barceló, entre otros grandes artistas, estarán presentes en el Museo del Mar gracias a la exposición [Iter spirituale]. Dos colecciones, un proyecto que propone un viaje por la espiritualidad en el arte contemporáneo a través de una cuidada selección de obras procedentes del Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (MACVAC) y de la Colección Mariano Poyatos Mora y Filomena De Lorenzo (Galería Espai Nivi).

La muestra, comisariada por Alejandro Mañas García y Laura Silvestre García, profesores e investigadores de la Universitat Politècnica de València, se inaugurará el próximo viernes 27 de marzo a las 19 horas y reúne por primera vez en Santa Pola un conjunto significativo de obras de artistas nacionales e internacionales como Nan Goldin, Picasso, Alberto García-Alix, Inma Liñana, Darío Villalba, Takashi Murakami, Antonio Saura, Natividad Navalón, Andy Warhol, Menchu Gal o Javier Mariscal.

La lista de autores presentes se extiende todavía más con nombres como Antoni Tàpies, José Guerrero, Esteban Vicente, Elena Asins, Juan Ortí, Marc Chagall, Laura Silleras, Giorgio Morandi, Jorge Usán, Equipo Crónica, Fernado Zobel, Jorge Oteiza, Ana Roussel, Eduardo Chillida, Martín Chirino, Eva Lootz, Inma Femenía, Silvestre Moros, Isabel Tristán o Miquel Barceló, entre otros.De esta forma, y teniendo en cuenta la diversidad de lenguajes y el salto generacional de los artistas, las obras abordan la espiritualidad como una dimensión íntima y, al mismo tiempo, profundamente vinculada a la experiencia colectiva. Muchas de las piezas que se presentan son cuadros inéditos y recientes incorporaciones a los fondos del MACVAC y de la colección Espai Nivi, lo que convierte el proyecto en una oportunidad única para conocerlas.

Un proceso de búsqueda fuera de los centros hegemónicos

Articulada en cuatro ámbitos —Cuerpo, Rituales, Paisajes del alma y Trascendencia—, la muestra [Iter spirituale]. Dos colecciones invita a recorrer un itinerario que va de la experiencia más corporal y biográfica a los territorios de la abstracción y el signo. Como señalan los comisarios Alejandro Mañas García y Laura Silvestre García, la exposición "no propone un discurso cerrado, sino un proceso de búsqueda, un viaje hacia dentro en el que cada obra se convierte en umbral y cada sala en una morada que el visitante habita a su propio ritmo".

El diálogo entre el MACVAC y la colección Espai Nivi, dos proyectos que han construido desde la periferia y a lo largo de décadas relatos complementarios sobre la contemporaneidad, es uno de los ejes centrales de la muestra. “Para nosotros era fundamental mostrar cómo dos colecciones nacidas fuera de los grandes centros hegemónicos pueden custodiar un patrimonio interior compartido, hecho de riesgos, afinidades y memorias que hablan de nuestro tiempo desde otros lugares”, apuntan los comisarios.

(INFORMACIÔN)

MUSEO THYSSEN

 

Exposición temporal

Hammershøi

El ojo que escucha

Del 17 de febrero al 31 de mayo de 2026

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la primera retrospectiva en España dedicada al artista danés Vilhelm Hammershøi (1864-1916) ofreciendo, a través de casi un centenar de obras, una amplia y completa visión de su trabajo. Más de cien años después de la muerte del pintor, que alcanzó un éxito considerable en vida por sus interiores fríos y silenciosos, sus obras todavía atraen e inquietan al espectador moderno. La ambigüedad de sus planteamientos mantiene abiertas múltiples vías de interpretación que en las últimas décadas se han enriquecido gracias a la búsqueda de conexiones con otros artistas europeos y a la contextualización con sus contemporáneos daneses. Ver sus cuadros en el Museo Thyssen permite además relacionarlos con los maestros del pasado, como los holandeses del siglo XVII, y las grandes figuras del siglo XIX y XX. 

La exposición contribuye a acercar la obra de Hammershøi a la generación actual de creadores e historiadores, así como al público general en España, que hasta ahora sólo ha podido verla en contadas ocasiones. El subtítulo de la muestra, “el ojo que escucha”, remite a la relación metafórica entre su pintura, el silencio y la aparente calma que transmite, y el interés del artista por la música. La exposición aborda este y otros temas que recorren su obra, como el papel de su mujer Ida Ilsted en su proceso creativo, la progresiva depuración de los interiores domésticos y sus paralelismos con el tratamiento de las arquitecturas y paisajes, y su autorrepresentación como pintor en los últimos años de su vida. 

Exposición organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en cooperación con la Kunsthaus Zürich 

La exposición se presentará en la Kunsthaus Zürich (Suiza) del 3 de julio al 25 de octubre de 2026.

El catálogo de la exposición ha sido realizado con el apoyo de la New Carlsberg Foundation.

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CAFÈ MODERNO (PONTEVEDRA)

 

DIVERSA. Muestra Internacional de Ilustración Contemporánea Afundación, en Pontevedra

La pluralidad como concepto central que nutre estilos, técnicas y perspectivas es la idea de la que emerge DIVERSA, Mostra Internacional de Ilustración Contemporánea Afundación, que acerca ahora a Pontevedra una selección de las propuestas más representativas de la ilustración actual. En esta edición, la exposición explora cómo la variedad cultural, la conexión con nuestro entorno y las experiencias personales de las y los artistas convergen para dar forma a un discurso visual que dialoga con los grandes retos y temas de nuestro tiempo. Te invitamos al Café Moderno Afundación de Pontevedra para descubrir una creatividad fascinante. Te esperamos desde el 24 de marzo y hasta el 20 de junio de 2026. 

Artistas | ADOLFO SERRA (Teruel), ANA JARÉN (Sevilla), ANDREW RAE (Londres), BODIL JANE (Ámsterdam), CATALINA RODRÍGUEZ VILLAZÓN (Asturias), EMILY ELDRIDGE (EE.UU.), HARSA (Zaragoza), INÉS IGLESIAS (Salamanca), INMA HORTAS (Lugo), MARCOS COVELO (Vigo), MARÍA GRANDE (Ourense), MARÍA MEDEM (Sevilla), MARIONA CABASSA (Barcelona), MARITZA BERTOLLINI (México), REBECA LOSADA (Lugo), RICARDO CAVOLO (Salamanca), RUNE FISKER (Dinamarca), SIMON BAILLY (Francia)

Esta exposición reúne una selección de obras contemporáneas cuya base creativa es la ilustración, elaboradas con técnicas diversas que abarcan desde el gouache, el collage y la cerámica hasta la animación digital. El hilo conductor de todas ellas es una creatividad y una imaginación excepcionales, que impulsan la innovación en los lenguajes visuales.

Bajo el concepto central de la pluralidad cultural e identitaria, «Diversa» presenta ahora en Pontevedra una muestra representativa de la ilustración actual. En su quinta edición, la exposición explora cómo la diversidad cultural, la conexión con el entorno y las experiencias personales de los artistas convergen para construir un discurso visual que dialoga con los grandes desafíos de nuestro tiempo.

La muestra destaca la coexistencia de múltiples lenguajes visuales dentro de la ilustración, integrando tanto técnicas tradicionales como métodos contemporáneos —desde la ilustración digital hasta composiciones híbridas—, lo que evidencia la capacidad de este arte para reinventarse constantemente a través de nuevos formatos, materiales y tecnologías.

El título «Diversa» refleja la riqueza temática de las obras, que abordan desde cuestiones íntimas —como la identidad y los procesos emocionales— hasta temas sociales, como la igualdad y la sostenibilidad. La exposición se erige así como un reflejo de la complejidad del mundo actual, promoviendo la inclusión y la representatividad a través de un mosaico de personajes, culturas y contextos vitales.

Además, la muestra establece un diálogo con la biodiversidad y la naturaleza, explorando paralelismos entre el entorno natural y la creatividad humana. Las obras reinterpretan la variedad de los ecosistemas, transformando el mundo vegetal, animal y floral en fuente de inspiración y protagonista de las creaciones.

«Diversa. Muestra Internacional de Ilustración Contemporánea Afundación» se consolida como un espacio donde conviven tradición y vanguardia, ofreciendo una visión poliédrica de la ilustración como herramienta de expresión y reflexión en el arte actual.

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• DÓNDE:

  Café Moderno Afundación Pontevedra

  Praza de San Xosé, 3. Pontevedra (Pontevedra)

• Fechas:

  24 MAR a 20 JUN 2026

• Horario:

  LUNES a VIERNES | 17.30 a 20.30 h

  SÁBADOS  |  11.00 a 14.00 y 17.30 a 20.30 h

  DOMINGOS y FESTIVOS | cerrado

• Entrada:

  Gratuita

• Modalidad:

  Presencial

SANTIAGO DE COMPOSTELA

 

Alexandra Ranner. Rumor

Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC)

La artista alemana residente en Berlín, Alexandra Ranner (Osterhofen, 1967), presenta en el CGAC su primera exposición individual en un museo español. A partir de una selección de trabajos procedentes de medios diversos como la fotografía, la escultura, la instalación o el vídeo, la muestra realiza un recorrido por su trayectoria como artista desde el año 2003 hasta la actualidad.

Su obra, marcada por la dificultad para identificar categorías precisas, aborda temáticas como la soledad, el colapso, la indefinición del espacio, los lugares anteriores o posteriores a una catástrofe, la suspensión de estados y acontecimientos o el tiempo entre un pasado arcaico o estático y un futuro por acontecer. Y lo hace mediante la representación de seres humanos y animales, paisajes, arquitecturas, interiores y ruinas.

La imprecisión semiótica de sus obras —la negativa a establecer una relación directa entre percepción y concepto, significante y significado— subvierte los fundamentos racionalistas del conocimiento. El análisis objetivo de lo observado y la posición externa de la mirada se ven alterados, y lo mismo ocurre con la descripción o interpretación de lo que sucede y con la narrativa de un tiempo lineal. En este sentido, la configuración del espacio arquitectónico realizada en las salas del CGAC, con muros, mirillas y ventanas, contribuye a crear una experiencia perturbadora donde el misterio, la extrañeza y la ambigüedad, no exentos de violencia, discurren en los confines enigmáticos de la naturaleza y de lo que se considera humano.

Alexandra Ranner sitúa a sus seres en la intensidad emocional de la soledad, el aislamiento, el encierro, la pérdida, la inseguridad, el gozo o la ternura. Su conocimiento de la pintura renacentista y barroca, en particular de la obra de Velázquez, Zurbarán, Caravaggio o Menéndez Valdés, y el influjo de autores como Goya, Franz Kafka o Samuel Beckett le permiten tratar los trastornos y las convulsiones de la sociedad contemporánea con una poderosa calidad espacial, plástica y perceptiva. Pese a utilizar registros procedentes de la historia del arte y la arquitectura, su obra no está basada en cánones clásicos ni dramáticos sino en el humor, el sarcasmo y el absurdo propio de las vanguardias artísticas contemporáneas, que nos acercan al paradigma perturbador de nuestro tiempo.

13 Marzo 2026 - 27 Septiembre 2026

CENTRO GALLEGO DE ARTE CONTEMPORÀNEO

 

LLUÍS HORTALÀ. ANTE LA LEY

Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC)

Lluís Hortalà (Olot, Girona, 1959) juega con el engaño y la confusión de la mirada, sumergiéndonos en el arte del trampantojo. Centrándose cuidadosamente en el detalle, incide en una pintura realista hasta el extremo, que es mimética con las texturas y los brillos, capaz de reproducir visualmente el tacto y, a veces, la temperatura fría de las piedras. En esta pintura parece que no hay nada más que técnica; eso sí, impecable. Sin embargo, por detrás de la técnica afloran el sentido y los significados. En cada una de las obras hay una narrativa, una red de conexiones que construye un marco reflexivo sobre la historia; también, y sobre todo, la historia de la pintura y de la cultura.

Su obra de principios de los 2000, se caracterizó por estudiar el paisaje que frecuentaba como alpinista y montañero. El paisaje era la montaña, las formas de los pináculos, pero sobre todo la roca, la textura de la piedra, la rugosidad caprichosa, geológica y mineral. Esta atención a la piel de las rocas, a su textura, es un precedente de todo lo que vendrá después: la representación de una ornamentación arquitectónica y de estilos que encuadran ideologías y políticas, formas de juzgar.

Con el título de la exposición, Ante la Ley —que también da nombre a varias de sus obras—, Lluís Hortalà nos remite a uno de los cuentos más conocidos de Kafka, quizá el más divulgado junto con La metamorfosis (también llamada La transformación en traducciones recientes). Con esta referencia, Hortalà nos invita a explorar la tensión entre el acceso y la barrera, entre lo visible y lo prohibido, temas que atraviesan el universo kafkiano y resuenan en su obra plástica.

La muestra incluye algunas de sus series más recientes, que despliegan progresivamente juicios sobre las leyes cambiantes del gusto. Comienza con el contraste entre chimeneas rococó y neoclásicas, que precedieron a la guillotina y la anunciaron formalmente: una manera de juzgar la vida o la muerte desde la ley durante la Revolución francesa. Continúa con las paredes —pintadas o enteladas— y las puertas que conectan las salas de grandes museos europeos, como el Prado de Madrid o la National Gallery de Londres. Todos ellos se convirtieron en tribunales desde los que juzgar no solo el arte, sino también las naciones que los crearon.

Por último, llegamos a la puerta y a las ventanas de la sala del tribunal donde se celebraron los juicios de Núremberg, que sentaron las bases del mundo democrático posterior a 1945, en el que hemos vivido hasta nuestros días. En aquel proceso se juzgaron los crímenes del nazismo y se afirmó la necesidad de leyes legítimas, frente a cuya ausencia acechan los demonios con los que nos ha tocado vivir: los mismos que hoy resurgen, reivindicando liderazgos totalitarios y enarbolando la bandera del capricho autoritario y del odio. Recordar sirve para luchar y resistir. Kafka entre nosotros es una luz que advierte de las tinieblas que nos amenazan.

ALGUNAS DE SUS OBRAS

MADRID

 

Sam convierte el Salón de Baile del Círculo de Bellas Artes en el epicentro del coleccionismo con obras de Picasso, Matisse o Antonio López

El Salón de Arte Moderno combina tanto obras de arte clásico como antigüedades, curiosidades y piezas contemporáneas

La obra de Picasso que estará en SAM.

El Salón de Arte Moderno, SAM, tomará desde este martes y hasta el próximo domingo el icónico Salón de Baile del Círculo de Bellas Artes, que por primera vez se convertirá en una sala de exhibición y venta de joyas de la historia del arte y en epicentro del coleccionismo moderno.

En la semana en la que Madrid bulle en lo artístico bajo la bandera de Arco, la novena edición de esta feria traerá, de la mano de algunas de las galerías más reconocidas de nuestro país, destacadas obras, indicadas para aquellos colecionistas modernos a los que les gusta combinar tanto obras de arte clásico como antigüedades, curiosidades y piezas contemporáneas.

Allí se hallarán obras de relevantes artistas, como Picasso, Joan Miró, Matisse, Tàpies, Antonio López, Jaume Plensa, Claudio Bravo, Sam Francis, Juan Genovés, José Guerrero, Hernández Pijuan, Rafa Macarrón, Darío de Regoyos, Igor Motoraj o Manuel Rivera.

Entre las obras más destacadas estarán Tète de femme (1942), un retrato firmado por Matisse; Personnages dans une auberge espagnole (1898), un raro y temprano dibujo en carboncillo de Picasso; Cumbre (1975), una de las obras más representativas de la madurez creativa de José Guerrero, o Mesa de Tomelloso (1959), un bodegón-paisaje de la primera etapa de Antonio López.

Además, en la feria se mostrarán tapices históricos, mobiliario, joyería y piezas clásicas, desde una escultura helenística de mármol a un sarcófago de la XXII Dinastía del antiguo Egipto.. Piezas, todas ellas, que podrían estar en museos y que en esta feria salen a la venta para coleccionistas privados y públicos, con precios que oscilarán entre los 5.000 euros y el millón de euros.

Con el galerista y anticuario Jorge Alcolea a la cabeza, SAM es la segunda feria de arte más visitada tras Arco, con más de 11.000 visitantes y más de 4 millones de euros en su última edición.

Parte su éxito se debe a que está confeccionada al estilo de los antiguos salones parisinos de arte: cercano, divulgativo y didáctico, donde los marchantes explican la obra a los visitantes, dando la bienvenida así a todo tipo de públicos.