lunes, 29 de diciembre de 2025

ARTE EN 2025

 

De la máscara de Maruja Mallo al planeta negro: un viaje por el pulso artístico de 2025

A las puertas de 2026, hacemos un recorrido por las diez mejores exposiciones de 2025


La verbena' (1927), óleo sobre lienzo de Maruja Mallo. | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

El año que cerramos ha sido, por encima de todo, el de las relecturas necesarias. Las salas de nuestros museos no solo se han llenado de público, sino de preguntas. El Museo del Prado ha acogido a dos grandes artistas de la historia del arte como Paolo Veronese y Anton Raphael Mengs, mientras que el Museo Guggenheim de Bilbao ha expuesto, con gran acierto, el activismo gráfico de Barbara Kruger. En estas últimas semanas, además, hemos despedido a figuras clave como el arquitecto Frank Gehry o el fotógrafo Martin Parr. A las puertas de 2026, cuando ya comenzamos a preguntarnos por las exposiciones que marcarán el próximo año, hacemos un recorrido por las diez mejores exposiciones de 2025.


martes, 23 de diciembre de 2025

HARPER´S BAZAAR

 

Jordi Mollà, sobre su exposición de arte en Madrid: "No tengo mujer, no tengo hijos. Tengo todo el tiempo del mundo para pintar"



Además de actuar, Jordi Mollà lleva más de tres décadas pintando en cualquier lugar y en cualquier momento. Tras presentar su última exposición en la Galería Canalejas de Madrid, el artista catalán conversa con Harper’s Bazaar sobre la catarsis creativa que impregna su vida, el paso del tiempo, la belleza y el universo emocional que lo atraviesa.

Pinta mucho, casi de manera compulsiva. Y, aunque pudiera parecer que con tanto hito y proyecto a sus espaldas podría cesar en algún momento con este hábito, lo cierto es que Jordi Mollà (L'Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 1968) lleva haciéndolo desde los 27 años. Porque, en realidad, pintar es parte de su manera de estar en el mundo. Dice él que la pintura es "una amiga, una terapia, un refugio, un hogar". Que le acompaña en días nostálgicos, pero también en los más alegres.

Al escucharle hablar resulta fácil imaginarle pintando cuando las temperaturas alcanzan sus máximas, cuando hay tormenta, o en esos días en los que el sol no hace ni un mínimo atisbo de salir, hay bochorno y el estado de ánimo cae un poco. Porque también cuenta que es un profesional subiendo y bajando esas cuestas que impone la vida. De hecho, precisamente, esos diversos estados de ánimo conforman el tema principal que da forma a parte de las obras de Heaven, su exposición más reciente en Madrid.

NOTICIA COMPLETA

MONTMARTRE DE MADRID

 

El Montmartre de Madrid, así es la plaza en la que el arte es el protagonista


Un enclave que encuentra la tranquilidad urbana en pleno centro de la ciudad


Plaza del Conde de Barajas / Turismo Madrid

En pleno centro de Madrid hay un lugar para los amantes del arte, que algunos lo consideran como el “Montmartre madrileño”. Se trata de la Plaza del Conde de Barajas, cerca del Mercado de San Miguel y en pleno Madrid de los Austrias. En este enclave singular se encuentra esa tranquilidad urbana que tanto se busca dentro de una ciudad que va a toda velocidad.

Cada domingo, este espacio se transforma en un auténtico escaparate al talento local gracias al Mercadillo de Pintores, una exposición al aire libre que reúne a cerca de 40 artistas y que ha consolidado a la plaza como el conocido “Montmartre madrileño”, haciendo referencia al famoso barrio parisino. Este rincón, a pesar de la gran afluencia de visitantes que recibe la ciudad, permanece con un sitio apacible y con un marcado carácter histórico.

Dónde se encuentra la Plaza del Conde de Barajas

La Plaza del Conde de Barajas se encuentra en pleno centro de la capital de España. Está situada junto al Arco de Cuchilleros, uno de los accesos principales a la Plaza Mayor. Es un lugar que destaca por su arquitectura original y su atmósfera serena en el Madrid de los Austrias.

Es un espacio cuadrangular con varias salidas que han permitido el mantenimiento de casas palaciegas de la época medieval. En la Plaza del Conde de Barajas se encuentra uno de los edificios de viviendas más antiguos de todo Madrid y cuyo origen se remonta a los años 60 del siglo XVII y conserva las características de la arquitectura del Siglo de Oro.

CORUÑA

 

Más de 34.000 personas visitan en un mes la exposición de Annie Leibovitz en A Coruña


Exposición de Annie Leibovitz en el muelle de Batería CESAR QUIAN

La muestra, instalada en el muelle de Batería, podrá visitarse de manera gratuita hasta mayo del 2026


La exposición Wonderland, dedicada a la fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz y promovida por la Fundación MOP, ha superado las 34.000 visitas en su primer mes abierta al público en el Centro MOP del muelle de Batería, en A Coruña. La muestra se inauguró el pasado 22 de noviembre y permanecerá abierta hasta el 1 de mayo de 2026.

Se trata de la primera gran exposición centrada en la fotografía de moda de la artista, aunque el recorrido abarca toda su trayectoria profesional. El itinerario expositivo arranca con sus primeros trabajos para la revista Rolling Stone, donde firmó algunos de los retratos más icónicos de la música contemporánea, con figuras como Bob Dylan, John Lennon, Mick Jagger o Keith Richards. A partir de ahí, la muestra recorre su obra vinculada al arte, el cine, la política y el deporte, para culminar con una amplia selección de fotografías de moda, muchas de ellas inéditas hasta ahora.

La exposición se completa con una película y una publicación titulada Annie Leibovitz In Wonderland, producidas expresamente para esta ocasión por la Fundación MOP. Ambas incluyen entrevistas con personas que han colaborado estrechamente con la fotógrafa a lo largo de su carrera, entre ellas Bruce Springsteen, Patti Smith, Gloria Steinem o Tina Brown.

Con motivo de las fiestas navideñas, el Centro MOP ha anunciado ajustes en su horario. Los días 24 y 31 de diciembre cerrará a las 15.00 horas, mientras que el 30 de diciembre y el 5 de enero lo hará a las 18.00. El centro permanecerá cerrado el 25 de diciembre y el 1 de enero, y el día 6 de enero abrirá a partir de las 12.00 horas.

FAMILIA DE ARTISTAS

 

Exposición única de tres artistas de la familia Vaquero


Palacio Quintanar acoge la muestra 'Paisaje de Fondo', con obras de Vaquero Palacios (1900-1998), Vaquero Turcios (1933-2010) y Juan Vaquero Ibáñez (1978)


Obra de Vaquero Palacios que forma parte de la exposición 'Paisaje de Fondo'. - Foto: Palacio Quintanar


Palacio Quintanar, Centro de Innovación y Desarrollo para el Diseño y la Cultura, acoge una exposición especialmente significativa en el mundo cultural de Segovia, dedicada a los artistas de la familia Vaquero que pertenecen a tres generaciones con un denominador común: la mirada e influencia del paisaje castellano en Joaquín Vaquero Palacios (1900-1998); su hijo Joaquín Vaquero Turcios (1933-2010) y su nieto, Juan Vaquero Ibáñez y las relaciones y recuerdos de los tres surgidos desde su casa familiar segoviana.

A esta saga de artistas, Palacio Quintanar dedica la totalidad de las salas de la planta de acceso, en esta muestra especialmente proyectada para este centro de la Consejería de Cultura.

La exposición, preparada durante largos meses, está comisariada por la directora de la Galería Pradilla, Elena Fernández Manrique, estudiosa de la obra de los tres Vaquero y a ella se debe el título de la muestra, 'Paisaje de Fondo', inspirado en un poemario de Juan Ramón Jiménez, 'Animal de Fondo', que de alguna manera rinde homenaje al iniciador de la familia de artistas, ya que Vaquero Palacios y Juan Ramón fueron amigos y compañeros en Nueva York.


Está formada por medio centenar de obras de Vaquero Palacios y Vaquero Turcios, clarificadoras de las distintas posiciones de padre e hijo frente a la representación de la pintura. El primero proviene de una escuela naturalista de pintura al aire libre que compagina con trabajos de arquitectura y específicamente arquitectura industrial, como las centrales hidroeléctricas para la Compañía del Cantábrico. Una obra que el artista y arquitecto va depurando durante de su larga trayectoria hacia campos de Castilla y paisajes antropomorfos y que culmina con una obra de trazo suelto y paisajes que plasma de memoria, de recuerdos, cuando su visión es ya muy débil.

En el caso de su hijo, Vaquero Turcios, su condición de muralista determina su inspiración y convierte su trayectoria en la más prolífica de la segunda mitad del siglo XX en España en el campo de la pintura mural y la escultura integrada en la arquitectura y el espacio urbano, por influencia del Informalismo. 

La exposición se completa con fotografías de Juan Vaquero Ibáñez, que vive y trabaja en Segovia, inspirado en este caso en el trabajo de su padre y su abuelo, más allá de su propia mirada educada en las amplias extensiones de los paisajes de tierra adentro. Afirma que trabaja con ese «impulso heredado» al haber crecido rodeado de las imágenes de ambos artistas que, sin darse cuenta, han ido definiendo su manera de ver y plasmar el mundo.


Dada la relevancia de la muestra que une por primera vez  en una exposición en la ciudad de Segovia a los tres, se  han programado conferencias a cargo de artistas, historiadores y arquitectos, entre ellos, otro de los nietos de Vaquero Palacios e hijo de Vaquero Turcios, Joaquín Vaquero Ibáñez. 

DE NUEVO BANSKY

 

Aparecen dos murales iguales de Bansky en diferentes partes de Londres


La obra se interpreta como una llamada de atención hacia el sinhogarismo infantil


La obra de Banky en Londres que supuestamente denuncia el sinhogarismo infantil

 TOLGA AKMEN / EFE


El artista británico Banksy confirmó este lunes la autoría de dos murales idénticos aparecidos en Londres, en los que los protagonistas son dos niños con ropaje invernal. Ambos chavales, pertrechados con botas de nieve, abrigos y gorros de lana, yacen sobre el suelo mientras uno de ellos señala con su dedo al cielo.

Uno de los murales ha sido pintado por el misterioso grafitero sobre unos garajes en Queen’s Mews, en el barrio de Bayswater, mientras que el segundo decora una pared del rascacielos Centre Point, en pleno centro de la capital del Reino Unido.

En declaraciones a la cadena BBC, el artista Daniel Lloyd-Morgan interpretó esta nueva obra de Bansky como una llamada de atención hacia la problemática del sinhogarismo infantil. “Todo el mundo lo está pasando bien, pero hay muchos niños que no lo están pasando bien en Navidad”, señaló Lloyd-Morgan, quien lamentó, no obstante, que la gente parece “ignorar” el mural. “Es una zona concurrida. Es muy llamativo que la gente no se detenga. Pasan junto a personas sin hogar y no las ven tiradas en la calle. Es como si estuvieran observando las estrellas”, como los niños del mural, arguyó.

                                             La obra de Banksy en el Tribunal Superior londinense 

 Toby Melville / Reuters


Con suerte, estas nuevas obras de Banksy durarán más que la aparecida el pasado septiembre en la pared exterior del Tribunal Superior de Londres, que fue borrada por las autoridades muy poco después. Aquel mural mostraba a un juez, con peluca y toga, golpeando con un mazo a una persona que sostenía una pancarta manchada de sangre, interpretada como crítica a la represión de la libertad de expresión.

El artista, cuya identidad se mantiene en secreto, es conocido por reivindicar mediante su arte callejero cuestiones sociales, políticas y medioambientales en distintas partes del mundo.

domingo, 21 de diciembre de 2025

MÁS DE ARTE

 

Dos x dos

Andy Warhol y Jackson Pollock coinciden en un museo de Madrid con Picasso y Paul


En el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid coinciden dos exposiciones que reúnen a cuatro de los más grandes artistas del siglo XX. En una de ellas se pueden ver obras de dos pintores europeos, Pablo Picasso (1881-1973) y Paul Klee (1879-1940) procedentes de la colección del propio Thyssen y del museo Heinz Berggruen, uno de los marchantes más importantes del siglo XX, cuyas obras de remodelación del museo que lleva su nombre han permitido la salida de algunos de los cuadros que podemos ver en esta exposición. La otra exposición en el mismo museo que enfrenta a otros dos genios del arte contemporáneo está dedicada a artistas americanos, Andy Warhol (1928-1987) y Jackson Pollock (1912-1956), dos creadores fundamentales del siglo XX, en apariencia muy distintos pero unidos por sus preocupaciones hacia los cambios en la tradición pictórica.

Picasso y Paul Klee, juntos pero no enfrentados

Exiliado del nazismo en San Francisco, Berggruen se inició en el mercado del arte a su regreso a Europa después de la guerra y abrió una galería en París. Siempre se interesó por las obras de Picasso y Klee, a quienes consideraba como los artistas más importantes del siglo XX. En esta exposición se pueden contemplar sus obras como complementarias, en el sentido de que Picasso es más sensual y excesivo, más mediterráneo, mientras que Klee es más introspectivo y espiritual, aunque ambos estuvieron unidos por un sentido de la experimentación, el interés por los mismos géneros y la transgresión y deformación del cuerpo humano, todo ello de influencia decisiva en el desarrollo del arte contemporáneo. La exposición se organiza en cuatro secciones dedicadas a Retratos y Máscaras, Lugares, Objetos y Arlequines y desnudos, que muestran el respeto de ambos artistas por los géneros tradicionales de la pintura. En la primera se aprecia cómo ambos artistas cambiaron el paradigma del retrato a través de la deformación caricaturesca, como en «Desnudo con paños», «Hombre con clarinete» y «Cabeza de mujer» (Picasso), así como «La señora R. viajando por el sur»y «Dama con lacre» de Pal Klee.

Porcelana china / Paul Klee

La sección Lugares recoge el tema del paisaje, fundamental para Picasso en la gestación del cubismo, como en «Naturaleza muerta delante de una ventana». Para Klee fue un tema central, que se enriqueció después de su viaje a Túnez: «Ciudad de ensueño». El apartado Cosas recoge naturalezas muertas a través de las que ambos artistas descompusieron y reconstruyeron la realidad añadiendo periódicos, naipes y otros objetos. Para Klee la esencia de un objeto va más allá de su apariencia exterior.

La fascinación que Picasso sintió por el cuerpo humano queda explícita en la sección dedicada a Arlequines y desnudos: «Dos bañistas», «Arlequín sentado», «Circo». En el circo se inspiro también Klee para pintar «Arlequín en el puente» y «Despertar».

Naipes, tabaco, botella y vaso / Picasso

A lo largo del recorrido se han colocado obras que sitúan a los artistas y a los géneros en un contexto histórico y alusivo. «Vista de La Haya» de Gerrit Berckheyde, «Ninfa de la fuente» de Lucas Cranach el Viejo.

Un acercamiento entre abstracción y figuración

Warhol consideraba a Pollock como el mejor artista del mundo desde que descubrió sus cuadros en 1949. En esta exposición las famosas pinturas de hilos de Warhol dialogan con cuadros de Pollock, como «Bosque encantado». Aquí se pueden ver los principios de la obra de Pollock, alejada de la abstracción que lo caracteriza, así como los de Warhol, asimismo ajenos a su pintura figurativa relacionada con la cultura de masas. Entre lo abstracto y lo figurativo ambos revisan la utilización del espacio a través de la repetición y la serialidad.

Flores / Andy Warhol
Los dos pintores trastocaron la figura e introdujeron propuestas autobiográficas en sus obras. Hay aquí más de cien procedentes de unas treinta instituciones norteamericanas y europeas, la mayor parte de las cuales son de ambos artistas, pero se completan con obras de Lee Krasner, Marisol Escobar, Sol LeWitt, Cy Twombly y Robert Rauschenberg, distribuidas en seis salas cuyo recorrido explicita la ruptura entre la abstracción y la figuración.


Número 27 / Jackson Pollock
El diálogo entre ambas categorías, figuración y abstracción, se muestra en la sección Rastros y Vestigios con obras de Pollock, Warhol, Marisol Escobar, Anne Ryan y Rauschenberg. A la entrada hay dos pinturas de Coca-Cola (un tema recurrente de Warhol) realizadas en 1961 y 1962 pero con trazos de líneas abstractas, y un Pollock figurativo, «Sin título (Composición de figuras)». En la sala dedicada a El Fondo como Figura están obras muy conocidas de Warhol: «Liz en plata como Cleopatra», «Un solo Elvis», «Jacquie II». Y en la dedicada a Repeticiones y Fragmentos ocupan la centralidad las duplicaciones y multiplicaciones de objetos: «Flores», «Calaveras», «Sillas eléctricas» y accidentes de coche (Pollock murió en uno cuando viajaba en su Oldsmobile acompañado de su amante Ruth Kligman).
Espacios sin Horizontes reúne ocho pinturas oxidadas de Warhol realizadas con sus fluidos de orina, a las que acompañan dos grandes cuadros de Helen Frankenthaler. En la última de las salas, El espacio como Metafísica, se incluyen obras de Warhol de los años setenta tendentes a la abstracción, en las que no es posible distinguir ninguna figura. En esta sala se ha colocado un banco para que los visitantes se sienten a contemplar con calma tres grandes cuadros de Warhol y Rothko.