SEVILLA

 

La última pintura (Del 19 de junio de 2026 al 28 de febrero de 2027, en el Centro Andaluz de Arte
Contemporáneo (CAAC), en Sevilla)

La exposición titulada La última pintura responde al encargo del CAAC de organizar una muestra que ofreciera una visión panorámica de la creación pictórica que actualmente se desarrolla en Andalucía. El proyecto se enmarca dentro de la línea de trabajo que el centro viene desarrollando desde hace años con el propósito de dar visibilidad al trabajo de los jóvenes creadores que desarrollan su actividad en nuestra comunidad.

En esa clave, una de las premisas de la selección de los artistas realizada por los comisarios para esta exposición, ha sido la de evitar que se convirtiera en un mero catálogo de nombres refrendados por el sistema del arte. Más bien, evitando restringir el concepto de pintura a los cánones en uso, nos propusimos componer una selección de obras producidas por artistas andaluces que nos permitieran mostrar la variedad de maneras de abordar la pintura en nuestros días. La ordenación de las piezas aspira a enfatizar la interrelación entre ellas, intentando ayudar a su comprensión en un marco más amplio y facilitando al mismo tiempo la adecuada interpretación de la labor pictórica personal de cada artista.

A nuestro parecer, las obras que hemos seleccionado de Irene Anguita (Córdoba, 1997), Andrés Aparicio (Villarrasa, Huelva, 1989), María Rosa Aránega (Almería, 1995), Fran Baena (Priego de Córdoba, 1999), Marta Beltrán (Granada, 1977), Fátima Calderón (Puebla de Cazalla, Sevilla, 1986), Carlos Cañadas (Granada, 1998), Alejandro Castillo (Melilla, 1992), Pilar Consuegra (Pozoblanco, Córdoba, 1982), Agus Díaz Vázquez (El Cerro del Andévalo, Huelva, 1987), Pepe Domínguez (Sevilla, 1996), Abel García (Sevilla, 1996), Sofía González (Sevilla, 1994), Susana Ibáñez (Sevilla, 1981), Julia Llerena (Sevilla, 1985), Manuel M. Romero (Sevilla, 1993), Gloria Martín (Alcalá de Guadaíra, Sevilla, 1980), Martínez Bellido (Cádiz, 1992), Elena Núñez (Sevilla, 1998), Bernar S.F. (Sevilla, 1988), Julia Santa Olalla (Granada, 1985), Raquel Serrano (Huelva, 1995), Lucía Tello (Sevilla, 1996), Jorge Thuillier (Cádiz, 1989), Cachito Vallés (Sevilla, 1986), José Luis Valverde (Málaga, 1987) y Laura Vinós (Córdoba, 1998) resultan buenos ejemplos de sus respectivos compromisos con la pintura y evidencian la singularidad de su creatividad. El conjunto de estas trayectorias tan diversas nos permite también descubrir un panorama sugerente y enriquecedor de la creación actual en Andalucía.

No es esta una exposición que aspire a ser una defensa o exaltación de la pintura dentro del panorama del arte contemporáneo. A nuestro modo de ver, ese tipo de iniciativas corren el riesgo de hacerle más daño que bien a la causa que pretenden sostener. De hecho, esta exposición bien podría haberse titulado La última exposición de pintura, y no porque creamos que esta modalidad del arte vaya a desaparecer, sino porque, a nuestro entender, en el arte la separación en géneros o disciplinas hace ya tiempo que carece de sentido y remite a criterios decimonónicos obsoletos. La creación visual contemporánea debe entenderse tal como es, esto es, como un archipiélago en el que conviven diferentes procedimientos, técnicas y modos de hacer, y cualquier reflejo adecuado de esta fragmentada realidad debe abstenerse de sustentarse en divisiones academicistas.

¿Por qué La última pintura? ¿Por qué organizar una exposición dedicada a la pintura en absoluto? Ciertamente, el encargo del CAAC era muy preciso en este sentido; tanto la demanda como la respuesta responden a que, en anteriores muestras afines, este campo había quedado inexplorado o infrarrepresentado. De ahí la necesidad de darle visibilidad. De no hacerlo, quedaría desatendida la producción pictórica, una práctica que es de hecho mayoritaria en el arte contemporáneo andaluz.

Aunque el objetivo inicial de esta exposición era mostrar el trabajo de artistas que comienzan su producción tras el cambio de siglo, no nos llevó mucho reparar en que sería pertinente incorporar obras de cinco artistas de generaciones anteriores que continúan en plena actividad. Y lo hemos hecho, por una parte, para evitar un cierto adanismo no poco frecuente en este tipo de muestras y, al tiempo, para propiciar un diálogo intergeneracional que consideramos enriquecedor para todos, jóvenes, veteranos y público. Se trata de cinco autores con una trayectoria sólida en el ámbito de la creación contemporánea, cuya producción se caracteriza por una renovación constante. Este hecho puede haber influido en que, en algunos casos, su trabajo no haya alcanzado la difusión que merece. La exposición incluye así obras de José María Bermejo (Olivares, Sevilla, 1952), Juan José Fuentes (Benamejí, Córdoba, 1954), Victoria Gil (Badajoz, 1963), Francisco Peinado (Málaga, 1941) y Juan Suárez (El Puerto de Santa María, Cádiz, 1946). Su trabajo puede servir de referencia para ayudar a entender los territorios por los que detectamos que sigue transitando buena parte de los jóvenes artistas seleccionados para la exposición. El recorrido que así queda esbozado está marcado con ciertos hitos, desde la figuración expresionista narrativa de Francisco Peinado a la abstracción más depurada de Juan Suárez, pasando por el pop surrealista de Juan José Fuentes, la memoria y lo onírico de Victoria Gil, y la idea que, de la metamorfosis, la repetición y el cambio se hace José María Bermejo.

Bajo el título de La última pintura podríamos estar refiriéndonos tanto a la pintura que se acaba de realizar, esto es, la más reciente, como a la pintura que se produce al final de una trayectoria. Sea como fuere, las obras expuestas son reflejo del compromiso de sus autores por hacer un trabajo sin concesiones fáciles. Esperamos que la senda trazada en esta muestra ayude a conocer sus obras y estimule al espectador a mirar como si de una primera ocasión se tratase. Solo así estará en condiciones de apreciar la difícil tarea de renovación a la que se enfrenta el artista en cada lienzo. Como señalara Chantal Maillard, «artista es aquel que sabe jugar en el límite, a riesgo de perderse a sí mismo, pues esta es la regla del juego; es un funámbulo que atraviesa el abismo sobre la cuerda floja a sabiendas de que la red, cualquier red, si la usa, es una trampa».

Confiamos en que esta exposición resulte de utilidad para ensanchar los horizontes del debate sobre la actualidad y la pertinencia de una actividad, la pictórica, que persiste en este mundo de vertiginoso desarrollo tecnológico que con tanta frecuencia nos atropella; una tarea antigua que quizá logre sobrevivir a pesar de sí misma.

Curro González y Alberto Figueroa

A CORUÑA

 

Doubts, de Paolo Roversi (Del 20 de junio al 20 de septiembre, en la Fundación MOP, en A Coruña)

Doubts, la gran exposición que la Fundación MOP dedica a Paolo Roversi, puede visitarse hasta el 20 de septiembre de 2026. La muestra, que incluye tanto obras icónicas del artista como imágenes inéditas hasta la fecha, propone un recorrido íntimo por la carrera de Roversi al mismo tiempo que celebra su decisiva impronta en el lenguaje de la fotografía de moda.

A lo largo de su trayectoria artística de más de cuatro décadas, Paolo Roversi ha construido un lenguaje fotográfico absolutamente propio. Y es que es capaz de insuflar vida a sus imágenes de una forma que roza lo desconcertante. Como señala el crítico Vince Aletti, muchas de las mejores fotografías de Roversi «parecen cobrar vida ante nuestra mirada... sus imágenes emocionan al punto que resulta imposible confinarlas a una página, a una pared».

Doubts es el título que Roversi ha escogido para su exposición en el Centro MOP. Y es que, para él, las dudas «abren la puerta a la creatividad y la imaginación, de igual modo que las certezas la cierran». En Doubts encontramos muchos de los elementos que mejor definen su manera de trabajar, entre los que se incluye su constante fascinación por las posibilidades experimentales que ofrece la Polaroid.

Con Doubts, la nave del Centro MOP se ha transformado en una red de secciones interconectadas, cada una de las cuales representa un aspecto diferente de la estética de Roversi: Theatre, Appearances, Shadows, Doubts, People, Presence, Grace, Beauty y Fading. Entendidas como un todo, estas secciones dan cuenta de la maestría técnica de Roversi en toda su magnitud, la peculiaridad de su visión y una convicción cuasirreligiosa de que la belleza se halla en el silencio, en las sombras y en el vacío que se da entre las cosas.

MAS INFORMACIÓN

MENORCA 2026

 

Directionless, organizada por Rashid Johnson (Del 21 de junio al 25 de octubre, en Hauser & Wirth, en Menorca)

Untitled, de Hannah Levy (2023) © Hannah Levy / Cortesía de la artista y de Casey Kaplan, New YorkDan Bradica Studio

Se trata de una ambiciosa exposición colectiva comisariada por Rashid Johnson que reunirá a 28 artistas de más de diez países en la muestra más extensa organizada hasta ahora en la sede de Menorca. El proyecto, concebido a partir de la idea de que vivimos un tiempo de profunda desorientación, propone explorar cómo el arte puede habitar la incertidumbre y generar nuevos lenguajes cuando las referencias tradicionales dejan de funcionar. La artista española Cristina Iglesias ha diseñado por primera vez el programa de escultura al aire libre, integrando obras en jardines, fachadas y recorridos naturales junto a creadores como Ali Cherri, Mona Hatoum y Rayyane Tabet. La exposición incluirá además instalaciones inéditas y piezas site-specific que reflexionan sobre la “falta de dirección” como un espacio abierto a nuevas formas de relación y significado.

MADRID

 

Carmen Laffón. Temas y variaciones (Del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en Madrid)

Repisa improvisada (2002-2003).Cortesía del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una gran exposición de la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón (1934-2021), segunda mujer en ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid como académica de número. La muestra gira en torno al personalísimo mundo figurativo de la artista, y presenta las ideas o motivos centrales de sus composiciones, que se repiten como variaciones y series a lo largo de sus más de sesenta años de carrera.  

La exposición incluye 77 obras, entre óleos, carboncillos y esculturas, que se organizan en nueve secciones dedicadas a sus iconografías más frecuentes –la muñeca Marcelina, la cuna, los cestos, los armarios, el Coto de Doñana, las viñas, la cal y las salinas–, ofreciendo un diálogo entre piezas tempranas y más tardías. 

Laffón comienza representando objetos y paisajes desde una perspectiva realista, pero, a medida que evoluciona, se interesa más por la pintura en sí misma que por lo que representa, llegando casi a alcanzar la abstracción. Realiza sus composiciones a base de veladuras y manchas difuminadas. Su trabajo, cargado de poesía y sentimiento, sigue siendo difícil de clasificar. 

Esta muestra monográfica, la primera gran exposición que se le dedica a la artista desde su fallecimiento, a finales de 2021, se centra en la naturaleza muerta y en el paisaje, los dos géneros fundamentales de su extensa obra, realizada entre 1956 y 2021. Sus interiores están ocupados por objetos cotidianos como cestos, máquinas de coser y armarios, mientras que los exteriores están relacionados con su vida en Sevilla y Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) y recogen azoteas, vistas urbanas y paisajes. Sobre estos motivos, Laffón pinta a menudo variaciones con carboncillo, temple u óleo y, a partir de mediados de 1990, también esculpe. En esta época tardía, la artista se siente más libre e incorpora series de temas más novedosos como el Coto, la viña, la cal o las salinas, que plasma en grandes formatos.

2026 VALENCIA

 

Te llamo cuerpo (Del 16 de julio al 25 de octubre, en el Institut Valencià d'Art Modern (IVAM), en Valencia)

Te llamo cuerpo forma parte del ciclo expositivo Territorios en tránsito/Solo dúo, una plataforma de intercambio y proyección que conecta a artistas de distintos contextos institucionales y geográficos. El ciclo propone el diálogo entre dos creadores —uno invitado por una institución colaboradora y otro vinculado a la Comunidad Valenciana— generando un recorrido compartido en dos sedes y dos tiempos expositivos. Este formato fomenta el cruce de miradas, lenguajes y territorios, impulsando redes de colaboración que amplían el alcance del tejido artístico contemporáneo.

La exposición Te llamo cuerpo pone en diálogo las prácticas artísticas de Marco Giordano e irene grau. En el centro de la muestra se sitúa la relación y la tensión entre el cuerpo y el mundo más que humano, un amplio horizonte que abarca desde las especies vegetales y minerales hasta las infraestructuras que habitan nuestros ecosistemas urbanos. El título Te llamo cuerpo alude al acto de reconocer elementos más que humanos, naturales o artificiales, como cuerpos, sujetos dotados de una propia esencia con los que entrar en contacto. Cada artista articula esta dinámica relacional a través de posicionamientos, modos y técnicas diferentes.

Por un lado, para irene grau su propio cuerpo es el medio a través del cual entrar en diálogo con el paisaje natural, atravesarlo, habitarlo y emplearlo como elemento para desarrollar una producción artística coherente. Sus obras son a menudo el resultado de acciones performativas, no solo huellas y documentaciones de estos procesos, sino sistemas en los que la materia natural se convierte en léxico que dialoga con la historia de la pintura y del paisaje. Por otro lado, en la práctica de Marco Giordano el cuerpo nunca se exhibe, sino que siempre se sugiere. Su investigación parte de la palabra, del sonido y de los materiales para recomponer un lenguaje escultórico intrínsecamente performativo. Su trabajo implica con frecuencia la recomposición y transformación de la materia como un acto capaz de interrogar fenómenos sociales contemporáneos que revelan fricciones políticas.

Te llamo cuerpo reúne obras preexistentes de irene grau y Marco Giordano, junto con algunas nuevas producciones de ambos realizadas específicamente para los espacios del museo, abarcando desde el medio de la pintura hasta la fotografía, y de la escultura a la instalación.

irene grau presenta una selección de obras pertenecientes a los dos ciclos brillo abrigo (2024) e Iron / A hierro (2023-2024). En esta última serie Irene trabaja desde su cuerpo hacia la naturaleza, grabando, manchando con óxido y agua los lienzos. Utiliza la fuerza para arrastrar las telas convirtiendo a la hierba en innumerables pinceles que dibujan el lienzo plasmando la acción del hombre de las minas en la obra. Toda esa fuerza queda grabada en la superficie de la obra conviviendo con toda la delicadeza del agua. El paisaje se pinta a sí mismo.  Abrigo, es un trabajo realizado en el entorno de Altamira que parte de conectar dos cuestiones esenciales, la presencia del agua a través del movimiento y la posibilidad de entenderse como refugio. Acompañará estas series con una de nueva producción realizada a partir del polvo que sustenta la fabricación de azulejos de cerámica en la zona de Castellón.

Marco Giordano construye un nuevo ecosistema poniendo en diálogo distintos ciclos de trabajo, con la amplia instalación escultórica Gridlocks (2026) como eje central. Estas esculturas están compuestas por ensamblajes de aluminio, cobre, fibra de vidrio y plástico, elementos que conforman las infraestructuras energéticas, cuerpos a menudo invisibles dentro de nuestras ciudades. Realizado a partir de materiales procedentes del desmantelamiento de cableados en Glasgow, este ciclo representa la primera etapa de una investigación de largo recorrido que el artista está dedicando al tema de la transición energética y a las lógicas productivas y extractivas que la sustentan.

BILBAO

 

 ExposiciÓn imprescindible de 2026 en España

Steve McQueen: 66–76–26 (Del 9 de octubre de 2026 al 21 de febrero de 2027, en el Museo Guggenheim, en Bilbao)

Retrato de Steve McQueen.© James Stopforth

Artista, cineasta y guionista, Steve McQueen es un creador multidisciplinar que ha expandido su visión en multitud de territorios en los que explora temas personales y colectivos a través de las imágenes en movimiento. El británico ha reconocido que le gustaría “poner al público en una situación en la que todos se vuelvan intensamente conscientes de sí mismos, de su respiración”. Las condiciones físicas y materiales de la interacción con su obra —la escala, el sonido, la luz y la relación entre el espectador y el espacio— son tan fundamentales en su práctica como el propio entorno.

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INFANCIA Y FAMILIA

 

Carl Larsson, pintor de la infancia y la familia

El artista y diseñador sueco retrató su entorno y nos recuerda que el arte no siempre nace del drama o “lo feo”

Köket –La cocina– (c. 1898).

Dominio Público

Carl Larsson (Estocolmo, 28 de mayo de 1853-Falun, 22 de enero de 1919) fue un importante pintor de la infancia y la familia, así como diseñador de interiores. Considerado una celebridad en su país natal, destacaba en la pintura acuarelista y el diseño. 

“Soy más feliz cuando pinto mi propio hogar”, afirmó. Larsson recuerda que el arte no siempre nace del drama o “lo feo”. A veces nace de mirar lo que tienes cerca y animarte a representarlo.  

Kräftskiva –Fiesta del cangrejo del río– (c. 1894). Larsson acompañó este cuadro con un verso: “Vivir en Suecia, En pradera y valle, En bosques, en lagos, En el salón de las hojas verdes, Ves, ¡eso es vivir!”.Dominio Público

Su infancia fue difícil y rodeado de miseria: sus padres carecían de ingresos económicos y debió acudir a una escuela para pobres. La vida en los barrios bajos de su infancia quedó reflejada en su obra.

Esbjörn (1910).Dominio Público

En 1866 tuvo la oportunidad de ir a la Academia de Arte de Estocolmo, donde obtuvo 12 medallas por su calidad como dibujante, pudiendo así optar a un curso de dibujo antiguo. El arte recuperó y proyectó a un niño con dificultades sociales importantes.

En 1871, además de sus estudios en la Academia, trabaja en el estudio fotográfico de los hermanos Roesler, y como dibujante en la revista humorística Kasper. La estancia de Carl Larsson en la colonia artística de Grez-sur-Loing a partir de 1882 supuso punto de inflexión importante.

Carl Larsson, en 1882.Dominio Público

Allí abandonó el óleo y comenzó a pintar acuarelas al aire libre (plein air), capturando la luz plateada característica del río Loing. Esta técnica definiría toda su obra maestra posterior.

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MÁLAGA , MUNCH Y PICASSO

 

La modernidad a dos bandas

Tras los rigores del verano, el otoño expositivo tendrá en Málaga su particular protagonista con la muestra ‘Munch-Picasso. Influencias y afinidades’, un encuentro entre los dos titanes del arte que acogerá el Museo Picasso

El artista y su modelo' (1919-1921), de Edvard Munch. / DeAgostini Picture Library / Scala, FlorenciA

Tanto por su decisiva influencia posterior como por la manera en que fagocitó a su mayor albedrío todas las corrientes artísticas previas, la posibilidad de vincular la obra de Pablo Picasso (1881-1973) con la de prácticamente cualquier otro artista está siempre al alcance. Si, digamos, todo creador asume la responsabilidad de construir un mundo a partir de su experiencia directa con la realidad, Picasso alumbró un cosmos al que ningún mundo es ajeno, con lo que siempre hay un resquicio en el que la conexión es factible. Al mismo tiempo, las asociaciones críticas e históricas del malagueño con sus contemporáneos que no formaron parte de su círculo directo a menudo deparan, todavía, sorpresas reveladoras. A primera vista, resultaría difícil establecer vínculos estéticos claros e inmediatos entre Picasso y el pintor noruego Edvard Munch (1863-1944), pero esto es justo lo que pretende el Museo Picasso Málaga con su exposición temporal Munch-Picasso. Influencias y afinidades, que tendrá su inauguración el próximo 30 de octubre y podrá verse hasta el 27 de febrero de 2027. De entrada, encontramos en Picasso y en Munch dos puertas plenas de sentido a la modernidad, dos parteras de la criatura que concede la prioridad a la mirada del artista antes que a la realidad representada; y, por mucho que tal nacimiento parezca producirse desde dos vías distintas, corresponderá comprobar en qué medida Munch y Picasso, cada uno desde su latitud y desde sus inquietudes, se estaban refiriendo a lo mismo y con las mismas armas. En cualquier caso, la ocasión promete regalar otra exposición histórica al ya abultado recorrido al respecto del Museo Picasso, con especial protagonismo en el calendario artístico del otoño malagueño. 

'El pintor y la modelo' (1963), de Pablo Picasso. / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Comisariada por la jefa del Área de Conservación de Pintura Moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Paloma Alarcó, la exposición cuenta con la colaboración del Munchmuseet Oslo y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso (FABA) y numerosos préstamos de museos españoles como el Museu Picasso Barcelona, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, así como los museos internacionales Tate de Reino Unido, Albertina Museum de Viena, MoMA de Nueva York, o Kode de Bergen, entre otros. La exposición, que reunirá más de un centenar de obras entre pinturas, grabados y dibujos, “propone descubrir las influencias mutuas y las numerosas afinidades temáticas, además de averiguar las preocupaciones similares que subyacen en los múltiples aspectos del arte de ambos artistas y sondear hasta qué punto su creación radical ha moldeado la forma en que vemos hoy el mundo”, según informaron desde el Museo Picasso. 

La exposición reunirá más de un centenar de obras entre pinturas, grabados y dibujos, con préstamos de museos nacionales e internacionales

Más allá de la posibilidad de esgrimir cualquier relación de influencia directa (sería en todo caso Picasso susceptible de haber abrigado alguna huella de la obra de Munch, aunque tal extremo sería discutible siempre), la exposición plantea un recorrido por los temas y conflictos compartidos que articularon la obra de ambos creadores: el amor y el deseo, la enfermedad, la muerte, la soledad o la angustia existencial. Es decir, la propuesta establece una mirada amplia al tiempo que compartieron los dos creadores, un periodo marcado por la tragedia en el continente europeo y en el que los códigos artísticos, filosóficos e intelectuales viraron desde cierta esperanza ensimismada a códigos muchos más grises. Como contrapunto, tanto Picasso como Munch compensaron la deshumanización del entorno con una atención creciente a las emociones más íntimas, surcadas también, de manera inevitable, por la fatalidad y el desánimo existencial. La figura femenina ocupa un lugar central en ese universo simbólico. Admiradas y deseadas, las mujeres aparecen también como presencias complejas y ambiguas, reflejo de las tensiones afectivas y psicológicas que marcaron el imaginario de ambos artistas. Otro de los espacios de encuentro se sitúa en la vida moderna y sus escenarios de sociabilidad (cafés, cabarets y ambientes bohemios) constituyeron para Munch y Picasso lugares de experimentación y observación desde los que construir una nueva visión del individuo contemporáneo. “El diálogo entre ambos artistas permite reconsiderar el alcance de una creación radical que contribuyó decisivamente a redefinir el arte moderno y nuestra manera de comprender el mundo”, señalan al respecto desde el Museo Picasso a modo de justificación de la exposición. Si la modernidad exigía un empeño colosal para abrir una brecha al arte en un siglo catastrófico, Munch y Picasso lo lograron en virtud de un compromiso firme para el que no había vuelta atrás. Aunque en vida corrieron suertes muy distintas, la posteridad garantizó que habría que volver a ellos, necesariamente, para explicar el modo en que su siglo decidió inventar un arte nuevo para representar una realidad inasumible. 

MÁLAGA HOY

PABLO BUJALANCE

VALENCIA (FUNDACIÒN BANCAJA)

 

Banner de la exposición 'Compromiso con el arte. De Miró a Barceló'Fundación Bancaja

De Miró a Barceló: Fundación Bancaja ratifica su compromiso con el arte

La entidad muestra en Valencia obras maestras de los siglos XX y XXI

Más de un siglo de historia de la pintura se da cita este año en Valencia gracias a una de las grandes apuestas culturales de la Fundación Bancaja. La entidad vuelve a reivindicar su compromiso con la difusión artística con una exposición que reúne obras de algunos de los nombres más influyentes del arte contemporáneo, desde Pablo Picasso y Joan Miró hasta Miquel Barceló.

El resultado es un recorrido excepcional que permite al visitante descubrir la evolución de las principales corrientes artísticas de los siglos XX y XXI a través de piezas procedentes de dos importantes colecciones privadas.

La exposición Compromiso con el arte. De Miró a Barceló, organizada por la Fundación Bancaja y ABANCA, abre una ventana a más de cien años de creación artística mediante una selección de fondos pertenecientes a ambas instituciones. La muestra, que puede visitarse en la sede de la Fundación Bancaja en Valencia hasta el próximo 6 de septiembre, propone un diálogo entre diferentes generaciones de artistas y movimientos que han marcado el desarrollo de la pintura moderna y contemporánea.

Comisariada por el crítico y profesor Fernando Castro Flórez, la exposición plantea una lectura retrospectiva que arranca en las vanguardias históricas de principios del siglo XX y llega hasta las manifestaciones artísticas más recientes. El recorrido reúne obras realizadas entre 1913 y 2023, permitiendo observar cómo han evolucionado los lenguajes visuales durante más de cien años de experimentación, innovación y búsqueda creativa.

La iniciativa es fruto de la colaboración entre Fundación Bancaja y ABANCA, una alianza que ya permitió exhibir este proyecto en A Coruña durante el otoño de 2025. Ahora, la propuesta llega a Valencia renovada, con una nueva selección de piezas que amplía la conversación entre ambas colecciones y ofrece una experiencia diferente al público valenciano.

86 obras firmadas por 59 artistas

La muestra está integrada por 86 obras firmadas por 59 artistas. De ellas, 48 pertenecen a la Colección ABANCA y 38 forman parte de los fondos artísticos de la Fundación Bancaja. Juntas construyen un relato que atraviesa algunos de los momentos más relevantes de la historia del arte reciente, reflejando la riqueza y diversidad de estilos que han definido la creación contemporánea.

Entre las piezas expuestas destacan trabajos de figuras fundamentales de las vanguardias europeas como Pablo Picasso, Joan Miró, Wassily Kandinsky, Georges Braque, Juan Gris, Paul Klee, Marc Chagall o Giorgio de Chirico. Sus obras permiten comprender el impacto de movimientos que revolucionaron la forma de entender el arte durante el siglo XX y que todavía hoy siguen influyendo en las nuevas generaciones de creadores.

La exposición también presta especial atención a algunos de los grandes representantes del informalismo español. Nombres como Antonio Saura, Rafael Canogar, Manolo Millares o Antoni Tàpies muestran cómo la pintura exploró nuevos caminos expresivos alejados de las formas tradicionales. Junto a ellos aparecen artistas vinculados a la abstracción geométrica, como Eusebio Sempere y José María Yturralde, cuyas propuestas ponen de manifiesto la importancia de la investigación visual en el arte contemporáneo.

El recorrido continúa con autores que han desarrollado diferentes formas de abstracción y experimentación pictórica, entre ellos Sean Scully, José Manuel Broto, Antón Lamazares, José María Sicilia, Miguel Ángel Campano o Günther Förg. Sus trabajos conviven con planteamientos más cercanos al arte pop y a la figuración contemporánea representados por creadores como Equipo Crónica, Luis Gordillo, Darío Villalba, Anzo, Juan Barjola, Juan Navarro Baldeweg o el propio Miquel Barceló, una de las figuras más reconocidas del arte español actual.

La naturaleza y el paisaje urbano también tienen presencia en la muestra a través de obras de artistas como Miquel Navarro, Cristina Iglesias, Urbano Lugrís o Julian Opie, que aportan nuevas perspectivas sobre la relación entre el ser humano y su entorno.

Compromiso con el arte. De Miró a Barceló puede visitarse en la sede de la Fundación Bancaja, situada en la plaza de Tetuán de Valencia, desde el 25 de abril hasta el 6 de septiembre de 2026. El horario de apertura es de martes a domingo, de 10:00 a 14:00 horas y de 16:30 a 20:30 horas. Además de la visita libre, la entidad ofrece visitas comentadas para público general y grupos organizados, una oportunidad para profundizar en las claves de una exposición que confirma la apuesta de la Fundación Bancaja por acercar al gran público algunas de las obras y artistas más relevantes del arte contemporáneo.

PINTURA IMAGINATIVA

 

Las mujeres sin rostro de Ewa Juszkiewicz

La artista polaca expone 24 obras en las que sustituye el rostro de mujeres pintadas por artistas de los siglos XVII al XX, por telas y elementos orgánicos

Se trata de una exposición de pinturas al óleo de una singularidad muy imaginativa. La artista polaca Ewa Juszkiewicz ha realizado una serie de retratos de mujeres pintadas por artistas de los siglos XVII al XX sustituyendo sus caras por elementos diversos que van desde plantas, flores, frutas, formas orgánicas y cabellos, hasta telas y joyas, a veces en combinación. El resultado es de una belleza extraordinaria y al mismo tiempo inquietante, incluso a veces siniestra, desde «Girl in blue», la primera que pintó en este género, hasta las otras 24 que se pueden ver en la exposición.

A lo largo de la historia ha habido artistas que han utilizado figuras, paisajes o creaciones de otros para crear o recrear nuevas obras. Es lo que se conoce como Arte de apropiación. Ewa Juszkiewicz deconstruye, interpela, distorsiona, transforma y deforma las obras originales, todas ellas retratos femeninos, para crear un nuevo concepto. Aunque la obra de Ewa Juszkiewicz ha podido verse en exposiciones colectivas en el Brooklyn Museum de Nueva York, el Centro Pompidou o los museos de Arte Moderno de París y el National Museum de Pekín, es la primera vez que un museo dedica una muestra individual a la obra de esta artista polaca nacida en Gdansk en 1984.

La exposición se inscribe en el marco de la operación que Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza vienen desarrollando desde hace algunos años para ampliar los fondos del museo. El Thyssen suele adquirir una de las obras que se exponen en la muestra una vez finalizada. Las obras que forman parte de esta exposición fueron realizadas entre 2013 y 2026, y algunas creadas exclusivamente para esta exposición. Son composiciones todas ellas en las que el rostro de la mujer queda oculto. Para crearlas, la artista polaca parte de pinturas históricas y se apoya en el surrealismo y el pop art. De este modo las reinterpreta cuestionando los ideales de belleza femenina con los que la mujer ha sido representada a lo largo de la Historia, y combina la tradición pictórica de los clásicos con un radicalismo subversivo que transforma las obras de referencia en elementos estéticos contemporáneos.

Ewa Juszkiewicz amplía de este modo los límites del retrato hacia una nueva interpretación histórica contemporánea de lo que a través del género se manifiesta como identidad o semejanza. Ocultando los rostros de las mujeres se da un mayor protagonismo a la vestimenta, la pose y al entorno en el que se sitúan, así como se evaden los ideales de belleza que respondían a normas de decoro y restricción social. Y a elementos como las plantas, vinculados a la pintura de bodegones y a su identificación con las artes decorativas. Con esta técnica, los nuevos retratos se abren a nuevas interpretaciones y a múltiples lecturas.

FARO DE VIGO